Nicola ama il cinema giapponese

アウトレイジ (Outrage)

2010-12-31T00:11:00.004+01:00

Ed ecco l'ultimo film di Takeshi Kitano. Ed ecco il primo film di Takeshi Kitano che recensisco nonostante li abbia visti già tutti.

Il boss della più grande associazione mafiosa del Kanto, Sekiuchi, convoca un summit di tutte le cosche affiliate. Attraverso il suo luogotenente Kato e uno dei suoi più fedeli seguaci, Ikemoto, intende rimettere in riga una cosca indipendente, i Murase, colpevoli di disturbare i traffici della grande organizzazione. Il capo, per l'appunto il signor Murase, ha stipulato in passato un patto di sangue in carcere con lo stesso Ikemoto, il quale si trova molto in difficoltà a mettere in pratica personalmente l'ordine del grande capo e si rivolge a sua volta ad uno dei suoi affiliati minori, Otomo, a capo di una banda molto violenta. Otomo (interpretato da Takeshi Kitano che appare sullo schermo con il suo solito soprannome d'arte "Beat Takeshi") e i suoi eseguono gli ordini senza battere ciglio e con la loro solita cinica violenza: Ikemoto intanto agisce nell'ombra, da un lato istigando e commissionando le violenze e dall'altra fingendosi non responsabile di tali misfatti

agli occhi del boss Murase. Sekiuchi intanto dall'alto continua a muovere i fili delle sue marionette a loro stessa insaputa commissionando omicidi ed azioni atte a portare il caos nel panorama mafioso dell'intera zona, con lo scopo di portare le cosche minori all'auto distruzione. Si scatena così una guerra senza esclusione di colpi.

Finito il periodo di crisi artistica, padre di una controversa trilogia cinematografica introspettiva e sperimentale, Kitano ritorna nella scena (iscrivendosi in concorso a Cannes, cosa che non accadeva dal 1999, quando presentò 菊次郎の夏(Kikujirō no natsu), titolo Italiano "L'Estate Di Kikujiro") muovendosi agevolmente in un genere a lui caro e nella realizzazione del quale dichiara di avere del talento: il genere Yakuza.

Kitano gira e monta personalmente un film concitato ma dall'incedere un pò incerto, lasciando quà e là la sua impronta, come la macabra comicità di alcune scene, e la ghiotta fantasia del far morire i suoi personaggi nelle maniere davvero più disparate

Ma se vi aspettate il solito film di Yakuza, quello dei valori medioevali, dell'onore e della fratellanza, delle vite distrutte di giovani eroi gangster rimarrete a bocca asciutta: per Kitano oramai la Yakuza è diventata un'associazione d'affari guidata a boss vili e senza scrupoli, traditori e bugiardi generali di piccole armate di giovani destinati ad essere carne da macello. E' un gioco allo sterminio ed il destino degli sfortunati giocatori di questa partita è quello di soccombere, per venire sostituiti solo da altri sfigati che faranno la stessa fine, oppure di salvare la pelle facendosi arrestare proprio quando l'avversario li sta per sterminare. Il tutto sotto gli occhi di poliziotti corrotti e conniventi che come arbitri dettano le regole del gioco, chiaramente piegate a favore di chi paga di più.

Manca come l'aria l'impronta di Joe Hisaishi nella colonna sonora, sostituito da Keiichi Suzuki, già autore delle musiche di Zatoichi, sempre di Kitano, del 2003.

アウトレイジ (Autoreiji - Outrage)

Giappone, 2010. Regia di Takeshi Kitano

紅の豚 (Il Maiale Cremisi) - Porco Rosso

2010-12-22T00:56:00.006+01:00

Chissà perchè ho visto tutti i film di Miyazaki e non ne ho mai recensito neanche uno, proprio come è successo per i film di Kitano, visti tutti e mai recensiti. Forse, la spiegazione a questa mia mancanza sta nel fatto che i film di Miyazaki sono talmente incredibili che ogni parola scritta a loro riguardo può solo scolorirne la magia. Ma vorrei pur cominciare a scrivere di questi film e non c'è momento migliore di questo, a caldo e a poche ore dall'uscita della piccolissima e squallidissima sala del cinema d'essai che ha avuto la decenza di comprare una copia di questa pellicola e proiettarla per diverse settimane, a discapito della penosa distribuzione della Lucky Red che chissà come questa volta si è [quasi] dimenticata della Sardegna.

Siamo alla fine degli anni '20. In un'Italia immaginaria (ma neanche tanto), un misterioso pilota di idrovolanti da caccia si guadagna da vivere come cacciatore di taglie imperversando nella zona dell'Adriatico settentrionale. Il suo nome è Marco Pagot, soprannominato Porco Rosso: "Porco" perchè ha le sembianze di un maiale antropomorfo, "Rosso" perchè il suo aereo è di colore rosso cremisi. I cosiddetti Pirati Dell'Aria, cui il maiale dà continuamente la caccia rifilando loro sonore batoste si uniscono in una lega e assoldano un pilota americano, tale Donald Curtis, dotato di ottime capacità di pilotaggio e di un aereo estremamente agile e potente per farlo fuori. Il maiale volante, con l'aiuto di una giovanissima ragazza e di un'intera comunità di artigiani aeronautici, di un'avvenente cantante di cabaret nonchè di insospettabili compagni d'ala fascisti ingaggerà con l'americano una lotta fino all'ultimo colpo.

Punti metallici rilucenti i raggi solari volano tra le plumbee cattedrali di vapore lì su nel cielo, e lì sotto il mare, una distesa amica dove solo gli idrovolanti possono atterrare e che concede ai piloti degli stessi qualche grattacapo in meno in fatto di pianificazione di consumo carburante, e in caso sia necessario trovare un campo d'emergenza per un atterraggio di fortuna. Una distesa blu costellata di isole, golfi e paesaggi da mozzare il fiato. Siete pronti ad immergervi nell'ennesimo paradiso made in Ghibli? E chi non sognerebbe di immedesimarsi in Marco Pagot, libero come un'aquila ed affascinante come una blasonata star di Hollywood, se pur con quella sgradevole faccia da maiale. Ma le donne dalla Dalmazia all'Istria non se ne curano, è lui la superstar dei cieli, mietitore di pirati e di cuori. Chi non sognerebbe di attraccare col proprio idrocaccia da corsa nel molo di un'elegante isoletta della costa Dalmata in una sera di mezz'estate, solo per andare a prendere un drink in un lussuoso albergo? Chi non sognerebbe di vivere un'avventura così incredibile?

Sono chiare le idee di Miyazaki in fatto di guerra: La guerra fa schifo e questo lungometraggio è il suo ennesimo messaggio su questa frequenza. "Meglio maiale che Fascista", sentenzia Pagot parlando in segreto con un suo vecchio compagno d'ala, ora alto ufficiale della "Regia Aeronautica", quel dannato e ridicolo epiteto usato sovente per dare un gusto meno schifoso ad una bocca che deve pronunciare "Aeronautica Fascista". Non si fa scrupoli il Maestro a dipingere un Fascismo ladro e stupidamente autarchico, in un'epoca d'incertezze in cui una bottiglia d'olio era preziosa merce di scambio. Sono chiare le idee di Miyazaki in fatto di non violenza: Pagot è un eroe romantico che se non è sicuro di lasciare il suo avversario perfettamente incolume, non spara un colpo della sua letale mitragliatrice.

"Un maiale che non vola è solo un maiale". "Un maiale che vola è pur sempre un maiale". Il Pagot non si cruccia più di tanto del suo aspetto frutto di una misteriosa maledizione arrivata dopo essere scampato non si sa come da una carneficina aerea durante la grande guerra: sembra quasi che rifiuti l'umanità e la sua violenta e nauseante idiozia, ed è terribilmente bella e toccante quella sequenza in cui Miyazaki riesce a mostrare la vera spettrale insensatezza della guerra. Da triplo nodo alla gola e da antologia del cinema.

E anche in questo film c'è la completa rinuncia del maestro alla netta separazione tra bene e male, perchè nel mondo tutto ciò che vive è bene, e guardando gli occhi di una bella ragazzina di diciassette anni si scopre che questa schifosa umanità non è poi da buttare via, parole del maiale, mica scemo. I nemici nei film di Miyazaki hanno sempre un gran cuore, e dopo lo scontro finale scattano una foto con chi li ha battuti; i "cattivi" nei film di Miyazaki sono "così cattivi" che anche dopo anni dalla batosta presa dal buono di turno tengono con lui una corrispondenza epistolare. Quando ci si immerge in un paradiso creato dal maestro, si pensa sempre che ci si vorrebbe proprio stare, in quel posto, e si rimane a bocca aperta dall'inizio alla fine della storia, e con un magone in gola, perchè in qualsiasi modo vadano le cose, va sempre tutto alla grande.

Lati oscuri del film? Forse uno. Anche in questo, come in altri film di Miyazaki una delle protagoniste è una giovanissima ragazza: Fio, la nipote del proprietario della ditta Piccolo S.p.A. La differenza rispetto agli altri lavori del regista sta nel fatto che in questo caso le attenzioni e le fantasie dei personaggi comprimari e secondari verso la ragazzina sono spesso di tipo anche non troppo velatamente sessuale. Il carisma di Fio nei confronti della truppa dei Pirati Dell'Aria deriva non tanto dalla sua intelligenza e determinazione, che sono cristallizzate nello svolgimento dei fatti, ma come conseguenza della puberale avvenenza del suo aspetto fisico, tanto da far diventare la ragazza nelle scene finali addirittura un "trofeo di combattimento". I più maliziosi hanno visto poi nella fusoliera dell'idrovolante smontata e posizionata sul camion nell'officina tanto ammirata ed esaminata con cura dalla stessa ragazza un gigantesco simbolo fallico, ma se possiamo classificare quest'ultima constatazione come deviata psicologia spicciola del subliminale, c'è da porre attenzione sul come più volte l'anziano titolare dell'officina avverta il Pagot di "tenere giù le mani" dalla ragazza, avendo notato un particolare interesse dell'uomo nei suoi confronti, interesse che dura per tutto il film addirittura oscurando le attenzioni del protagonista verso una persona importante come la donna dello stesso pilota, la cantante Madame Gina, anagraficamente più vecchia della ragazza. Non posso certo svelare il nebbioso finale del film ma posso dire che proprio la ragazzina sarà in grado, come nessuno ha mai fatto, di segnare un solco nel destino del Pagot. Penso che qui più che in ogni altro film di Miyazaki emerga, magari involontariamente (ma anche no) quell'isterico feticismo per la giovinezza e per le ragazzine minorenni di cui sia la società Giapponese che media Giapponesi sono noiosamente ricolmi.

Il maestro Hayao Miyazaki è un grande appassionato di aerei. Ogni sua opera cinematografica contiene numerosi richiami al volo, alla tecnica aeronautica ed aerospaziale e le animazioni dei mezzi volanti da lui creati e riportati nello schermo sono a volte vere e proprie lezioni di aerotecnica (guardatevi ad esempio la sigla finale di 魔女の宅急便(Majo no takkyūbin - Kiki's Delivery Service) del 1989: qualdo l'aereo a pedali pilotato da Tonbo rischia di toccare il suolo a causa di un assetto picchiato, la protagonista che lo segue a cavalcioni di una scopa volante dà un calcio verso il basso nella parte posteriore dell'aeromobile, in corrispondenza dello stabilizzatore orizzontale, dando all'aereo un momento cabrante sufficiente a fargli riprendere quota). E se tutti i suoi film sono un continuo omaggio al volo, "Porco Rosso" è l'apoteosi della passione aeronautica del maestro dell'animazione Giapponese.

E come fanno tutti i Giapponesi appassionati di qualcosa, anche Miyazaki dimostra di essere maniaco della sua passione. Avete mai sentito parlare della Coppa Schneider? Sicuramente no: era una competizione per idrovolanti da corsa che fu istituita nel 1911. Il film è ambientato in quell'epoca a cavallo delle due guerre, un'epoca d'oro per lo sviluppo aeronautico: furono infatti i prototipi iscritti a questa competizione che introdussero importanti innovazioni nella tecnica aeronautica, come i motori raffreddati a liquido, le fusoliere aerodinamiche, e il famosissimo motore Rolls Royce Merlin, installato sui prototipi vincitori delle ultime due edizioni della coppa e successivamente dominatore incontrastato nei duelli aerei dei cieli di mezza europa e del pacifico.

Innumerevoli sono i riferimenti alla storia aeronautica citati in questo lungometraggio. Ne cito alcuni (alcune delle seguenti info provengono da Wikipedia):

- Il primo pilota dei due caccia appartenenti alla grande nave da crociera assaltata dai Pirati Dell'Aria è Francesco Baracca, che è realmente stato un grande aviatore italiano nella prima guerra mondiale a cui sono dedicati aeroclub e strade.
- Il secondo è Adriano Visconti, asso della seconda guerra mondiale con dieci vittorie al suo attivo.
- Uno dei personaggi della storia è un aviatore ex commilitone di Porco Rosso di nome Ferrarin. Un aviatore di nome Arturo Ferrarin è realmente esistito e nel 1920 ha coperto per la prima volta il percorso aereo Roma-Tokyo assieme a Guido Masiero. Ferrarin ha effettivamente pilotato, nella Coppa Schneider del 1926, l' idrovolante da corsa Macchi MC39 con cui lo si vede in una scena affiancare il velivolo di Porco Rosso. Altri invece ritengono che il nome Ferrarin del personaggio sia un omaggio a Carlo Ferrarin, disegnatore e progettista della fabbrica di aeromobili Caproni , progettista del Caproni C-22J, un aeromobile a getto estremamente simile proprio al velivolo pilotato da Fio in una delle scene finali del film, durante un sorvolo in tempi moderni dell'isola dell'albergo più volte vista nel film.
- Uno dei compagni di stormo di Marco Pagot/Porco Rosso ai tempi della Grande Guerra si chiama Bellini: si ritiene che sia un omaggio al tenente Stanislao Bellini, test pilot del Macchi-Castoldi M.C.72, morto durante un volo di messa a punto di tale prototipo.
- Quando Porco Rosso ripara il suo aereo lo porta dal costruttore dello stesso, la "Piccolo S.p.A.", il cui titolare gli propone un nuovo motore (un FIAT A.S.2, vincitore della Coppa Schneider del 1926, vinta dall'italiano Mario De Bernardi) sui cui compare la scritta "Ghibli", soprannome del bimotore multiruolo della seconda metà degli anni trenta Caproni Ca.309. Il nome dello studio cinematografico fondato dal regista (Studio Ghibli) è infatti anche un tributo alla passione di Miyazaki per la storia dell'aeronautica.
- Benché l'iconografia ed il merchandising posteriore al film lo identifichino come SIAI S.21 (citato anche erroneamente come Savoia S.21 o Savoia-Marchetti S.21), Porco Rosso pilota un idrovolante di fantasia ispirato a due velivoli realmente esistiti: il SIAI S.12/S-13 biplano idrovolante da ricognizione/caccia e il Macchi M.33 monoplano idrovolante da competizione. Il SIAI S.21 è, contrariamente a quello protagonista del film, un biplano.
- "Mamma aiuto", nome di una delle bande di pirati, è una citazione di Mammaiut, soprannome dell'idrovolante CANT Z.501, diventato poi il grido di reparto del 15º Stormo SAR.

Proiettato per la prima volta nel 1992, questo capolavoro di Hayao Miyazaki è stato distribuito per il grande schermo in Italia solo nel novembre del 2010. Era ora.

紅の豚(Kurenai No Buta - Porco Rosso)
Giappone, 1992. Regia di Hayao Miyazaki

ハチ公物語 (La Storia Di Hachiko)

2010-07-05T01:27:00.003+02:00

Questo film del 1987 era in archivio già da tempo, ma visto il grande clamore generato dall'uscita del film "Hachi", del 2009 diretto da Lasse Hallstrom e interpretato da Richard Gere, ho pensato fosse opportuno recuperarlo.

Ho già parlato di questa storia in questo post del blog nicolaingiappone, ripropongo qui un pezzo di quel post. "ハチ公(Hachikō) era un bellissimo esemplare di razza 秋田(Akita), apparteneva ad un importante professore universitario di nome 上野英三郎(Ueno Hidesaburō) che nel 1924 venne trasferito al dipartimento di agricoltura dell'università di Tokyo. Hachiko era solito accompagnare il suo padrone tutte le mattine alla stazione di Shibuya, e lì aspettava fino a sera quando il professor Ueno tornava, per accoglierlo festosamente. Il professor Ueno morì un anno dopo, nel 1925. Hachiko, dopo la morte del padrone, continuò a raggiungere la stazione tutte le mattine, e ad aspettare il suo padrone fino a sera, ogni singolo giorno dell'anno. Quattro anni dopo, nel 1928, venne nominato un nuovo capostazione, che accortosi del fedele inquilino, gli permise di girare liberamente per la stazione, e di dormire in un ripostiglio vicino alla sua pensilina. Hachiko non smise mai di rispettare l'orario di partenza e di arrivo del treno utilizzato dal suo padrone. I gestori dei punti di ristoro della stazione cominciarono a nutrirlo, e sebbene molti avessero dubbi sul fatto che fosse lì esclusivamente per il cibo che gli davano, rimaneva il misteriosamente inspiegato il fatto che il cane fosse sul binario sempre alla stessa ora di mattina e di sera. La devozione di Hachiko nei confronti del padrone commosse molte persone, e fu così che venne chiamato 忠犬ハチ公(chūken Hachikō - Il Fedele Hachiko). Nell'aprile 1934 venne eretta in suo onore una statua, fusa dallo scultore Shou Ando, proprio davanti all'ingresso occidentale della stazione di Shibuya, e Hachiko era lì, presente. L'8 marzo 1935 il cane non si presentò all'usuale appuntamento delle 18:00. Morì quel giorno, di una malattia chiamata Filariasi. Dopo la morte del padrone, per 10 anni, non smise mai un giorno di aspettarlo alla stazione di Shibuya. I maggiori giornali di Tokyo ne diedero notizia, vennero celebrati solenni funerali alla presenza delle autorità e Hachiko divenne il maggior esempio citato dai genitori per la buona educazione dei bambini, la sua devozione infatti rispecchia in pieno lo spirito di sacrificio e di devozione del quale dev'essere dotato un buon Giapponese. I resti di Hachiko sono conservati in stato di imbalsamazione nel 国立科学博物館(Kokuritsu Kagaku Hakubutsukan - Museo Nazionale della Scienza) di Ueno, Tokyo" ... "Ogni anno da allora, il 7 marzo, viene celebrata una festa nel piazzale Hachiko, chiamata 忠犬ハチ公まつり(Chūken Hachikō Matsuri - Festa in onore del Devoto Hachiko)".

Il film è abbastanza lento, una sterile trasposizione della vita del cane, raccontata dalla sua nascita alla sua morte. Il professore, la sua vita e la sua morte sono eventi marginali come è giusto che sia, cosiccome sono marginali i personaggi che si avvicendano nella narrazione. A proposito del ritmo: se non amate la lentezza dei film Giapponesi, odierete questo film! Lodevole sterilità estesa anche alle scene commoventi che sono pompate pochissimo, al contrario di come invece dev'essere il film del 2009: progettato per far piangere. Ecco uno dei lati positivi di ハチ公物語(Hachiko Monogatari): è che non strappa lacrime, o quasi.

Non so nulla di come ci si comportasse negli anni '20 in famiglia, ma nella famiglia Ueno, un po' come succede ai giorni nostri, le donne comandano! Il povero professore si deve padroneggiare tra i diktat di una moglie insistente e opprimente e dai capricci di una figlia capricciosa e viziata. Tutto il contrario insomma di quella presunta società maschilista, quella Giapponese, raccontata e supposta da molti. Non ho termini di paragone, parenti o amici Giapponesi in grado di raccontare come effettivamente fosse la vita nel Giappone degli anni '20, ma per alcuni aspetti questa sceneggiatura mi sembra tanto artificiosa e televisiva. Tutto il film poi è girato in set, ovviamente era impossibile riprodurre la stazione di Shibuya di quegli anni, ma alla fine vedere sempre lo stesso tram passare, i muri di cartapesta dei palazzi, fa sembrare l'ambientazione una piccola disneyland.

Il film ebbe un enorme successo ed incassò l'equivalente di 60 milioni di dollari, oltre ad essere premiato in diversi concorsi cinematografici nazionali.

ハチ公物語 (Hachikō Monogatari - La Storia Di Hachiko)

Giappone, 1987 - regia di Seijiro Koyama

アマルフィ女神の報酬 (Amalfi: La Ricompensa Della Dea)

2010-06-23T20:03:00.004+02:00

Toh, un film Giapponese completamente girato in Italia per festeggiare i 50 anni della Fuji TV!

Roma, dicembre 2009, vigilia di Natale: c'è il G8 nella capitale e con l'arrivo dei capi di stato e dei ministri dei paesi più industrializzati del mondo tutte le ambasciate sono in fermento, soprattutto quella Giapponese che attende l'imminente arrivo del ministro degli esteri Wataru Kawagoe, impegnato in una difficile trattativa diplomatica che riguarda degli aiuti umanitari destinati alla solita fittizia repubblica ex-sovietica in guerra civile (topic tanto inflazionato anche nel cinema occidentale per comporre sceneggiature ambientate in scenari di guerra): questa volta la repubblica si chiama "Valcania", e il ministro Kawagoe sarà protagonista di un importante accordo nientemeno che col primo ministro Italiano (per fortuna nel film nessun accenno al Berlusca, neanche una caricatura, niente di niente). La protezione del ministro Giapponese e la gestione delle misure anti-terrorismo sono affidati da Tokyo al super cazzuto tenebroso ed efficientissimo agente esperto nel campo dei cattivoni tale Kosaku Kuroda, interpretato da un legnoso 織田裕二(Oda Yūji). Principale si fa per dire artefice del casino in ambasciata è la giovanissima e sbadata stagista Masaki Fujii, interpretata dalla bella, giovanissima e famosa 戸田恵梨香(Toda Erika)(la ricorderete come la idol Misa Amane, cattivissima alter-ego di Kira in Death Note, The Last Name e come la dolcissima invidiatissima ragazza del belloccio del drama "Nobuta Wo Produce", Mariko Uehara).

Le cose sembrano andare per il meglio quando proprio la nostra stagista riceve una richiesta d'aiuto da parte di una signora Giapponese, Saeko Yakami, interpretata da 天海祐希(Amami Yūki), che non trova più sua figlia, in viaggio con lei a Roma e in attesa di una importante e delicatissima operazione chirurugica agli occhi. La giovane Masaki chiede aiuto a sua volta ad un importante consigliere dell'ambasciata che decide di affiancarle Kuroda a causa della non eccellente capacità della stagista di parlare l'Italiano. Il nostro Kuroda invece se la cava abbastanza bene in Italiano: la signora Yakami riceve una chiamata dal cellulare della figlioletta e scopre che la stessa è stata rapita: il rapitore parla con Kuroda che si finge il padre della bambina. Entra in gioco la polizia Italiana capitanata da un pesantissimo Rocco Papaleo che dice la sola cosa intelligente di tutto il film: il fatto che Kuroda si sia spacciato per il padre della bambina lo costringerà a stare sempre con la signora Yakami, per non insospettire i rapitori.

La protezione del primo ministro così va a puttane con grande disappunto dell'ambasciata, cosiccome i tentativi di avere contatti coi rapitori che sembrano essere sempre un passo avanti rispetto agli investigatori e pure al nostro super agente. Le indagini porteranno il Kuroda a scoprire un intrigo ben più grave e complesso di un semplice rapimento, e a viaggiare pure ad Amalfi.

Una delle cose più interessanti di questo film è che è recitato per un grande numero di battute in Italiano dai protagonisti Giapponesi che si sforzano alquanto e con un certo successo per avere una buona pronuncia della nostra lingua, e poi ci sono gli attori Italiani capitanati dal nostro Papaleo che purtroppo mostrano quanto schifo faccia il nostro attuale "parco attori". Forse la recitazione più credibile è quella del receptionist dell'hotel in cui alloggia Kuroda, con quel suo naturalissimo accento romanesco, o il passante che manda a quel paese Kuroda che lo urta durante un inseguimento, sempre in romanesco ovviamente.

Per il resto, abbiamo dei rapitori e dei terroristi alquanto amanti delle bellezze del nostro paese e soprattutto di Roma, visto che fanno disperare il povero Kuroda tra Castel Sant'Angelo, Piazza di Spagna e i principali luoghi turistici della capitale, e poi lo fanno andare pure ad Amalfi (non a Torre Del Greco, Potenza o Mazzara Del Vallo, ma ad Amalfi), con alcune scene ambientate alla Reggia di Caserta, etc. Le forzature non mancano, mentre l'unica cosa non enfatizzata è l'idiozia di un pò tutti gli Italiani, soprattutto delle forze dell'ordine (fantastico il cordone umano che alcuni agenti formano davanti all'ambasciata Giapponese per evitare che una piccola folla di poliziotti (Poliziotti!!!) vi penetri in maniera non legittima in quanto zona diplomatica), poi il personaggio interpretato da Papaleo è talmente pesante e idiota che davvero ci si vergogna di essere Italiani.

Per il resto, tanti luoghi comuni anche fuori luogo come il cono gelato (intero) calpestato da Kuroda in Piazza di Spagna (peccato che sia il 24 dicembre), l'immancabile pizza, le griffe dell'alta moda, i richiami continui alla mafia intesa come associazione terroristica e come artefice di rapimenti (non sanno, i Giapponesi, che la mafia sono i colletti bianchi tanto amici dell istituzioni), i maschi Italiani che non fanno altro che rimorchiare (in effetti i maschi Italiani cercano di rimorchiare, ma non nella maniera esageratamente violenta che si vede in una scena del film), e le coppie Italiane che non fanno altro che baciarsi in bocca con la lingua. Fanno impressione le inquadrature delle pagine del quotidiano "Repubblica" con le notizie degli avvenimenti del film e tante mille altre cose a noi familiari riportate sullo schermo con la solita precisione ed accuratezza Giapponesi.

La trama è invece alquanto intrigante, scritta da Yuichi Shinpo e la regia di 西谷弘(Nishitani Hiroshi), già regista di un drama poliziesco-investigativo molto avvincente e complesso come "Galileo", è estremamente brillante. Insomma, due ore non sprecate, soprattutto se volete vedere dei Giapponesi che recitano a Roma e in Italiano!

Ad dimenticavo, la main theme song del film è "Con Te Partirò", ma non è cantata da Bocelli ma con un pesante accento inglese da una cantante inglese, Sarah Brightman (forse Bocelli è oramai troppo importante e caro anche per la Fuji TV?)

アマルフィ女神の報酬 (Amarufi: Megami No Hoshu - Amalfi: La Ricompensa Della Dea)

Giappone, 2009 - regia di Nishitani Hiroshi

全然大丈夫 (Fine, Totally Fine)

2010-04-22T02:09:00.004+02:00

Storia di due amici d'infanzia: Teruo, un dodicenne nel corpo di un trentenne, amante dell'horror ed inventore di atroci scherzi, e Hisanobu, brillante impiegato in una ditta di pulizie ospedaliere che fa lo splendido con tutti ma odia la sua vita da sfigato. Prendete qualche settimana delle loro vite, metteteci dentro una ragazza abbastanza strana che ama la pasta di pesce confezionata e che fa perdere loro la testa, e otterrete questa strana commedia. Raccontarne la trama non ha senso perchè non c'è una vera e propria storia, ma ci sono delle scene che renderanno la visione di questo film memorabile! E' un film fatto principalmente di situazioni incredibili...

Divertente, demenziale al punto giusto ma senza arrivare ai livelli osceni di un Satoshi Miki poco ispirato o meglio "mal ispirato", Fine Totally Fine é uno di quei deliziosi affreschi di comicitá cinematografica Giapponese da non perdere. Una cinematografia dai ritmi teatrali della quale forse Kitano é uno dei migliori esponenti: personaggi ai confini della normalitá, o della sanitá mentale che dir si voglia, macchiette quasi surreali ma in realtá specchio satirico di una societá, quella Giapponese, per il nostro comune senso critico da "gaijin" occidentali sempre in bilico tra inconsapevole genio e lucida follia. Adoro follemente perdermi nei lunghi silenzi di queste pellicole: un microcosmo nel quale si può letteralmente vivere per la breve durata del film.

E poi, in quale cinematografia ci si potrebbe mai permettere di mostrare un idiota che lancia una caccola nell'occhio di una signora senza apparire schifosamente demenziali, ma anzi gradevolmente artistici? La moderna cinematografia d'autore Giapponese in rari casi é capace di un'estetica bellissima e particolarissima nella sua elegante sofisticatezza, e di ritmi piacevolmente lenti. Non a caso questa pellicola ha meritato il podio al Far East Film Festival numero 10. Fondamentale notare che il regista Yosuke Fujita è alla sua prima pellicola!! Da seguire senz'altro in futuro!

全然大丈夫 (Zenzen daijoubu - Fine, Totally Fine)

Giappone, 2008 - regia di Fujita Yosuke

L change the WorLd

2010-04-17T01:05:00.004+02:00

Ho un ricordo particolare di questo film, è in assoluto la prima pellicola da me vista al Far East Film Festival: era se non sbaglio il 18 aprile del 2008, primo giorno di festival, primo film proiettato. In sala, il regista 中田秀夫(Nakata Hideo), era a pochi metri da me, che emozione. Sarà la cornice entusiasmante, l'apertura della decima edizione del festival, la presenza del regista e del pubblico, ero estasiato per aver scoperto questo nuovo mondo. Il film in quel contesto "drogato" mi era piaciuto un sacco...

[SPOILER]

Le vicende narrate da questo film si pongono temporalmente alla fine del secondo episodio, デスノート The Last Name (Death Note, The Last Name): Light Yagami è morto e a L rimangono 23 giorni di vita, essendosi auto-condannato a morte per distruggere la trama diabolica di Kira. Un agente della stessa agenzia di L muore contagiato da un virus diabolico in Thailandia. Il virus è stato sviluppato in Giappone da un gruppo di cattivoni. l'ideatore del virus, naturalmente buono fa una brutta fine e spedisce sua figlia da Watari, il maggiordomo di L. L si prenderà cura della bambina e indagherà per distruggere il virus e la banda di cattivoni.

[FINE SPOILER]

Oltre ad essere il mio primo approccio al Far East Film Festival, questo film è stato il mio primissimo approccio alla saga di Death Note. Ho quindi visto questo film senza sapere nulla del quaderno della morte che pure appare in una scena del film, e conoscendo per la prima volta il personaggio di L, interpretato magistralmente da 松山ケンイチ(Matsuyama Kenichi). L Change The WorLd è una specie di spy story, condita da alcuni elementi interessanti, come la frenesia di sapere che [SPOILER] L morirà presto [SPOILER] con tutti i risvolti del caso.

A parte tutto, pur essendo la storia un pò ridicola in fin dei conti, è il personaggio di L a dar spessore al film, e vale la pena di vederlo solo per lui. Adorabile il suo rapporto coi bambini co-protagonisti.

Interessantissimo anche come "stand-alone movie". Per il resto è solo una macchina da soldi e ha fatto bene il suo dovere in questo senso. Poco importante pure citare i precedenti lavori del regista, famoso per la saga horror リング(Ringu), arrivata da noi con la trasposizione Americana "The Ring", di Gore Verbinski. Qui il buon Nakata ha fatto un prodotto prettamente commerciale, senza alcuna impronta registica di rilievo.

L change the WorLd

Giappone, 2008 - regia di 中田秀夫(Nakata Hideo)

デスノート The Last Name (Death Note, The Last Name)

2010-03-19T23:58:00.002+01:00

Secondo ed ultimo capitolo.

La famosa idol Misa viene inseguita da un maniaco che la vuole uccidere: il furfante cade a terra privo di vita e vicino a lui appare un Death Note. La ragazza ne ne impossessa e comincia subito a imitare il lavoro del suo grande idolo, Kira, amato da lei come da tantissime altre persone come il salvatore dell'umanitá. L rimane spiazzato da questo avvenimento, non potendo più attribuire a Light, sospettato di essere Kira ed attirato da L a diventare suo stretto collaboratore per dare una svolta alle indaginie quindi la lui stesso marcato a vista, la paternitá degli omicidi. Il nuovo Kira é più infantile e si muove con più imprudenza. Light sa che se si potesse unire al nuovo Kira potrebbe diventare invincibile, anche perché il nuovo arrivato al contrario di lui ha ottenuto la vista dello Shinigami guardiano ed é in grado di uccidere le persone semplicemente guardandole in volto.

I due Kira s'incontrano e le cose si fanno sempre più difficili per L, che dovrá utilizzare tutto il suo ingegno per risolvere il caso e mettere fuori combattimento i due criminali.

Quando ho visto apparire un secondo quaderno della morte e un secondo Shinigami, devo ammettere di aver pensato che stavano rovinando tutto, ma l’intreccio narrativo rimane comunque avvincente pur complicandosi in maniera oscena...

Non ho mai letto il manga e non ho mai visto l'anime: il mio primo approccio con la trasposizione cinematografica della saga é avvenuto nella decima edizione del Far East Film Festi al di Udine, con lo spin off "L change the world", diretto da Hideo Nakata. Non ci capii molto a dire la veritá ma rimasi colpito dal personaggio di L, l'astuto e misterioso investigatore privato che affronta Kira. Le due pellicole della saga erano proiettate nel pomeriggio, prima dell'inizio del festival, e ora capisco il motivo di questo ostracismo: rimettere gli spettatori in linea col filo narrativo che unisce questi due film con il lavoro di Nakata. Molti li definiscono dei film "bruttini", e in effetti é difficile capire se si tratti di un prodotto televisivo o cinematografico: girati in digitale e privi di qualsiasi effetto visivo, esclusa l'animazione degli Shinigami che fa davvero pena.

Vedere questi film di certo non lascia il segno, ma se non avete mai letto il manga lo farete, questo é certo, e soprattutto vorrete guardare il film di Nakata per sapere di più sul personaggio di L, il più riuscito di questa versione per il grande schermo.

デスノート The Last Name (Desu nooto - Death Note), l'ultimo nome

Giappone, 2006 - regia di 金子修介(Kaneko Shūsuke)

デスノート (Death Note)

2010-03-16T03:13:00.002+01:00

Ce li avevo in archivio da tempo, sia questo che il sequel, ma da come se ne parlava in giro non ne ero mai stato particolarmente attirato.

Sará che non amo le cose particolarmente inflazionate: questa ormai estremamente famosa vicenda, nata dalla mente di 大場つぐみ,(Ōba Tsugumi) si é ormai consumata su vari supporti, sulla carta stampata con il manga in tredici volumi disegnato da 小畑健,(Obata Takeshi) e pubblicato per la prima volta in Giappone nel 2003 dalla 週刊少年ジャンプ,(Shūkan Shōnen Janpu), sul piccolo schermo e home video con l’anime in 37 episodi diretto da 井上敏樹,(Inoue Toshiki) e trasmesso per la prima volta in Giappone dalla 日本テレビ放送網株式会社,(Nihon Terebi Hōsōmō Kabushiki-gaisha) dal 4 ottobre 2006 al 26 giugno 2007 , per finire inevitabilmente al grande schermo in due lungometraggi di successo più uno spin-off.

Questo é il primo dei due film per il grande schermo, fu proiettato per la prima volta in Giappone il 17 giugno 2006 e rimase in vetta alle classifiche del Sol Levante per 2 settimane.

Light, interpretato da 藤原竜也(Fujiwara Tatsuya) è un brillante studente di legge in una rinomata universitá di Tokyo che prova frustrazione per l'impotenza del sistema giudiziario Giapponese che troppe volte lascia crimini impuniti e pericolosi presunti criminali a piede libero per insufficienza di prove o grazie ad insulsi cavilli giudiziari. Il ragazzo spinto da un furioso rimorso e da una forte volontá di riscossa comincia a seguire uno di quelli che l'hanno fatta franca, una specie di teppista omicida, e quando si ritrova faccia a faccia con lui rischia seriamente di farsi male, constatando l'estrema diabolica cattiveria del personaggio. Affranto, scappa sotto la pioggia e come d'incanto dal cielo cade un quaderno nero, attorno al quale misteriosamente non cade alcuna goccia di pioggia. Light prende il quaderno, e legge la prima pagina, una specie di libretto d'istruzioni. É un "Death Note": se le sue pagine magiche vengono utilizzate per scrivere il nome di una persona, questa morirá secondo le modalitá descritte dallo stesso scrivente, o in assenza di istruzioni precise la persona designata passerá all'altro mondo per attacco cardiaco.

Light non ci crede, ma dopo essersi ritrovato di nuovo faccia a faccia con il pericoloso criminale con il quale aveva pochi giorni prima avuto un aspro confronto, si sente costretto a scrivere suo nome nel quaderno per evitare di fare una brutta fine. Il criminale muore all'improvviso per attacco cardiaco. Light scappa sconvolto. In seguito, apparirá al suo cospetto il padrone del quaderno, uno shinigami, un dio della morte col quale costruirá una strana amicizia. Light viene ammaliato da questo potere, e ne comincia ad abusare, in un delirio giustizialista che porta le polizie di tutto il mondo ad indagare su di lui, il misterioso angelo della morte che si fa vedere in vari forum col nome di Kira.

Il primo a cominciare a cavare piede dal mistero sará un famoso quanto misterioso detective privato, “L”, interpretato da 松山ケンイチ(Matsuyama Kenichi), che comincierá con Kira/Light una specie battaglia di menti e d'intuito per tentare di smascherarlo.

Estremamente commerciale, estremamente di successo, é quel puro film d'intrattenimento Giapponese a budget stratosferico senza particolari difetti. La storia é geniale e riesce a tenere sulle spine per tutta la sua durata chiunque vi si avvicini. L é un personaggio dall'immenso carisma, tanto da meritare lo spin-off del quale parlerò in futuro.

Il riuscire a controllare la morte é uno dei sogni ancestrali dell'essere umano, utilizzarla come arma remota poi può essere l'inizio della strada verso il delirio nel quale un debole non può far altro che cadere, facendosi corrompere da un potere che dovrebbe rimanere nelle mani degli dei, troppo grande, forse in generale per qualsiasi essere umano.

Un bel filmetto, ma solo dopo il secondo episodio se ne possono davvero tirare le somme. Ci risentiamo presto...

デスノート(Desu Nōto - Il Quaderno Della Morte)

Giappone, 2006 - regia di 金子修介(Kaneko Shūsuke)

Sweet Rain - 死神の精度 (Dolce Pioggia. L'accuratezza dello spirito della morte)

2009-12-04T23:57:00.004+01:00

O "storia dello Shinigami tontazzo". Penso che siano pochi i nippofili che non hanno una minima idea di cosa sia la saga di デスノート(Desu Nōto - Death Note), ideata da 大場つぐみ(Ōba Tsugumi) come manga e tradotta in anime e live action movies di successo.

Comunque, per quelli come me che invece ne ignoravano l'esistenza (o se ne tenevano volutamente lontani), in Giappone si crede in tante entitá soprannaturali e semi-divine, e tra questi ci sono gli 死神(Shinigami), ovvero spiriti della morte, una figura semidivina importata in Giappone dall'Europa e definita nel periodo Meiji. Questo film ci dá un'ennesima visione alternativa dello Shinigami, ma andiamo con ordine...

Il Signor Chiba é uno Shinigami. Il Signor Chiba é per giunta uno Shinigami alquanto elegante e di bell'aspetto, con la sua bella chioma e i suoi abiti stile "le Iene". Il Signor Chiba non ha etá, viaggia in random nel tempo e nello spazio, camminando col suo spirito controllore (un cane nero) sopra i binari di una monorotaia (identica a quella di Naha, a Okinawa), che dovrebbero rappresentare per l'appunto la dimensione sovrannaturale dalla quale il bel Chiba proviene. Il belloccio Shinigami é pure annoiato dalla sua routine: non ha mai visto un cielo azzurro nei millenni della sua infinita esistenza perché quando lui lavora, chissá perchè, piove sempre... e poi quei dannati corvi neri, sono sempre lì attorno alla persona che deve morire L'unica pausa dalla pioggia il Signor Chiba la trova camminando sul cemento della monorotaia, che sta sopra le nuvole. Quando il mono-binario s'interrompe con una porta, significa che gli si prospetta un altro lavoro. Varcata la soglia, ecco il nostro mondo sotto uno scrosciante acquazzone, un sacco di corvi e un contatto da stabilire: quello con la vittima, cioé la persona che dovrebbe morire: il bel Chiba come i suoi colleghi (ce ne sono tantissimi sparsi per il mondo) deve decidere: procedere con la morte o sospendere la morte. É una specie di processo al quale le vittime vengono sottoposte. Prima tocca ad un'impiegata sfigata degli anni '80, poi ad un furfantello della yakuza dei giorni nostri, e poi ad una parrucchiera del futuro con tanto di aiutante robot (molto carina aggiungerei, e parlo del robot). Il signor Chiba prenderá (o meglio non prenderà) le sue decisioni mostrando un lato umano, etc etc.

Diciamolo subito, il film non mi é piaciuto. É una vetrina per un Takeshi Kaneshiro tirato a lucido e pompato di cazzate, e le spalle dell'attore cinese sono poco forti per reggere una sceneggiatura ridicola. Lo Shinigami da lui interpretato é si immortale, ma il suo peregrinare per lo spazio ed il tempo lo rendono irrimediabilmente impacciato di fronte agli esseri umani e a concetti importantissimi dei quali dei giudici di vita come gli Shinigami di cui si parla dovrebbero perlomeno essere informati, se non estremamente disinvolti: divertente come spunto per la sdrammatizzazione ed umanizzazione della morte, ma poco credibile se lo si vuole applicare ad un personaggio che dovrebbe essere un semidio il cui lavoro dovrebbe essere quello di giudicare gli uomini per la loro vita e per l'effettivo compimento dei loro propositi. Il signor Chiba passa le missioni a pronunciare frasi profonde, profonde al massimo come la vasca da bagno di casa di mia madre, a rispondere vagamente al suo cane che gli chiede continuamente conto del suo lavoro, fino a farsi completamente annullare dalla saggezza della protagonista femminile in finale di pellicola. Il Signor Chiba reagisce agli stimoli positivi datigli dai personaggi in forma di lezioni di vita con penose scene mute degne di un gorilla in giacca e cravatta che ascolta una lezione di filosofia...

Questo film é una versione quasi comica se paragonata ad un tentativo del cinema occidentale degli anni novanta di umanizzare la morte, sempre con un belloccio, ma biondissimo di nome Brad Pitt. Il film di cui parliamo é "Vi Presento Joe Black", del 1998, diretto da Martin Brest. Nonostante anche quello fosse un'emerita schifezza atta solo a pompare il bel Brad e a far innamorare milioni di ragazze, lì si percepiva un diverso modo di trattare dei temi profondi come la morte, e poi il personaggio interpretato dal bel Brad si dimostrava estremamente colto, serio e preparato in un sacco di concetti, proprio come dovrebbe essere un semidio (che io sia dannato, sto davvero parlando di come dovrebbe essere un semidio...), e poi didiamocelo, si scopa pure la figlia della sua vittima, è un grande, anni luce dal gorilla Kaneshiro.

Interessante per notare con quale leggerezza (o accuratezza?) i Giapponesi trattino degli argomenti assai profondi e importanti da un punto di vista spirituale. Ancora una volta domistrazione del fatto che la spiritualitá Giapponese sia completamente diversa dalla nostra, soprattutto nella commistione di simbolismi provenienti da diverse religioni: nella scena iniziale, per esempio, uno Shinigami, concetto di base importato ma in qualche modo derivato da rare divinità sia Shintoiste che Buddhiste che assiste alla cerimoina funebre Cristiana di una bambina che ha appena spedito all'altro mondo. Si può tentare una visione più profonda del film analizzando proprio l'imperfezione dello stesso Shinigami, in pratica destinato solo a prendere due decisioni: dopo un'indagine, quelle di "sospendere" o a "procedere" con la morte della vittima designata, avvenimento apparentemente deciso da un inevitabile destino che lo spirito della morte può solo ritardare, ma non evitare. Che la morte non sia frutto d'intervento divino ma semplice avvenimento necessario in una vita? Che tutto si basi sulla cieca legge della vita? E poi il cane nero, lo spirito controllore del Signor Chiba: nella mitologia inglese il cane nero è associato al diavolo o agli spiriti della morte sin dalla demonologia medioevale (chi poi ha letto "Il Mastino Dei Baskerville" di Arthur Conan Doyle sa di cosa parlo)... ma il cane del film è alquanto sfigato e il montaggio lo rende a tratti pure comico per la sua condizione, anche per lo spirito che rappresenta di estrema inpotenza sia nel gestire gli eventi, che nel gestire lo Shinigami che gli è stato assegnato. Penso con convinzione che l'autore, 伊坂幸太郎(Isaka Kōtarō), a parte la scena in cui Chiba si chiede perchè la morte sia rappresentata da uno spirito nero con una falce, forse non abbia utilizzato questa simbologia consapevolmente o se l'ha fatto ha cercato di sdrammattizzare il tutto in chiave comica, anche perchè i Giapponesi non capirebbero alcune sfumature che l'educazione di noi timorati cattolici ci ha insegnato a notare. Penso che si possa tranquillamente relelgare questo plot a quell'accozzaglia di simbolismi religiosi e per la nostra sopracitata inconsapevole ed ottusa sensibilità cattolica anche veniali blasfemie di una società, quella Giapponese, che non ha mai avuto una sua vera identità religiosa (e questo è uno dei suoi grandi pregi)

Vogliamo anche dire che i corvi sono tutti fatti in computer grafica e fanno pena? A parte il protagonista, sono i comprimari a fare il film: le cosiddette vittime tengono la scena, sono tutte dei personaggi splendidamente riusciti, e il finale é pure carino. Ma vi libero dai miei infiniti discorsi e vi lascio alla faccia da ebete di Kaneshiro in questa locandina...

Sweet Rain - 死神の精度 (Sweet Rain. Shinigami No Seido - Dolce Pioggia. L'accuratezza dello spirito della morte)

Giappone, 2008 - regia di 筧昌也(Kakehi Masaya)

天然コケッコー (Un "Coccodè" naturale)

2009-11-28T21:06:00.005+01:00

Dal regista di リンダリンダリンダ(Lina Linda Linda), Nobuhiro Yamashita, ecco arrivare in punta di piedi un altro piccolo miracolo della cinematografia contemporanea Giapponese

Avete mai sognato di abbandonare tutto, la vostra frenetica vita cittadina, lo smog, il rumore, il luogo di lavoro affollato, il tempo che non basta mai? Avete mai sognato di andare in un posto tranquillo dove ascoltare in silenzio il tempo che passa, vedere l’erba che cresce, non sentire l’ansia per qualcosa dietro che ti rincorre?

Giappone, isola di Honshu, prefettura di Shimane. In un piccolo villaggio in mezzo alla campagna fatta di piccoli campi di riso e scoscese collinette piene d’alberi c’è una piccola scuola. Il numero degli abitanti di questo villaggio è talmente esiguo che la scuola elementare e la scuola media sono fuse nello stesso stabile, e in tutto tra l’una e l’altra ci sono solo sei studenti: la più piccola è così piccola che si fa ancora la pipì addosso, e la più grande è al penultimo anno delle medie. La scuola è in fermento perché sta per arrivare un nuovo studente, lui viene da Tokyo e si è trasferito nel villaggio del nonno paterno con la madre. Soyo (interpretata dalla giovanissima 印東夏帆(Indō Kaho), nome d'arte "Kaho") in particolare, la più grande della scuola, non vede l’ora che il ragazzo arrivi: Hiromi Osawa è infatti un suo coetaneo. Il primo incontro tra Hiromi, il villaggio e Soyo non è dei più felici: il ragazzo, abituato alla frenesia della metropoli nipponica fatica ad adattarsi alla nuova realtà nella quale è stato catapultato. I suoi sei compagni di scuola fanno di tutto per farlo ambientare, la loro allegria e spensieratezza sono talmente disarmanti da mettere in difficoltà anche un ragazzo metropolitano come lui. Col passare del tempo, Hiromi imparerà ad apprezzare la sua nuova vita nel villaggio.

Un film che mi ha suscitato grandi emozioni, devo ammetterlo. Forse era dai tempi di 茶の味(Cha No Aji - The Taste Of Tea), 2004, di Katsuhito Ishii. che non provavo un desiderio così intenso di fare downshifting. Penso che questo film sia l’inno al downshifting per eccellenza.

Che paesaggi, quelli della prefettura di Shimane, una delle meno popolose del Giappone: impossibili da descrivere per la loro bellezza tutta particolare: le scogliere di granito giallo come quelle che avevo visto a Shikoku nella costa del mare interno, il mare cristallino, il verde intenso e brillante della campagna e quelle piccole linee ferroviarie coi treni a gasolio che puntualmente si arrampicano in scogliere a picco e s’infilano in strette gallerie tra una valle e l’altra. Sembra il paradiso: case grandi, verande di lucido legno scuro aperte d’estate e la voglia di addormentarsi nei tatami circondati dal canto delle cicale. Le persone del villaggio, non sanno cosa sia la quella brutta sofisticatezza squisitamente cittadina fatta principalmente di espedienti comportamentali di autodifesa: sono onestamente oneste e tranquille. Mai un problema, mai un avvenimento violento e triste a parte il suicidio di quella donna, lì sul ponte nella strada per la spiaggia: basta prendere la strada più lunga per andare al mare, che oltretutto è anche più panoramica, per dimenticare anche questo. Vi aspettate sorprese? Efferati omicidi? Fantasmi? Nulla di tutto questo, Tennen Kokekko non riserva cattive sorprese, è una medicina per l’anima dei sognatori come me, che hanno bisogno, ogni tanto, di immedesimarsi in un paradiso terrestre come questo e perdersi nel benefico oblio del silenzio e della tranquillità di un luogo lontano da tutto e da tutti. Qualsiasi cosa sia necessaria, per mangiare, la si può prendere al campo, o al massimo si possono fare due passi al negozio della mamma di Ibuki, la ragazza della prima media. Il dottore? Bisogna andare in città! Il forestiero Osawa non si capacita di tutto ciò, e il suo stupore misto a schifato sconcerto sono l’espediente cinemantografico che fa da stampelle a noi spettatori sognatori ancora zoppi in questo nuovo mondo fantastico.

Nessuna sorpresa, davvero, nessuna.

Potrebbe sorgere un dubbio: è questo un film schifosamente bugiardo? Se Sono Shion con 紀子の食卓(Noriko No Shokutaku - Noriko's Dinner Table) ci insegna che trasferirsi in un luogo paradisiaco non è utile per fuggire dai propri fantasmi, e che essi sono nascosti dentro di noi, Nobuhiro Yamashita (già regista di Lina Linda Linda) dà la sua personale o più ottimistica visione: i problemi sono ovunque, anche in un luogo paradisiaco, e ce lo ricorda con quei fiori posati nella balaustra di quel ponte arrugginito sulla strada per la spiaggia, o l’attacco d’asma della mamma di Osawa, forse il momento più drammatico del film, ma se si ha la forza di lasciare le proprie pene alle spalle, se si riesce a purificare il cuore e a vivere con un forte atteggiamento ottimistico, è possibile trovare il proprio paradiso personale.

Spesso e volentieri la cinematografia contemporanea Giapponese costruisce paradisiache realtà parallele dove lo spettatore possa rifugiarsi e sognare: queste realtà possono essere identificate in amori da favola, viaggi che sembrano epiche avventure anche se vissute nel giardino dietro casa, grandi vittorie e successi. Spesso e volentieri tutte queste belle opere sono impalcature di bugia che coprono realtà ben diverse: la scuola in realtà fa schifo, il lavoro in realtà fa schifo, difficilmente si ha successo nello sport, come nello spettacolo o nella musica, ancor meno in amore, figuriamoci poi conquistare ragazze da favola, belle, gentili e premurose come fatine incantate: nella realtà le belle ragazze spesso sono furbe e spregiudicate, forti della loro bellezza e popolarità. Ma l’impalcatura di Yamashita si dimostra solida: è proprio l’isolamento del villaggio a proteggerlo dalla bruttezza e dalla cattiveria del mondo, Soyo e i suoi compagni sono sinceramente buoni e onesti, e soprattutto semplici. Il viaggio scolastico dei ragazzi a Tokyo non fa altro che rafforzare questo generale sentimento di purezza e quest’atmosfera speciale: A Shinjuku, impaurita davanti allo stagliarsi delle torri del palazzo governativo comunale di Kenzo Tange, Soyo si tappa le orecchie, trattiene il respiro e dice ai grattacieli, alla frenesia, al rumore, che quando crescerà imparerà a trattare anche con loro, ma che ora tutto il suo amore è per il villaggio, la sua gente e la sua piccola scuola. Un ambiente talmente bello che gli stessi personaggi provano già nostalgia per esso, pur vivendoci.

“Non c’è nulla di meglio di casa nostra”, dice il professore a una Soyo impaurita a Tokyo.

Tennen Kokekko è un film d’amore, amore per la bellezza in sé, per la bellezza della semplicità, per la bellezza della natura, per la bellezza dei rapporti interpersonali,per la bellezza dell’amore. Tennen Kokekko è un film d’amore per l’Amore. Un film per sognare, un film in cui trovare anche riparo dallo stress della vita quotidiana e dalla bruttezza diffusa dei nostri tempi.

Tennen Kokekko è anche una pugnalata al cuore, perché dopo aver vissuto il suo mondo, qualsiasi altro mondo può sembrare meno bello.

天然コケッコー (Tennen Kokekkō - A Gentle Breeze In The Village)

Giappone, 2007 - regia di Yamashita Nobuhiro

紀子の食卓 (Noriko's Dinner Table)

2009-11-23T12:23:00.002+01:00

(In questo testo ci potrebbe essere qualche spoiler) Noriko, una ragazza di 17 anni, si sente un'aliena nella sua famiglia e nella sua cittadina di campagnia. Decide di scappare di casa e di unirsi alle amiche conosciute in un forum, e durante un black-out prende una valigia, getta tutto dentro di essa alla rinfusa e scappa per prendere il primo treno per Tokyo. Dopo un certo tempo anche sua sorella minore, Yuka, sparisce e scappa via. Il padre, disperato, lascia il lavoro e comincia una isterica ricerca delle figlie che lo porterá sulle tracce di quella che lui pensa che sia la famigerata organizzazione teatralmente chiamata dai media "Suicide Club".

Dopo aver visto il bellissimo 愛のむきだし(Ai no mukidashi - Love Exposure) in anteprima al Far East 11, vedere un film di 園子温(Sono Shion) può trasformare una normale serata in un'imperdibile serata. Noriko's dinner table dovrebbe essere il seguito del suo 自殺サークル(Jisatsu saakuru - Suicide Club) del 2002, ma se ne discosta con una sceneggiatura che narra di avvenimenti temporalmente quasi paralleli a quelli del primo episodio, ma vissuti in luoghi e da persone diversi, che in alcuni momenti vengono a contatto con avvenimenti e personaggi del film sopracitato.

Non ricordo molto di Suicide Club, l'ho visto tanti anni fa e dovrei rivederlo per poterci scrivere qualcosa, ma penso che come me chiunque lo abbia visto non possa non ricordare la sua scena madre, cioé il suicidio collettivo delle cinquanta e più studentesse di scuola superiore sotto un treno della Chūō line nella stazione di Shinjuku, a Tokyo: scena più volte ricorrente anche in questo film.

Una sceneggiatura se pur parallela a quella del "primo episodio", indipendente ed autoconclusiva, sembra quasi che il regista abbia voluto sfruttare il successo di Suicide Club e sfruttarne la preesistente "piattaforma" per parlare di argomenti nuovi. Si può tranquillamente guardare questo film anche senza aver visto il precedente, addirittura lo si potrebbe utilizzare come prequel...

Il tema del suicidio è sempre comunque presente anche in questo film. La visione di Sono Sion sull'argomento é abbastanza critica pur nella sua tragica satiricitá: Noriko pur non avendo alcuna intenzione di suicidarsi finisce col prendere contatti con alcune delle ragazze membri di un misterioso forum, considerato da alcuni una copertura del cosiddetto "suicide club" e socializza con una di loro in particolare, nickname Ueno Station 54, vero nome Kumiko, a sua volta fondatrice e capo di una strana organizzazione che fornisce ai propri clienti "esseri umani in affitto" per qualsiasi utilizzo. Non si arriva mai a capire se in realtá questa organizzazione sia il Suicide Club, oppure una sua copertura, o se addirittura la sceneggiatura voglia forzare l'opinione dello spettatore sul fatto che tutto ciò che succede nel film non abbia alcuna connessione col Suicide Club mettendone in discussione la sua stessa esistenza e degradandolo a semplice ossessione di un padre disperato che assieme alle sue figlie ha perso tutto.

Però comunque i ragazzini si continuano ad ammazzare in gruppi organizzati e sembra che dietro le quinte ci sia un'accurata regia a muovere i fili di una macabra successione di eventi. Apparentemente per molti dei personaggi di questo film il suicidio é una bellissima liberazione dalla sofferenza, ma alcuni di essi si sottopongono ad una morte diversa, anche se comunque volontaria, ed é questa una delle cose che più mi hanno lasciato di sasso: farsi ammazzare volontariamente da qualcuno che vuole uccidere per sfogare la rabbia ad esempio su una moglie adultera, facendo da figurante ed interpretando una persona il cui destino é quello di morire, offrire un servizio e rendere la propria morte utile per qualche altro. Un'idiozia, una grande idiozia frutto della mente di delle poverette senza alcuna speranza.

A mio parere il genio di Sono Sion sta proprio nel rendere questa follia una metafora dell'isteria collettiva della quale il Giappone é realmente malato, e nello smontare accuratamente pezzo per pezzo questa stessa follia con un'intelligente critica costruttiva in chiave metaforica: dopo aver costruito un quadro scenico ben definito che mostra una realtá, quella dell'organizzazione che noleggia esseri umani per qualsiasi scopo, quella dell'ipotetico Suicide Club, rompe tutto utilizzando una delle sue carte apparentemente meno influenti: il personaggio di Yuka, la sorella di Noriko, che con grande astuzia s'infiltra nella trama di mistero generata dalla scomparsa della sorella maggiore e al contrario del padre rimanendo "sana di mente" diventa il Deus Ex Machina dell'apparato distruttivo dell'autore, ridicolizzando quell'organizzazione ora babele sanguinaria di odio per sé stessi e per la vita, gomorra di perversioni ancestrali vilmente cammuffate da servizio di pubblica utilitá, specchio di una societá, quella Giapponese, che l'autore vuol denunciare mai come ora vuota di contenuti e soprattutto di quell'autocontrollo che si é sempre imposta, autocontrollo ora diventato la silenziosa autoviolenza privata di tanti individui e di tante famiglie.

L'organizzazione di Kumiko diventa allora la parodia di quelle migliaia di persone che in Giappone aiutano gli aspiranti suicidi a raggiungere con successo il loro scopo: i forum monotematici, un'accurata metodologia della morte volontaria studiata da menti perverse per poveretti con la sola colpa di essere nati nel posto sbagliato, o di non avere abbastanza forza per sopportare l'infinita pena del vivere. Yuka é viva e vigile nella sua apparente idiozia di ragazzina quindicenne, sembra stralunata ma é giá una spanna più avanti rispetto alla sorella che non fa altro che autocommiserarsi e nascondersi dietro quegli spessi occhiali fuori moda, dietro la scusa che il male del mondo sia tutta colpa di suo padre.

Tetsuzo, lui, il grande uomo convinto che basti rifugiarsi con la sua bella famiglia in quella cittadina costiera apparentemente perfetta che si chiama Toyokawa (che tra l'altro è la cittadina natale del regista) per sfuggire al male e alla violenza del mondo esterno, ma che si accorge ben presto del fatto che il male e i problemi si generano principalmente da noi stessi che il più delle volte creiamo con maestria il nostro piccolo inferno personale.

In una grande metafora cinematografica allora Tetsuzo conosce l'inferno e rimane solo, scende negli inferi e affronta il diavolo, uccide i suoi scudieri con inaudita ferocia, e spera che si possa ricominciare tutto daccapo. Ma affonda le di nuovo le sue radici in quell'inferno dal quale non può più risorgere, e la rassegnazione copre come un sudario pure tutti gli altri, tranne Yuka, che dopo aver fatto la sua discesa negli inferi ha messo al sicuro sia sua sorella che suo padre nell'inferno meno doloroso per loro, si é strappata le radici dai piedi ed é volata via come un angelo della vita, e la sua libertá non la lascia sola, nuda ed impaurita come era stato per Noriko, ma la rende abbastanza leggera per spiccare finalmente il suo primo volo.

Sono Sion ha uno stile di ripresa unico: il film è diviso in capitoli, ognuno monografia di un personaggio, ma tutti fusi in una fluida coralità. La genialitá di questa sceneggiatura però raggiungerebbe la perfezione se limata di inutili lungaggini, e con qualche modifica in un finale troppo lento: difetti dei quali ad esempio il suo più recente lavoro "Love Exposure" é esente, pur con la sua folle durata di quattro ore.

紀子の食卓 (Noriko No Shokutaku - Noriko's Dinner Table)

Giappone, 2005 - regia di 園子温(Sono Shion)

青の炎(La Luce Blu): Kamakura e il "Super Teenager"

2009-10-29T08:43:00.006+01:00

Volevo ritornare su questo film, già recensito ed incontrato di nuovo, e devo dire volutamente, in una produttivissima ed interessantissima seconda visione.

Reduce da una bellissima gita a 鎌倉(Kamakura) con annessa cavalcata sull'Enoden fino a 江の島(Enoshima) in un tramonto davvero fuori dal comune, ho voluto fortemente rivedere questi posti a me tanto cari ed allo stesso tempo riprendere da capo una storia che avevo giá a suo tempo trovato estremamente interessante, stimolante, struggente, ma mal recitata.

Ho innanzitutto avuto la conferma del fatto che la location è effettivamente 鎌倉(Kamakura). La seconda scoperta è che la scuola in cui sono girate acune scene del film è la 鎌倉学園(Kamakura gakuen), cioè l'istituto comprendente sia una 高等学校(Kōtō-gakkō - scuola superiore) che una 中学校(Chū-gakkō - scuola media) che si trova affianco al famosissimo complesso di templi Zen chiamato 建長寺(Kenchō-ji). Per esigenze sceniche, gli studenti passano da una grotta per accedere alla scuola: in realtà la grotta in questione è lo 釈迦堂切通(Shakadō kiridoshi), un passo interno delle "alpi di Kamakura" e dista qualche chilometro dalla scuola, pur trovandosi effettivamente anch'esso a 鎌倉(Kamakura).

Non voglio mettere in evidenza le mancanze di questo film, giá citate nel post di qualche tempo fa, ma voglio forzarmi a far emergere dalla mia testa e bloccare su carta un concetto preziosissimo e assai volatile che la seconda visione del film ha impresso nella mia mente.

Nel cinema Giapponese si continua ad esaltare il feticcio della giovinezza, puro fattore estetico e fisiologico di uno stato temporaneo e fugace nel quale ogni individuo si sente intrappolato quando ci si trova dentro, ma che poi idealizza e rimpiange quando scopre che per alcuni versi la vita non é altro che un decadere. Questi sono concetti comunque comuni anche alla nostra cultura, anche se espressi in maniera meno isterica e maniacalmente ossessiva: la produzione culturale Giapponese però inserisce un aspetto a mio parere inedito: solo in giovinezza é possibile plasmare la propria vita, solo in giovinezza eroismi, ribellioni e coraggio sono atti e qualitá che possano eccezionalmente non determinare l'ostracismo da parte di una societá che ammazza creativitá e diversitá per proteggere quell'ormai spastico e dannosissimo senso di comune pensare e di comune agire.

Il chiodo che sporge da un'asse di legno dev'essere preso a martellate perché sia riportato in una posizione dove non possa nuocere proprio a causa della sua sporgenza, così dice un famoso proverbio Giapponese. Ma il cinema, la televisione e la letteratura giapponesi continuano a creare soggetti in cui il rompere gli schemi, l'infrangere le regole, l'essere diversi, che si sia peggiori o migliori poi non fa differenza, é un punto di forza. La giovinezza ti dá la possibilitá di capovolgere il mondo, ammazzare pure, mettere sotto le suole la gerarchia sociale, educazione e cosí via. Oltre, dopo il casino c'é sempre quel limite, oltrepassato il quale volenti o nolenti é necessario ritornare nelle righe, indossare la divisa da soldatino e mettersi a fare l'automa, l'unica opzione possibile.

Penso che il sognare di poter uscire dagli schemi, riflettendo sé stessi in un teen-ager onnipotente che possa permettersi di spaccare tutto, ciò che il lettore o lo spettatore non ha mai avuto la possibilitá di fare nella vita reale, sia quella caratteristica che per lo più genera il successo di tutte le teen comedy, di tutti i drama scolastici e di tutte quelle tragedie di amore e morte tanto care al pubblico Giapponese.

(SPOILER) Ma questo film va un pò oltre: un commissario di polizia concede il lusso ad un pluriomicida diciassettenne di potersi ammazzare, sfuggendo alla legge terrena (eppure la legge ed il senso comune in Giappone, al contraro di quelli nostrani non sono di certo clementi coi galeotti, i pregiudicati e i criminali in genere) e diventando un eroe unto di quell'indelebile impunitá morale post- mortem. Salva da famiglia dall'onta e s'immola. Una lacrima e via per riconoscerlo in un rapace in volo nell'infinito blu del cielo d'autunno di 鎌倉(Kamakura). (FINE SPOILER)

Non pensate che il Giappone sia come ve lo raccontano nei film, almeno non nelle commedie o tragedie adolescenziali.

東京タワー〜オカンとボクと、時々、オトン〜 (La Torre Di Tokyo: Io, La Mamma E Qualche Volta, Il Babbo)

2009-08-23T23:15:00.006+02:00

Masaya é una specie di artista/creativo/tante altre cose e vive a Tokyo. Seduto su una sedia, in un ospedale, Masaya aspetta la morte della mamma, malata terminale di cancro

Il tema del racconto è non tanto il normalissimo presente di Masaya quanto il suo normalissimo passato: un'infanzia come tante le altre, un padre disattento e ubriacone, una madre fantastica e una vita fatta come di consueto più di delusioni che di successi, perchè fondamentalmente non tutti si nasce belli, fighi, intelligenti da premio nobel o eroi: quasi tutti si vive di merda, anche in Giappone, ma c'è comunque una benedizione che si chiama "mamma".

Finestra su sentimenti tanto veri da far riflettere pur nella loro scontatezza, il film è fatto di personaggi proprio ben riusciti: Masaya, interpretato dal solito ottimo オダギリジョー(Odagiri Joe) é una persona squisita dall'indole calma e dai buoni propositi, nonostante il suo percorso di crescita sia stato praticamente inconcludente dal punto di vista professionale (disegna vignette per bambini e parla di cose "sconcie" ai microfoni una radio erotica). Persino il padre lo surclassa su tutti i fronti sotto questo punto di vista, pur essendo tragicomico nelle sue sbronze memorabili e in quei dannati filmini in otto millimetri che si diletta a girare riprendendo un succube Masaya-bambino impotente di fronte ad una furia di annebbiata innoqua follia, follia che solo la donna di casa riesce a domare a colpi di placcaggio in stile rugbistico: Eiko, una donna di poche parole e forte come la sua 九州(Kyūshū) che doma il Godzilla della quotidianità familiare e che con coraggio ha cresciuto Masaya forgiando il carattere di una persona fantastica nella sua dannata normalità.

Non é un mistero che si aspetti la morte della signora Eiko, scontata come quell'evento naturale col quale tutti noi prima o poi nella nostra vita avremo a che fare, e comunque sempre scontatamente dolorosa.

Questo é un film di dolore e di morte, come tanti, ce ne sono in Giappone: per i più sarà facile farsi beccare dal vicino di poltrona ad asciugare le lacrime, ma "a freddo" dà l'impressione di essere anche questa volta una pellicola che delicatamente e con gran mestiere fa leva su quei sentimenti troppo spesso usati ed abusati dalla moderna cinematografia Giapponese per far presa sul grande pubblico. Un grande pregio è la mancanza di deificazione del personaggi, che non recitano battute ad effetto, non concedono scenografici perdoni anche pre-mortem e sono anche tutti abbastanza bruttini. Lungo e lacrimevole, a tratti scontato come il sopraggiungere della morte di un malato terminale eppure si lascia lo stesso guardare, come tutti i film del suo genere (uno dei quali recentemente vincitore di un premio oscar), e lancia un messaggio molto importante: non dimentichiamoci mai della fortuna che abbiamo, diamo importanza e amore alla persona più importante della nostra vita, colei che ha dato tutto per amarci e farci vivere nella migliore maniera possibile.

東京タワー〜オカンとボクと、時々、オトン〜(Tōkyō Tawaa: Okan To Boku To, Tokidoki, Oton - La Torre Di Tokyo: Io, la Mamma e qualche volta, Il Babbo)

Giappone, 2007 - Regia di 松岡錠司(Matsuoka Jōji)

大停電の夜に (Il blackout notturno)

2009-07-25T01:45:00.006+02:00

Tokyo é uno degli agglomerati urbani piú grandi al mondo, e con i suoi sobborghi, a loro volta grandi come immense metropoli, non fatica a superare i trenta milioni di abitanti. La capitale della tecnologia, la capitale delle stranezze, la capitale di quei "contrasti" così affascinanti per un turismo "di nicchia", quello dei bellimbusti che "andare a mangiare il sushi fa figo" e quindi vanno in Giappone per fare ancora più figo (e si riscoprono, ad insaputa della vasta audience post-vacanza amanti del Mc.Donalds che forse è linguisticamente meno ostico), oppure quello dei fissati dei fumetti o degli anime Giapponesi, che ne fanno meta di pellegrinaggio. Tokyo (cosiccome d'altronde accade per tutto il Giappone in generale) vista dagli occhi del gaijin superficiale, del giornalista di viaggi o del promotore di viaggi organizzati é la "metropoli dei contrasti", un luogo dove la tecnologia piú avanzata convive con la piú severa tradizione, un luogo dove quartieri di grattacieli di mirabile altezza sono affiancati da complessi sacri dove regnano il silenzio e il religioso raccoglimento, e da quartieri a luci rosse dove ci si può anche solo idealmente affacciare alle piú depravate pratiche sessuali...

Ma quei "contrasti" tanto chic e di tendenza, sono tali solo per quelle tante persone che non conoscono abbastanza la societá Giapponese nella sua interezza e nella sua complessitá: quelle tante persone cresciute ad esempio in quel mondo cattolicizzato che porta a considerare "la diversitá" o "l'alternativa" come la solita babele di poveracci da compatire e salvare con eserciti di evangelizzazione; o i soliti furbetti tanto endemici nel nostro paese che passano sempre il post-vacanza nipponico a deridere coloro che danno la vita per il lavoro o che sono ligi al rispetto delle regole anche se si tratta di rispettare una dannata fila davanti alla porta della metro; gli acculturati da rotocalco settimanale pietosi nel compatire una società ormai famosa in particolare per i suicidi, o per una classe adolescenziale afflitta da immani problemi esistenziali (come se i nostri adolescenti fossero sani di mente...), o per una classe lavorativa considerata dai piú come ridotta in schiavitú da un sistema moralmente totalitario; o al massimo da visitare in un bel tour che non manchi di includere Tokyo, Kyoto, geishe, sushi e stronzate a non finire.

Ma perché tale polemico preambolo alla recensione di questo film?
Perché la visione di questo film é altamente consigliata per cominciare ad aprire gli occhi sulla societá Giapponese senza comunque impegnarsi troppo in analisi psico-sociologiche, ma cominciando a conoscere i Giapponesi non piú come extraterrestri ma come "uomini", nostri simili, semplicemente spegnendo quell'enorme sfavillante videogioco elettrico che é Tokyo, e vedere com'é fatto dentro.

É la vigilia di Natale, un uomo d'affari mente a sua moglie per incontrare la sua amante in un lussuoso albergo di Odaiba; un barista aspetta dentro al suo bar deserto il passare della notte prima della chiusura dell'attivitá; un ex carcerato cerca la sua ex fidanzata; una modella siede sul corniciome di un ospedale cercando il coraggio di suicidarsi; un vecchio aspetta la morte in ospedale; un ragazzino appassionato di satelliti osserva il cielo; una coppia di anziani vive in armonia il focolare domestico. Accade l'incredibile: una specie di meteorite si abbatte su una centrale elettrica e Tokyo si spegne.

Chiunque abbia vissuto Tokyo non potrebbe mai immaginarla senza elettricitá, ma paradossalmente proprio spegnendola é possibile vedere il suo vero cuore. Gli "extraterrestri" si tolgono le maschere da extraterrestri e cominciano a fare gli uomini, i problemi sono sempre gli stessi, come lo sono per noi, e il vederli attraverso degli occhi a mandorla non li rende meno dolorosi da vivere ed affrontare.

Si ama, si odia, si sbaglia, si tradisce, si scappa, si ha paura, si aspetta, si ruba, si gioisce... insomma si vive.

Il buio costringe la pupilla a dilatarsi e alla fine si vede pure meglio. E quella che mi piace definire "la cittá illuminata non da stelle naturali, ma da galassie elettriche", riesce di nuovo, incredibilmente a liberarsi di quell'aura di inquinamento luminoso e a "riveder le stelle", quelle vere.

Tralasciando l'ottima valenza didattica per i conoscitori superficiali di Giappone e Giapponesi, il film é un ottimo intreccio comunque giá visto di storie separate tra loro ma connesse indissolubilmente l'una all'altra, peccato per l'eccessiva lunghezza e ridondanza: con qualche limatura e qualche ripensamento in sede di montaggio perderei la voglia di definire questa pellicola, nonostante la passerella non trascurabile di star e le loro come sempre ottime prove recitative, "un'occasione sprecata".

大停電の夜に (Daiteiden No Yoru Ni - Il blackout notturno), titolo inglese "Until The Lights Come Back"

Giappone, 2005 - regia di Takashi Minamoto

Tokyo!

2009-07-04T03:12:00.004+02:00

Una produzione multinazionale per una pellicola recitata in Giapponese da attori di calibro (quasi sempre) Giapponesi ed ambientata in Giappone: una pellicola particolarissima divisa in tre episodi indipendenti e non connessi l'un l'altro, tre appassionate dichiarazioni di odio/amore per la più incommensurabile città del mondo opera di tre autorevoli registi di quel cinema non convenzionale che io tanto adoro.

Interior Design

Il Francese Michael Gondry forma questo visionario primo episodio. Akira e Hirokosi trasferiscono per qualche giorno a casa di Akemi, un'amica di lei. Akira è un aspirante regista che in città deve presentare il suo ultimo lavoro: sarà un cinema hard ad ospitare la proiezione del suo lungometraggio che comunque avverrà diversi giorni dopo il loro temporaneo trasferimento nella casa di Akemi che per le sue modeste dimensioni mal si addice ad ospitare più di due persone per volta. La coppia si dimostra da subito per niente in grado di trovare una soluzione a questo problema: la ricerca di un lavoro e di un appartamento in affitto vanno continuamente a vuoto, e proprio Akira, l'unico dei due ad avere qualche progetto nella vita, riesce quasi per caso a trovare lavoro come impacchettatore in un negozio di ceramiche. Col passare dei giorni il clima tra i due ed Akemi si fa sempre più pesante e la sitaizone si complica con l'arrivo del fidanzato di lei: per di più il rapporto tra gli stessi Akira e Hiroko si va deteriorando a causa delle mille difficoltà. Lo sconforto di Hiroko si trasforma così in un qualcosa di strano, molto strano.

Merde

Un altro francese, Leos Carax, dirige il secondo episodio. Un uomo occidentale sporco e storpio, con una strana barba e con degli strani vestiti, compie dei brevi raid per le strade di Tokyo, uscendo dalle fogne e rientrandovi subito dopo. L'uomo diventa presto noto all'opinione pubblica per la sua beffarda violenza nei confronti dei passanti. Il rinvenire delle bombe a mano in un deposito sotterraneo lo porta a provocare una strage a Shibuya. L'uomo viene arrestato e tutto il mondo impara a conoscerlo come "Merde" (che ha lo stesso significato della parola Italiana). Il suo linguaggio è incomprensibile, ma si fa avanti un bizzarro avvocato francese che ha dei tratti somatici estremamente simili a quelli del vagabondo che gli farà da traduttore per gli interrogatori.

Shaking Tokyo

Il più bello, secondo me, operadel regista coreano Joon-Ho Bong. Un uomo sulla quarantina ormai da 11 anni vive chiuso in casa, è un ひきこもり(Hikikomori), uno di quegli individui che in Giappone passano la propria vita isolandosi dal mondo esterno. La sua vita è perfetta, estremamente scandita da rituali precisi. Ma un terremoto e l'arrivo di una ragazza porta-pizze cambieranno la sua vita, per sempre...

Nonostante la diversità dei tre episodi ho trovato un interessante filo conduttore che li unisce in maniera indissolubile: tutti e tre i registi esprimono la difficoltà di "vivere" una città come Tokyo e un paese come il Giappone: per qualunque appassionato e sognatore sfegatato del Giappone, la visione di questo film è un delicato ridimensionamento di una infinita Disneyland marziana a semplice luogo di questo pianeta terra, abitato da gente normale alla quale non basta il denaro per vivere, gente normale che ha seri e comunissimi problemi, gente sucube di intolleranza e persecuzione, gente che ama e gente che odia, gente che ha paura, gente che soffre. Soprattutto Gondry e in maniera minore anche gli altri due, permeano le loro pellicole di quella "difficoltà" del vivere quotidiano che come una macchia s'insinua tra le vite dei loro personaggi, rovinandole. Parlando dell'episodio di Gondry in particolare, solo un genio visionario come il suo è in grado di far convivere un dolorosissimo realismo con la magia del sogno, o se vogliamo dell'incubo, entrambi sempre e comunque metaforici. Ayako Fujitani, già vista in Ritual di Hideaki Anno e Ryo Kase, il protagonista di それでもボクはやってない(Comunque sia, non sono stato io) sono degli attori davvero bravi e l'episodio ne trae enorme giovamento e credibilità.

Carax, a mio parere, con la storia della persecuzione di Merde tratta sempre metaforicamente un tema assolutamente d'attualità in Giappone: la diffidenza e la paura nei confronti degli stranieri. Merde parla un linguaggio incomprensibile, è ripugnante e puzzolente, si comporta in maniera maleducata e lontana anni luce dalla comune etichetta. Beh qualunque straniero, quando a Tokyo viene rifiutato da un tassista perchè "non Giapponese", o quando vede i vicini di metropolitana allontanarsi al proprio avvicinarsi, o se ha a che fare con la polizia, si sente come Merde, che diventa quasi un messia di un sospirato ammorbidimento da parte della società Giapponese tutta, nei confronti dei gaijin.

Bong, anche grazie alla presenza della bellissima e bravissima Yuu Aoi vince per assoluto distacco la gara del miglio episodio: un capolavoro di delicatezza e di poesia, che sono assolutamente difficili da descrivere e che denotano le sue grandi sensibilità e passione per il mondo Giapponese. Il cameo di Naoko Takenaka è imperdibile!

Un film davvero bello.

Tokyo!

Giappone, Francia, Germania, Corea del Sud, 2008 - regia di Michael Gondry, Leos Carax e Joon-Ho Bong

恋空 (Koizora - Il Cielo Dell'Amore)

2009-06-01T00:56:00.004+02:00

Avevo sentito già diverse volte parlare di questo film, l'avevo disponibile in videoteca ma mai avevo concretizzato la sua visione, forse perchè durante l'esame di uno spezzone per il test dei sottotitoli avevo visto un tipo orrendo dai capelli talmente biondi che sin dall'inizio ho sentito antipatia nei suoi confronti... e non mi sbagliavo.

Siamo dentro ad uno di quei treni locali che attraversano la campagna Giapponese. Mika, seduta vicino al finestrino, crea degli origami e pensa ad un uomo, un uomo che le ha cambiato la vita, per sempre. Mika ha l'aria stanca, come fosse reduce da una guerra, e in effetti ne ha passate di tante, troppe.

Balzo indietro di sette anni: Mika è al primo anno delle superiori, sono passati tre mesi dall'inizio delle scuole. Mika è in bagno con la sua gonna cortissima, si mette un gloss sulle labbra: non si é ancora innamorata, e in realtà non sa da dove iniziare. Un giorno poi il suo sguardo s'incrocia con quello di un ragazzo, una specie di folletto biondo-Giapponese che porta la divisa come un teppistello e fa coppia fissa con un altro tipo pieno di Pearcing, di nome Nozomu, che sembra anch'egli un teppistello. La cosa sembra finire lí. Mika perde il cellulare in biblioteca, questo viene ritrovato da uno sconosciuto che lo mette in uno degli scaffali, avendo cura di cancellare tutta la rubrica della ragazza e di prendere il suo numero. Comincia una specie di stalking, lui dice di chiamarsi "segreto", e con Mika inizia una relazione a distanza che la prende sempre di più, fino a quando non s'incontrano. Quando Mika si accorge di avere davanti il biondino, scappa impaurita, lui insiste fino a che non escono assieme ed esplode l'ammmore.

Non posso proprio andare avanti, per non essere spoiler, ma da qui in poi Mika passerà davvero tante gioie, assieme a tanti guai, diciamo più guai che gioie.

Dunque: il film è tratto dal ケータイ小説(keitai shosetsu - romanzo scritto dal cellulare) intitolato 恋空～切ナイ恋物語(Koizora: Setsunai Koi Monogatari - Il Cielo Dell'amore: La Storia Dell'Amore Doloroso): è una specie di romanzo autobiografico scritto da una certa 美嘉(Mika), una tipa alquanto sfigata se davvero le sono accadute tutte le cose che si vedono nel film visto che lei stessa afferma che la storia è totalmente non inventata. La serie di romanzetti elettronici ha raggiunto i 25 milioni di lettori, e da questa è stato tratto nel 2007 questo film, e nel 2008 un drama di sei puntate. L'adattamento cinematografico è in tutto e per tutto un 純愛(Jun-ai – vero amore) e ne rispetta i canoni: storia d'amore dolorosa, morte o malattie varie e lacrime a fiumi.

Devo dire che mi piacciono i 純愛(Jun-ai – vero amore), ma devo fare il "Vincenzo Mollica al contrario" della situazione, dicendo sin dall'inizio che questo film non è bello. E spiego il perchè nei seguenti punti:

1) Il troppo storpia, come dicono i vecchi saggi, e qui questo proverbio non è mai stato così appropriato: la ragazza passa davvero troppi guai, talmente tanti che la storia rasenta il ridicolo. Una storia con così tanti guai andrebbe girata in tutt'altra maniera, magari utilizzando il vero genere drammatico e non il dramma scolastico giovanile, e non perchè in Giappone problemi del genere non esistano, ma perchè a mio parere non si risulta cinematograficamente credibili.

2) Il mieloso delle espressioni goffamente poetiche recitate da attori ragazzini che interpretano "adultamente" dei ragazzini e la fotografia satura di colore; il montaggio quasi da drama (vedere anche il punto "6" a questo proposito); la voce fuori campo e altre cose si scontrano con l'estrema gravità e dolorosa potenza dei temi trattati.

3) Io adoro 新垣結衣(Aragaki Yui), dai tempi del drama マイ★ボスマイ★ヒーロー(My Boss My Hero), di cui è splendida co-protagonista, ma dopo averla vista in questo film penso non sia proprio all'altezza di un'interpretazione cinematografica, e sarebbe davvero meglio che si concentrasse sui drama: certo dopo aver visto un Jun-Ai coi controcoglioni intitolato ただ、君を愛してる (Tada, Kimi Wo Ai Shiteru - Semplicemente, Ti Amo), con una "vera attrice" di nome 宮崎あおい(Miyazaki Aoi), la visione di Koizora fa crescere esponenzialmente la noia e lo scontento.

4) Sarà che dopo anni di cinematografia Giapponese ne ho visto tante, di storie, ma questo film è scontato già dall'inizio, io avevo indovinato il finale già da prima della fine del primo tempo: non ci sono idee concrete in questo adattamento.

5) Se c'è una cosa del cinema Giapponese che ho capito e in fondo apprezzato fin'ora, è che l'atto sessuale in tutte le sue forme, dal bacio, alla carezza spinta al rapporto completo, sono assolutamente sempre omessi o fatti immaginare allo spettatore, ma qui si va sull'esplicito, un'esplicito sgradevole che si materializza sia nelle immagini che nei racconti della voce fuori campo: quello che ho sempre amato dei Jun-Ai è la purezza sensoriale del rapporto amoroso, la distillazione della vera essenza del sentimento cosa che solo questa cinematografia Giapponese nella mia esperienza personale ha saputo esprimere. Siamo anni luce dalla poesia dell'Iwai di Love Letter, e dalla grezza potenza visiva dello Yukisada di Sekachu: persino un Norihiro Koizumi a 26 anni d'età ha fatto di meglio nel 2006 con la sua ottima opera prima Tayou no Uta.

6) Lo sconosciuto Natsuki Imai, regista di questo film, non ha fatto altro nella vita che drama, e la sua inesperienza cinematografica si sente tutta in questo film girato come un micro-drama.

7) Mai come in questo caso il tema la morte è sfruttato e abusato per risolvere il plot.

8) Spesso nei Jun-Ai c'è una piccola componente comica e sdrammatizzante, ma qui, nada.

Ci sono alcuni punti positivi, come alcune battute, ma tutto il resto è piattume e soprattutto alle donne piace (chiedete a Shiho che non ha ancora smesso di piangere).

恋空 (Koizora - Il Cielo Dell'Amore)

Giappone, 2007 - regia di Natsuki Imai

おくりびと (Departures)

2009-05-27T23:36:00.005+02:00

Masterpiece e vincitore del Far East 2009 (sia con l'Audience Award che col Black Dragon Award), premio oscar 2009 nella categoria "miglior film straniero", dozzine di premi assegnati nei festival cinematografici di tutto il mondo, e soprattutto in Giappone, quasi sempre nelle categorie "miglior film"; un successo stratosferico al botteghino in madre patria, cosa incredibile per un film con una sceneggiatura originale (pur liberamente basata sul libro autobiografico di Shinmon Aoki, 納棺夫日記(Nōkanfu Nikki), titolo inglese "Coffinman: The Journal of a Buddhist Mortician") non tratta da serie televisive o manga, e con un soggetto non comune, quello della morte e della gestione di un corpo morto, fisiologicamente fuggito e temuto dai "vivi". Corollario non trascurabile di tutto ciò è l'estremo tabù Giapponese della riservatezza della cerimonia funebre, riservata esclusivamente ai familiari stretti e quindi difficilmente esprimibile cinematograficamente senza suscitare contrastanti sentimenti nel pubblico nipponico.

Departures, termine proveniente direttamente dalla traduzione in inglese di una scena divertente del film, non è l'esatta traduzione del titolo Giapponese che è おくりびと(Okuribito): questa parola deriva dal verbo 見送る(Miokuru), che esprime l'azione del salutare dalla terra un defunto che già sta in cielo mentre lo si contempla con gli occhi. Si prende solo la parte del "salutare", 送る(Okuru) e la si unisce all'ideogramma 人(Hito), che unito al verbo precedentemente citato si ingorizza diventando "bito": "Okuribito" è la persona che saluta un morto in cielo, un significato più metaforico che fisico.

Siamo nel rigido inverno di 酒田(Sakata), prefettura di Yamagata. Un giovane 納棺師(nokanshi) esegue il rituale della ricomposizione del cadavere di una giovane e bellissima donna prima della sua deposizione nella bara. Il suo anziano mentore lo segue compiaciuto mettere in pratica gli aggraziati movimenti di un'arte antica ed affascinante, fulgida di pietà, composta dignità, piena dell'amore che i vivi non possono più dare ai morti, delegandolo così a persone uniche e speciali.

Prima di svolgere questo lavoro, Daigo era un violoncellista in una grande orchestra di Tokyo, purtroppo dopo lo scioglimento della stessa, il giovane si trova senza lavoro e decide di trasferirsi nella sua città natale, Sakata. Qui, in un giornale di inserzioni legge un annuncio: "cercasi personale, anche senza esperienza, agenzia specializzata in partenze". Convinto si tratti di un'agenzia di viaggi, Daigo prende contatto con l'anziano proprietario, che lo assume senza neanche leggerne il curriculum. Presto il ragazzo capirà che si tratta di un'agenzia funebre, una 葬儀屋(Sōgiya): il suo iniziale nascondersi lo mette al riparo da odiosi pettegolezzi che però, vista la dimensione ridotta della città non tardano ad arrivare, minando addirittura la solidità del suo matrimonio. Qui comincia per Daigo un nuovo percorso, a volte doloroso, per ritrovare pace e serenità interiori, ed il rispetto degli altri.

Bello, sensibile, struggente ed apparentemente perfetto: un film al quale in termini festivalieri ho dato un bel 5/5 (il voto era 4/5 ma nel mio metro di giudizio al FEFF i film Giapponesi hanno sempre un punto in più). Effettivamente, un non appassionato di cinema asiatico può veramente apprezzare questa pellicola: la classica lentezza cinematografica Giapponese lamentata da chi vi ci si avvicina per la prima volta è meno pesante del solito, il tema trattato è estremamente interessante per la sua rarità e vale pure la visione di due ore e dieci minuti di film: c'è un ottimo bilanciamento totale dell'insieme. Un film esportabilissimo, una scommessa vinta ancora una volta dal lungimirante e temerario produttore esecutivo 間瀬泰宏(Mase Yasuhiro). E' importante notare che Departures ha avuto la sua vittoria più importante in madrepatria, in Giappone, dove un enorme successo di pubblico ha sancito la caduta di un grande tabù, sdoganando cinematograficamente la figura del 納棺師(Nokanshi) e la pratica funeraria, cose che in anni di cinema Giapponese personalmente non avevo mai visto. Nessuno infatti avrebbe scommesso su questa pellicola, e il film parla proprio di questo problema: l'emarginazione di Daigo a causa del suo lavoro viene da un sentimento comune a tante popolazioni del mondo. Tutti abbiamo paura dei becchini, chiunque almeno una volta nella vita ha provato ad immaginare come sarebbe lavorare da becchino, e magari toccare i morti: non è in questo caso la "paura del diverso" ad atterrire le persone, ma la più naturale paura della morte, il fuggire ciò che si teme di più anche solo come idea. Da qui invece si possono creare le basi per creare un film interessante, perchè oltre a mostrare cose che nessuno ha mai visto (la pratica della composizione del cadavere di fronte ai parenti, almeno in Europa non penso sia così diffusa...), permette di mostrare una rassicurante quotidianità anche in un lavoro talmente particolare, ed è allora possibile mettere a proprio agio lo spettatore anche con l'inserimento di situazioni macabramente divertenti: un espediente, quello di giocare con la morte senza mai cadere nel cattivo gusto, assolutamente geniale.

Un'ottima interpretazione di 本木雅弘(Masahiro Motoki) nel ruolo di Daigo, e una non meno valida prova da 広末涼子(Hirosue Ryōko) il visino indimenticabile della figlia di Jean Reno in Wasabi, che interpreta sua moglie; gradevole la presenza di 山崎努(Yamazaki Tsutomu) una grande carriera cinematografica alle spalle e tanti ruoli di spessore (io non dimentico quello del nonno di Sakutaro in Sekachu), che interpreta l'anziano proprietario dell'agenzia.

Insomma, sono contento per questo premio Oscar, assolutamente non immeritato e che dà lustro al cinema Giapponese, dopo quello vinto nel 2001 da Hayao Miyazaki con 千と千尋の神隠し(Sen To Chihiro No Kamikakushi - La Città Incantata). Ma chi conosce bene in cinema Giapponese e ha fatto il callo al genere drammatico Giapponese contemporaneo, non può far altro che notare che anche questo è un film costruito ad arte per strappare lacrime, con un supporto sonoro non brutto nè sgradevole ma ripetitivo che se vogliamo enfatizza ancora di più le scene commoventi e tristi. Forse scontato come struttura, utilizza la morte per i suoi fini di genere, come tutti gli esponenti del genere 純愛(Jun-ai – vero amore), ma senza utilizzare il topic dell'amore. Grazie a questo film le autorità di Sakata dovrebbero ergere un monumento in onore della produzione, visto che l'affluenza turistica nella cittadina è spaventosamente esplosa fino a mettere in ginocchio le sue capacità ricettive, un pò come accadde per Aji, nell'isola di Shikoku, location di Sekachu, che ancora oggi vive di turismo cinematografico (io ho contribuito ad esso nell'estate del 2008).

Unico nel suo genere e irripetibile, come ciò che mostra, assolutamente imperdibile anche pure dal punto di vista della conoscenza della cultura Giapponese, ben fatto e mai noioso, delicato ma ironico, un equilibrio perfetto creato e perfezionato dal bravo regista 滝田洋二郎(Takita Yōjirō), equilibrio senza il quale, parole di Mase, andrebbe davvero tutto a rotoli.

Una foto ricordo al FEFF11 con 間瀬泰宏(Mase Yasuhiro), produttore di questo film, come dei thriller ospedalieri di Nakamura.

おくりびと(Okuribito - Departures)

Giappone, 2008 - regia di 滝田洋二郎(Takita Yōjirō)

K-20 怪人二十面相・伝 (La leggenda dell'uomo misterioso dalle venti facce)

2009-05-25T00:52:00.003+02:00

Siamo nel Giappone "post-non-bellico", cioè nel 1949 ma senza che ci sia stata la Seconda Guerra Mondiale: l'Impero non ha mai fatto le scelte scellerate che portarono il paese del Sol Levante alla rovina (attacco a Pearl Harbor, ingresso in guerra con le potenze dell'asse etc.), e il paese vive in un irreale futurismo in stile prebellico, strane macchine volanti, una Blade-Runner di ghisa, acciaio e vapore, un bizzarro progresso tecnologico che però non ha toccato la società, persa come fosse congelata in quell'apparente eterno medioevo dal quale, nel bene e nel male il Giappone uscì solo dopo la fine della guerra, dopo lo sterminio nucleare e l'occupazione Americana: una società settorialmente divisa in un'opulenta aristocrazia che domina un poverissimo ceto povero.

Siamo nella immaginaria capitale "Teito". Durante la presentazione di una straordinaria invenzione opera del leggendario dottor Tesla, un misterioso individuo s'impadronisce della macchina e provoca una strage: è il famigerato criminale mescherato chiamato "Venti Facce". Il detective Kogoro Akechi, accompagnato dal suo inquietante assistente bambino, continua le indagini per catturare il manigoldo. Giù nei bassifondi intanto l'impavido acrobata Heikichi Endo, dopo aver terminato la sua esibizione in uno spettacolo veien avvicinato da uno strano signore che lo paga per portare a termine un pericoloso lavoro, che dev'essere portato a compimento al ricevimento per l'annunciazione delle nozze del detective Kogoro con la sua nobile fidanzata, Yoko Hashiba: Le cose vanno male e lo sfortunato Heikichi viene irrimediabilmente scambiato per il criminale "Venti Facce", e braccato. Il ragazzo dovrà così affrontare un'intera città che lo insegue, l'astuto detective Kogoro, il pericoloso criminale, e salvare il mond... beh non per essere spoler, ma insomma i film di super-eroi alla fine sono tutti così...

Non ero eccezionalmente interessato a questo film: adoro i film di super-eroi Giapponesi, ma quelli che non si prendono sul serio, come il bellissimo Zebra-man di Miike, per dirne uno: qui siamo ad un marvel-film Giapponese, e il confronto soprattutto per quello che non vuole essere un film innovativo ma un film che insegue un filone già affermato e con più che autorevoli esponenti, non poteva che essere a suo totale sfavore. Devo dire di essermi ricreduto, anche se in parte. Tratta e adattata dal lavoro di 北村想(Kitamura Sō), la sceneggiatura è agile e frizzante, come la capacità registica della sua scrittrice, 佐藤嗣麻子(Satō Shimako). Ad attirare le masse, soprattutto di ragazze e signore, c'è la star Nippo-Taiwanese 金城武(Kaneshiro Takeshi), un ottimo talento recitativo. La protagonista femminile è interpretata da 松たか子(Matsu Takako), per me identica alla protagonista dei recentissimi thriller ospedalieri di Nakamura, Yuko Takeuchi.

Il film diverte ed intriga, l'intreccio è avvincente ed i colpi di scena non mancano, le scene d'azione sono avvincenti, ma gli effetti speciali del cinema Giapponese, permettetemi di dirlo, non sono ancora all'altezza degli standard Americani e Neo-Zelandesi. C'è sempre la spada di Damocle del confronto coi filmoni targati Marvel, ma non penso si possa proprio volere di più per questo genere cinematografico, dal cinema Giapponese.

K-20 怪人二十面相・伝(K-20 Kaijin Ni-Jū Mensō Den - La leggenda dell'uomo misterioso dalle venti facce)

Giappone, 2008 - regia di 佐藤嗣麻子(Satō Shimako)

ジェネラル・ルージュの凱旋 (Il Trionfo del Generale Rosso)

2009-05-22T19:48:00.004+02:00

Dopo チーム・バチスタの栄光(Chiimu Bachisuta No Eiko - La gloria del Team Batista) e フィッシュストーリー (Fisshu Sutoorii - Fish Story), incontro per la terza volta Yoshihiro Nakamura al Far East, e qui pur dopo la dolorosa delusione di Fish Story non c'era alcun dubbio sull'assoluta bontà del prodotto: come da anticipazione, una specie di soft thriller investigativo in salsa ospedaliera (per l'appunto il seguito del gradevole "La gloria del Team Batista").

Si ritorna al 東城大学医学部付属病院(Tōjō Daigaku Igakubu Fuzoku Byōin - Ospedale Universitario Tojo), lo stesso immaginario ospedale nella periferia di Tokyo: la timida ma intraprendente dottoressa Kimiko Taguchi, psicologa e brillante improvvisata investigatrice ai tempi delle vicende del prequel, è stata nominata capo della commissione etica dell'ospedale, un compito non certo facile per un animo quieto come il suo. La vita nell'ospedale procede pacifica fino a che la Taguchi riceve una lettera anonima che la mette a conoscenza di presunti loschi affari in ambito di forniture compiuti dal dottor Koichi Hayami, chiamato "il generale rosso", l'onnipotente responsabile del pronto soccorso, con la complicita' della sua capo infermiera, la signora Miwa Hanabusa. Come se non bastasse, sull'eliporto dell'ospedale atterra un elicottero ambulanza che trasporta un paziente speciale: Keisuke Shiratori, pezzo grosso del ministero della sanità e vecchia conoscenza della Taguchi (aveva partecipato all'indagine sui misfatti del team Batista). L'arrivo del signor Shiratori provoca un'improvvisa orticaria alla Taguchi, che sa che una semplice frattura alla gamba del burocrate non giustifica il trasferimento dello stesso in elicottero e che guai grossi sono in arrivo: infatti pure Shiratori ha ricevuto una lettera anonima con lo stesso contenuto, e per di più il fornitore di attrezzature del Generale Rosso muore (suicida?) cadendo dall'eliporto, situato sul tetto dell'ospedale. La Taguchi si ritrova così catapultata in una nuova crisi, in obbligo di investigare visto anche il suo ruolo di capo della commissione etica, e di nuovo con l'insopportabile ma simpatico Shiratori alle calcagna.

Dopo un anno dalla visione di チーム・バチスタの栄光(Chiimu Bachisuta No Eiko - La gloria del Team Batista), come gia' detto sempre di Nakamura, mi tuffo di nuovo nell'atmosfera familiare dell'ospedale Tojo. E' un piacere incontrare di nuovo la gradevolissima figura della dottoressa Taguchi, un personaggio dotato di una grande sensibilita' ed umilta' e che non si fa fatica ad amare a prima vista e interpretato da una sempre brava 竹内結子(Takeuchi Yūko). Non si poteva fare un seguito del blockbuster datato 2008 senza riproporre il mitico 阿部寛(Abe Hiroshi), anche questa volta colonna portante della pellicola e protagonista di scene incredibili (la scena del reparto di pediatria coi bambini che lo sfottono è già da leggenda). Anche qui pochi difetti, forse nessuno, e se vogliamo una migliore gestione generale delle risorse: tralasciando la storia, comunque non originale ed adattata sempre dai lavori di 海堂尊(Kaido Takeru), la sensazione generale è che il sequel sia migliore del prequel. Una regia più audace in certe inquadrature, addirittura effetti speciali in post-produzione per una scena particolarmente estrema, e comunque un meccanismo di personaggi prefettamente collaudato ed oliato.

Dopo la visione, vista la delusione di フィッシュストーリー (Fisshu Sutoorii - Fish Story) ho pensato che Nakamura sia di sicuro un ottimo regista e sceneggiatore, ma che vada assolutamente controllato da qualcuno (in questo caso e in quello del prequel la TBS ha fatto il suo).

Due ore di divertimento senza pensieri. Consiglio questi due film e qualsiasi altro sequel dovesse essere prodotto.

ジェネラル・ルージュの凱旋 (Jeneraru Ruuju No Gaisen - Il Trionfo del Generale Rosso)

Giappone, 2009 - regia di Yoshihiro Nakamura

チーム・バチスタの栄光 (La gloria del Team Batista)

2009-05-20T22:57:00.006+02:00

Il film Giapponese più "grande" del Far East 2008. Grande in termini di audience: a detta del presidente della TBS (Tokyo Broadcasting System), presente in sala, un successo di pubblico senza precedenti; grande in termini di budget di produzione: un blockbuster fatto per guadagnare, una macchina da soldi praticamente perfetta; grande in termini di divertimento: si perchè questo film intrattiene alla grande.

Siamo nell'enorme 東城大学医学部付属病院(Tōjō Daigaku Igakubu Fuzoku Byōin - Ospedale Universitario Tojo), un immaginario ospedale nella periferia di Tokyo. Qui opera una famosissima equipe cardio-chirurgica che applica un innovativo e a quanto pare vincente metodo nelle operazioni a cuore aperto. Il Team, dopo gli incredibili successi nella risoluzione di casi disperati che hanno portato lustro all'intera struttura sanitaria, comincia a perdere dei pazienti per decesso in sala operatoria. La dottoressa Kimiko Taguchi, appassionata giocatrice di softball nonchè calma e inoffensiva psicologa, viene incaricata di interrogare i vari componenti del team, per cercare di capire le cause di questa serie inspiegabile ed allarmante di decessi. La sua inchiesta si conclude con un ingenuo verdetto di assoluzione nei confronti del team, apparentemente impotente di fronte a quelli che vengono stabiliti come decessi accidentali. Arriva intanto dal ministero Keisuke Shiratori, un investigatore incaricato di far luce sulla vicenda. Shiratori metterà scompiglio in tutto l'ospedale con la sua impulsività che darà non poco filo da torcere alla timida Taguchi, ma che porterà una nuova luce sugli avvenimenti.

Come dicevo prima チーム・バチスタの栄光(Chiimu Bachisuta No Eiko - La gloria del Team Batista) è un film che fa semplicemente il suo dovere: intrattenere e fare soldi: è una macchina collaudata quella del giallo Giapponese senza sangue e senza violenza. Tratto dall'omonimo romanzo di 海堂尊(Kaido Takeru), è alla fine una lunghissima puntata de "La Signora In Giallo", in cui la mia seconda nonna Angela Lansbury risolveva crimini in ogni dove (sono sempre stato convinto che portasse sfiga perchè ovunque andasse ci scappava il morto), ma gli attori di calibro, la produzione miliardaria e una storia moderna ed intrigante fanno di questo film un bellissimo film giallo con contorni di commedia. I personaggi, pur di contorno, sono ottimamente definiti e ognuno di loro ha un suo misterioso carisma: 竹内結子(Takeuchi Yūko), che interpreta la dottoressa Taguchi è incredibilmente dolce nella sua sincera goffaggine; 阿部寛(Abe Hiroshi), che interpreta il politico Shiratori non ha certo bisogno di presentazioni, e qui sfoggia una faccia da schiaffi da primato e riesce a dare al suo personaggio una potenza carismatica non indifferente: penso che questo film non sarebbe nulla senza di lui. E a quanto pare anche la sanità Giapponese ha le sue magagne, e forse anche a questo scottante tema si deve la grande affluenza di pubblico.

Divertente, intrigante, passa via in un lampo.

チーム・バチスタの栄光(Chiimu Bachisuta No Eiko - La gloria del Team Batista)

Giappone, 2008 - Regia di Yoshihiro Nakamura

ドロップ (Drop)

2009-05-15T23:13:00.004+02:00

Hiroshi, un tranquillo studente di un liceo privato giapponese, nel pieno dell'enfasi generata dalla sua passione per i manga, decide di emulare i suoi eroi di carta trasferendosi in una scuola pubblica dominata da bande con lo scopo di affiliarsi ad una di esse. La sua nuova acconciatura non proprio convenzionale lo rende subito bersaglio della banda dominante della scuola, portandolo subito ad uno scontro con il capo della stessa, Tatsuya. Hiroshi non e' certo bravo coi pugni, anzi fa proprio pena, e l'incontro si trasforma in un massacro.

La perseveranza del bizzarro nuovo arrivato pero' colpisce il bullo Tatsuya, che alla fine dell'incontro lo invita a mangiare un piatto di Ramen. Il resto della banda, rimasto in disparte durante il combattimento, si unisce al banchetto: sono il martello umano Moriki, il ciccio-bambinone Wanko e il furfantello "Lupin", che pure provvede al pagamento del pasto grazie ai proventi delle sue ruberie. tra Hiroshi e la banda, e soprattutto con Tetsuya nasce una profonda amicizia che li leghera' e li portera ad affrontare, uniti, tutti i "nemici" che sbarreranno loro la strada, in quello che soprattutto per Hiroshi sara' un duro percorso di crescita.

Il film è tratto dal fumetto disegnato da 鈴木ダイ(Suzuki Dai), scritto dal regista 品川祐(Shinagawa Hiroshi) ed ispirato fedelmente al romanzo autobiografico dello stesso Shinagawa (tutte le opere hano lo stesso titolo, ドロップ (Doroppu - Drop)). Hiroshi Shinagawa, figlio di un ricco uomo d'affari ed appassionato di manga basati su storie di teppistelli, si traferì in una scuola pubblica per poter vivere come i suoi eroi: Hiroshi è il suo omonimo e piuttosto fantasioso alter ego.

Chi si avvicinasse per la prima volta al Giappone attraverso questo genere di prodotti d'intrattenimento, parlo dei manga, degli anime e dei film basati su storie di teppismo, potrebbe facilmente farsi un'idea sbagliata sul mondo giovanile nipponico. Da diversi mesi sto portando avanti uno studio sul fenomeno del bullismo in Giappone: non dispongo ancora dei risultati definitivi ma posso dire che lo spazio riservato dai media d'intrattenimento a questo triste fenomeno sociale e' sovradimensionato rispetto alla reale entità dello stesso, che in verità non si discosta come caratteristiche da realtà a noi piu' familiari, come ad esempio quella Italiana: una breve consultazione con la mia ragazza, Shiho, mi ha permesso di capire che anche per quanto riguarda il teppismo, siamo ancora sull'esagerazione. Questo non vuol dire che i teppisti non esistano: ma il loro ambito d'azione soprattutto a livello scolastico è estremamente limitato, vuoi per la dura repressione dei dirigenti, vuoi perchè in una scuola Giapponese non c'è proprio spazio nè tempo per gli scarti della società, che vengono prontamente allontanati da questi ambienti. I reietti sono soliti affiliarsi poi alle bande di motociclisti o di 右翼団体(Uyoku Dantai - Gruppi di estrema destra). Penso che il signor Shinagawa sia rimasto deluso dalla realtà scoperta nella scuola pubblica in cui si era trasferito per fare a botte e vivere come i suoi beniamini.

Ma prendendo il genere nippo-teppista come puro entertainment, ci si può divertire davvero tanto, e le spettatrici possono trovare una vasta varietà di idol di cui immamorarsi. Non è certo un lavoro facile poi quello dell'idol Giapponese: non si tratta di recitare un po' alla rinfusa senza avere idea di cosa sia la recitazione stessa (vedi i nostrani Scamarcio & co.), la maggior parte degli attoruccioli Giapponesi recita alla grande (tralasciando quando fanno l'odiosissima risata finta), ed è un lavoro a tempo pieno perchè nella maggior parte dei casi devono pure cantare e ballare la sigla di coda, come anche fa 成宮寛貴(Narimiya "faccia da schiaffi" Hiroki), l'interprete del personaggio di Hiroshi, perfetto nel suo ruolo e davvero bravo (ma rimandato in "pianto"). Anche l'interprete del personaggio di Tetsuya, 水嶋ヒロ(Hiro Mizushima), al secolo 斉藤智裕(Saito Tomohiro), è uno dei piu' famosi nippo-bellocci del momento.

La mia impressione post proiezione è stata quella di uno scarso bilanciamento tra i momenti topici del film, cioè la parte "teppistica" e quella "umana", definitamente separate temporalmente nell'arco delle due ore di durata della pellicola e forse troppo poco fuse tra di loro: non penso sia facile condensare un manga in due ore di film, considerando che la trasposizione cinematografica di questa storia è estremamente realistica (alcune scene finiscono addirittura in fading con i disegni originali del manga di Suzuki). Un film comunque divertente, allegro e innocente pur nella sua stessa violenza, e nella sempre gradevole per la rilassante non letalità di tutti gli scontri (per questo aspetto, nonostante l'abbondanza di sangue e cerotti, ricorda un pò l'atmosfera dei film con Bud Spencer e Terence Hill), e capace di slanci ardimentosi e assolutamente credibili di profondità morale: secondo me degno di una proiezione serale al Far East Festival, e invece relegato alla mattina. Varrebbe la pena di vederlo solo per la presenza dei cameo di 哀川翔(Aikawa Shō) e 遠藤憲一(Endo Kenichi), il primo interpreta un poliziotto e il secondo un ex yakuza, due grandi attori (fantastica la schermaglia tra i due a colpi di bakayaro).

ドロップ (Doroppu - Drop)

Giappone, 2008 - regia di 品川祐(Shinagawa Hiroshi)

インスタント沼 (La palude istantanea)

2009-05-02T17:55:00.007+02:00

Annunci pomposi in scaletta al Far East 11: "in anteprima mondiale in proiezione l'ultimo film di 三木聡(Miki Satoshi), インスタント沼(Insutanto numa - La Palude Istantanea)". Cosa si prova ad essere una delle prime persone al mondo a vedere un film?

Haname Jinchoge lavora nella redazione di una rivista sull'orlo del fallimento finanziario: dopo aver perso il lavoro e il suo uomo, si rassegna a vivere una vita solitaria, e tenta di aprire una piccola attivita' commerciale. Un giorno, mentre e' in visita al capezzale della bizzarra madre quasi morta annegata mentre era alla ricerca di un folletto acquatico, trova una lettera scritta da un signore che porta il suo stesso cognome: che haname abbia trovato il suo vero padre? Il signor Noburo Jinchoge e' un bizzarro hippie che gestisce un negozio di cianfrusaglie. Da qui la trama letteralmente impazzisce, non so dire altro...

Dopo aver visto quattro dei suoi sei lavori, ho imparato ad amare, ma anche a temere questo folle regista Giapponese: un inizio sfolgorante e promettente con イン・ザ・プール(In Za Puuru - Nella Piscina), del 2005, poi l'ottima prova del piacevolissimo 亀は意外と速く泳ぐ(Kame wa igai to hayaku oyogu - Le tartarughe nuotano più velocemente di quanto si pensi): non ho visto ダメジン(Damejin) del 2006, ma con 図鑑に載ってない虫(Zukan ni nottenai mushi - Deathfix: Die And Let Live) del 2007 c'è stata una caduta terrificante di stile ed inventiva, era una poltiglia appicicaticcia ed informe, come il leggendario vomito-okonomiyaki sul cofano della decappotabile rossa (e buona pace della brava Rinko Kikuchi che appariva come attrice co-protagonista); il 2007 ha visto anche l'uscita di quello che forse è da considerare il capolavoro di Miki Satoshi, e forse uno sei più bei film Giapponesi degli ultimi anni, un gioiellino che s'intitola 転々(Ten-ten - Adrift In Tokyo). Poi buio totale sino ad oggi, ed ecco un'altra ciofeca.

E' possibile che io proprio non capisca una certa comicità, forse sono davvero di un'altro pianeta, ma la visione di questo film era terrificante, era difficile rimanere seduti in sala e mi è capitato pochissime volte, se poi consideriamo l'idiota che stava seduto dietro di me e che diceva "LOL" con voce da scemo ad ogni scena simpatica, il quadro era completo. Cosa si prova dunque ad essere uno dei primi individui sulla terra a vedere un film? Se il film è questo, meglio stare a casa!!

Da dimenticare, in attesa del prossimo capolavoro, che dovrebbe arrivare, tenendo conto della bizzarra ciclicità del nostro amico pazzerello...

インスタント沼 (Insutanto numa - La Palude Istantanea)

Giappone, 2009 - regia di 三木聡(Miki Satoshi)

フィッシュストーリー (Fish Story)

2009-04-29T15:54:00.002+02:00

Chi è Yoshihiro Nakamura? Avevo visto nel 2008 sempre al FEFF di Udine il suo チーム・バチスタの栄(Chimu-Bachisuta no eiko - The Glorious Team Batista), un bel blockbuster di massa che non fa altro se non il bravo blockbuster di massa. Quest'anno il buon Mark Shilling ha proposto due film del buon Nakamura: il seguito di The Glorious Team Batista, che s'intitola ジェネラル･ルージュの凱旋(Jeneraru-Ruuju no Gaisen - The Triumphant General Rouge), un altro bel blockbuster di massa che non fa altro se non il bravo blockbuster di massa, e un altro film, meno blockbuster di massa anzi quasi un film indipendente, quello che poteva sembrare il più interessante dei due, フィッシュストーリー(Fisshu Sutoorii - Fish Story)...

Quattro storie separate temporalmente e fisicamente, ma unite da un sottile filo:

Anno 1972: una band inventa il punk un anno prima della sua invenzione ufficiale, ma nessuno tranne una ragazza in un bar se ne accorge (la ragazza rimarrà l'unica ed è solo una comparsa)...

Anno 1982: Uno studente senza palle fa da schiavetto ad un uomo che lo domina, e si accorge a sue spese di quanto possa essere duro essere senza palle...

Anno 2009: una studentessa delle superiori si addormenta su un traghetto senza poter scendere nell'attracco a Tokyo: sarà costretta a pazientare fino all'isola di Hokkaido, ma farà amicizia con uno strano cameriere...

Anno 2012: mancano 5 ore alla fine del mondo, una cometa si shianterà su Tokyo, e due commessi di un negozio di dischi e un indisponente avventore con un cancro in stadio terminale aspettano l'ora ascoltando musica...

La trama è fitta e complessa, le storie si collegano tra di loro in maniera a volte geniale e sorprendente, è impossibile dire di più senza spoilerare. Tratto dal romanzo di Koutaro Isako, Fish Story è un budello temporale, gestito a mio parere in maniera maldestra: un ottimo materiale e un ottimo soggetto, ottima fotografia, ma la composizione delle varie storie smembra la pellicola dell'interesse che la storia potrebbe invece naturalmente suscitare. Non è un collage omogeneo, e alcune storie prevalgono pesantemente sulle altre. La bravura di alcuni attori, Nao Omori, Mirai Moriyama etc. salva in parte questa pellicola, ma rimane l'amaro in bocca per la scarsa prova recitativa di altri (la giovane Mikako Tabe, bravissima a fare il maschietto in Hinokio (2005, Takahiko Akiyama), sembra proprio non carburare, eppure ci sono tante brave giovani attrici in Giappone...), e per il tempo che si passa inutilmente in sala. Sembra che il lavorare fuori dalla frusta delle major non giovi a Nakamura. Vorrei vedere quello che molti definiscono il suo cult: アヒルと鴨のコインロッカー(Ahiru to kamo no koinrokkâ - The Coin Locker of the Duck and Drake), del 2007.

フィッシュストーリー (Fisshu Sutoorii - Fish Story)

Giappone, 2009, regia di Nakamura Yoshihiro

百万円と苦虫女 (One Million Yen Girl)

2009-04-29T14:37:00.004+02:00

Un titolo che non si può tradurre, perchè il temine 苦虫(Nigamushi) non ha senso, se non interpretato in maniera ironica. Ho tentato di seguire il discorso di Shiho a proposito di questo argomento ma non ci sono riuscito...

Primo film Giapponese proiettato al Far East 11. Satō Suzuko, una ragazza ventunenne, decide di andare a vivere con una sua collega, e di spartire con lei le spese dell'affitto dell'appartamento. Dopo aver trovato il posto giusto, scopre dalla sua stessa collega che ci sarà un terzo inquilino, il fidanzato della ragazza, che spartirà con loro l'appartamento. Il giorno del trasferimento, solo il ragazzo si presenta nell'appartamento: i due hanno litigato. La situazione per Suzuko non è facile: convivere con uno sconosciuto che non si dimostra per nulla amichevole: un dispetto fattole dal ragazzo la porta a vendicarsi in maniera abbastanza pesante, le conseguenze di questo gesto saranno pesanti e la giovane finisce in carcere.

Finire in carcere in giappone non è come in Italia un lasciapassare per una fiorente carriera politica, ma è una vera e propria condanna alla morte sociale. Tema già trattato da 行定勲(Yukisada Isao) nel suo Go, si ripropone qui in una chiave meno cruenta ma non meno tragica. Suzuko decide di lasciare la famiglia e di viaggiare in lungo e in largo per il Giappone: si fermerà in ogni luogo fino a che non avrà accumulato un milione di Yen (meno di ottomila euro), per affrontare le spese di un nuovo traferimento. L'essere stati in carcere è una cosa che preclude all'individuo qualsiasi possibilità di vivere nella società civile, non tanto per problemi legali o giuridici, ma a causa dell'emarginazione alla quale si è sottoposti, non solo dagli estranei ma anche da parte della stessa famiglia, che diventa essa stessa bersaglio di emarginazione. Suzuko affronta così un viaggio, alla fine del quale c'è l'ignoto.

Penso che non fosse facile occuparsi di un tema così delicato: penso che chiunque qui a Udine si sia innamorato all'istante della bravura della regista ed autrice Yuki Tanada: una storia difficile raccontata senza falsità, senza luoghi comuni e con un'enorme delicatezza, come forse una donna saprebbe fare. E riguardo il finale, forse il film è così bello per la sua imprevedibilità: la Tanada da rimarcato quest'aspetto in conferenza stampa, la produzione voleva un certo tipo di finale (più da blockbuster che da film indipendente), ma noi tutti le siamo riconoscenti per aver fatto di testa sua! E anche se il film avesse fatto schifo, avrebbe avuto comunque una sufficienza piena per la presenza della bravissima Yuu Aoi e dell'avviatissimo Mirai Moriyama...

Una foto con la Tanada era d'obbligo :)

エリ・エリ・レマ・サバクタニ (Eli Eli, Lema Sabachtani)

2009-02-15T01:23:00.004+01:00

E' un titolo bizzarro, è una citazione in aramaico, è una delle ultime frasi pronunciate da Gesù morente in croce, riportata da nel Vangelo di Luca (23:24) e nel Vangelo di Matteo (5:44): significa "Dio, Dio, perchè mi hai abbandonato?".

In una speduta località Giapponese, forse nell'isola settentrionale di Hokkaido, due musicisti sperimentano e creano sonorità di ogni genere, e le registrano con delle attrezzature audio professionali. I due vagano in un mondo che sembra deserto, popolato solo di cadaveri. Sono i famosi musicisti alternativi Mizui e Asuhara. Arriva a turbare la loro quiete un furgone bianco con un vecchio magnate, un detective ed una ragazzina legata: pensano che la musica dei due strani sperimentatori sonori possa guarire la ragazzina dalla malattia che l'affligge, e con lei affligge milioni di persone in tutto il mondo: la sindrome di Lemmings, che induce le persone a commettere suicidio.

Beh, oltre a qualche altro avvenimento, non c'è trama, solo rumore e immagini. Mizui e Asuhara, interpretati rispettivamente da 浅野忠信(Asano Tadanobu) e 中原昌也(Nakahara Masaya), creano dei rumori terrificanti coi loro strumenti (tutte le performances sono improvvisazioni live ad opera degli stessi attori). Ispirazione di morte e tristezza, ma allo stesso tempo di fresca giovinezza e bellezza è l'eterea 宮崎あおい(Miyazaki Aoi), la ricorderete nel bellissimo ただ、君を愛してる (Tada, Kimi Wo Ai Shiteru - Semplicemente, Ti Amo), o in 好きだ (suki-da). Il regista 青山真治(Aoyama Shinji) ha creato questo film con l'intento di comunicare qualcosa, ne sono certo, ma penso non ci sia riuscito, o almeno non ha fatto in modo che la mia mente recepisse il suo messaggio. L'idea di un'umanità distrutta è comune in tanti film: l'impostazione sovrannaturale e organolettica di immagini e suoni sembra rendere il nostro mondo come un pianeta extraterrestre, all'inizio addirittura sembra veramente di non essere su questo pianeta, almeno non nel pianeta che vive questa era: l'irruzione in scena dei visitatori che cercano i due musicisti, sembra quasi violentare questa quiete aprendo delle ferite mai rimarginate e scombussolando irrimediabilmente degli equilibri raggiunti dai "rumorosi esuli" con una condizione di allegro ascetismo. La ragazza, Hana, bellissima nel suo nero vestire, quasi un angelo decaduto, penso sia la metafora dell'umanità in difficoltà che chiede aiuto, ma in maniera distratta e svogliata, al contrario del suo ricco zio che pur di curarla ucciderebbe, nel vero senso della parola.

Purtroppo non ci siamo sul fronte della sceneggiatura, incerta, slegata, inconcludente, cerca goffamente di stabilire inaspettati legami con situazioni narrative parallele senza però riuscirci, e il risultato è un pasticcio noioso e assai lungo da sopportare. La fotografia, belli i paesaggi e le scenografie, ma Aoyama va malissimo quando vuole sperimentare sfocature, filtri bluastri etc. E la musica, che pasticcio informe e puzzolente. Quando ero più piccolo imparai a suonare la chitarra. Poi comprai la chitarra elettrica. Ricordo che nessuno sopportava quando stirmpellavo facendo un rumore atroce col distorsore inserito, e in effetti era sgradevole: lo chiamano "noise", questo, "rumore", per me fa semplicemente schifo.

Nonostante la presenza di attori di calibro, sconsiglio altamente questo film. E alzandomi in piedi cito il buon Fantozzi che alla fine dell'ennesima visione della "Corazzata Potëmkin" dice soddisfatto:

"E' una cagata pazzesca!"

エリ・エリ・レマ・サバクタニ (Eri-Eri-Rema-Sabakutani - Eli Eli, Lema Sabachtani)

Giappone, 2005 - regia di Shinji Aoyama

東京ゾンビ (Tokyo Zombie)

2009-02-01T22:58:00.006+01:00

L'avevo tradotto tempo fa, ma non avevo mai scritto nulla a riguardo...

A Tokyo, parlando di nettezza urbana, le cose sono diciamo "sfuggite di mano" alle autorità, e gli abitanti hanno accumulato la loro immondizia, e non solo immondizia ma automobili da rottamare, elettrodomestici, corpi di persone ammazzate e non, parti di corpi di persone ammazzate, in una specie di montagna, così alta da avere la neve perenne nella sua cima, e da essere chiamata "Black Fuji", il Fuji Nero. La quantità di anime malvage seppellite nella montagna generano una specie di reazione di non so quale genere, che fa rianimare i cadaveri come Zombie. Fujio e Mitsuo, dipendenti di una fabbrica di estintori, si esercitano nelle tecniche del Jujitsu, anzichè lavorare. come al solito. Il loro datore di lavoro li scopre e li sottopone ad una punizione umiliante: Fujio lo ammazza con un colpo d'estintore in testa. I due sepelliscono il cadavere nel Black Fuji. Il padrone della fabbrica, Fujimoto, ritorna in veste di Zombie: Fujjio, da buon idiota quale è, non si accorge di nulla, mentre Mitsuo, lo sveglio, lo mette alla prova facendogli affrontare lo zombie col Jujitsu. Lo zombie nonostante la sua lentezza sembra avere la meglio, e Mitsuo lo annienta con un altro colpo di estintore in testa. L'arrivo di una folla di Zombie li costringe a fuggire, in un viaggio che li porterà verso uno strano destino, in un crescendo di eventi bizzarri.

E cosa ci si può aspettare dal pazzo che ha sceneggiato alcune perle di 三池崇史(Miike Takashi) come 殺し屋1(Koroshiya Ichi - Ichi The Killer) e 極道恐怖大劇場牛頭Gozu (Gokudō kyōfu dai-gekijō: Gozu - Gozu)? Un film altrettanto folle. 佐藤佐吉(Sakichi Satō) qui in veste di regista oltrechè sceneggiatore, adatta per il grande schermo il manga di 花くまゆうさく(Hanakuma Yūsaku) e prende "in prestito" dai suoi precedenti lavori il grande 浅野忠信(Asano Tadanobu) già carnefice sadomaso di Ichi The Killer e il prolifico 哀川翔(Aikawa Shō) protagonista di Gozu e indimenticabile interprete di mille personaggi grotteschi nei film di Miike. Ne esce uno zombie movie che cerca in maniera assai maldestra di essere comico, ma alla maniera giapponese, quindi non è tanto comico, cioè a volte fa ridere, ma è un tipo di comicità poco adatto ad un pubblico occidentale. Ricordo una volta di aver visto il fantasmagorico 茶の味(Cha No Aji - Il Sapore Del The), di 石井克人(Ishii Katsuhito) con degli amici giapponesi: un film di una genialità incommensurabile grazie alla sua sottile comicità. Beh durante la visione di quel film, quando io e mio fratello ridevamo come dei deficienti, i Giapponesi rimanevano zitti e seri, mentre quando loro ridevano, noi ci chiedevamo cosa trovassero di così divertente. Da allora capii la differenza tra comicità giapponese e comicità occidentale. Beh penso che 東京ゾンビ(Tōkyō zonbi - Tokyo Zombie), a suo tempo consigliatomi da un'amica Giapponese come "film estremamente comico", sia un film per far ridere i Giapponesi, punto. Comunque, un buon appassionato di cinema orientale non può non sentirsi appagato dalla presenza di...

...浅野忠信(Asano Tadanobu) che fa l'idiota in versione afro, in coppia con...

...哀川翔(Aikawa Shō) che riesce ad essere serio con quella pelata posticcia e quella tuta con sotto il pigiamone che sembra quello di mio cugino Fabrizio quando era piccolo. Beh almeno chi vedrà il film potrà dire di aver visto uno Zombie movie Giapponese!

Note di traduzione: Ho cercato questo file in lingua inglese per almeno un anno, da quando la mia amica N-chan mi aveva detto che questo film faceva morire dalle risate. Il file era scandaloso, mancavano diverse linee a alcune addirittura non erano assegnate al personaggio giusto. Fortunatamente in questo anno la mia conoscenza del Giapponese è migliorata, non che lo sappia parlare, ma ora riesco a capire il senso di una minima parte delle frasi che sento, quindi ho innnanzitutto eliminato il maggior numero di parolacce possibile, visto che la lingua Giapponese non ne contempla proprio, e ne ho lasciato qualcuna proprio nei punti dove proprio ci voleva (in effetti, è una tentazione troppo grande lo sbizarrirsi nel ricercare le più svariate e volgari variazioni sul tema nella traduzione di ばか(Baka - Stupido), una delle poche parole volgari giapponesi): ho poi modificato il senso di alcuni discorsi che nella traduzione in inglese comunque era sbagliato.

Qui trovate i sottotitoli da me tradotti in Italiano per la versione YUiZ

東京ゾンビ (Tōkyō zonbi - Tokyo Zombie)

Giappone, 2005 - regia di 佐藤佐吉(Satō Sakichi)

僕の彼女はサイボーグ (La mia ragazza è un cyborg)

2009-01-28T01:43:00.003+01:00

Tra le nuvole, sopra la Siberia o giù di lì, il mio amico gigante di alluminio sfrecciava in un cielo limpido d'agosto, solo il dannato rumore dei suoi motori, il chiacchiericcio delle ragazzine giapponesi in divisa scolastica sedute nella fila dietro la mia e il modulo di sbarco da compilare a ricordarmi di essere su un volo di linea della JAL diretto in Giappone. Sarà l'alta quota, o i sensi rallentati dalla noia di 12 ore di volo, insomma sembrava che il PTV di fronte a me stesse trasmettendo un bel film! Si trattava di 僕の彼女はサイボーグ(Boku No Kanojo Wa Saiboogu - La mia ragazza è un cyborg). L'ho rivisto coi piedi per terra, e lontano dal Giappone, e la sensazione è stata diversa.

Jiro Kitamura è un ragazzo abbastanza solo. Talmente solo che, ad ogni compleanno, si compra un regalo, poi si offre una cena in un ristorante chic, si dà il regalo, si fa gli auguri e gioisce per la bellezza del suo nuovo regalo. E la scena è la stessa anche questa volta: una bella action figure di un personaggio di Evangelion. Nella strada per il ristorante, però, una bella ragazza comincia a seguirlo, lo riempie di sguardi ammiccanti ed allegri tanto da spaventarlo un pò: al ristorante riappare, mangia assieme a lui e poi sparisce, alla fine della cena. Jiro passa l'intero anno pensando a questa ragazza, e aspetta con ansia che arrivi di nuovo il giorno del suo compleanno per sperare di rivederla. Il giorno arriva, Jiro scarta il suo auto-regalo e come per incanto appare di nuovo la ragazza. il tempo di cantare gli auguri e un pazzo ciccione all'interno del locale estrae un kalashnikov e comincia a sparare all'impazzata. La ragazza lo annienta in poche mosse. I due vanno a casa di lui, che lei dimostra di conoscere benissimo, e lì dai suoi occhi parte un raggio che proietta un ologramma. E' un messaggio da parte di un signore paralizzato su una sedia a rotelle, è Jiro, nel futuro, che gli dice come stanno le cose: ha creato una ragazza cyborg, l'ha mandata nel passato per salvarlo dalla sparatoria del ristorante che lo avrebbe reso invalido e paralitico. Gli annuncia che in sua compagnia il cyborg imparerà a comportarsi come un essere umano, e lo proteggerà da un'altra catastrofe in arrivo. Jiro ha ora una compagna, anche se strana: è possibile innamorarsi di un cyborg?

Una storia di media importanza, potrebbe essere divertente anche se non indimenticabile: la recitazione è nella media, senza picchi di eccellenza. Il cyborg è interpretato da Haruka Ayase: esperienza cinematografica scarsa, escludendo il debutto nel segmento "Justice" diretto da Isao Yukisada nel lungometraggio corale intitolato Jan Films, la carriera della Ayase è fatta di televisione... e l'ultima sua fatica è un film che s'intitola おっぱいバレー(Oppai baree), titolo letteralmente tradotto come "Il volleyball delle tette" (qui il trailer), dove interpreta una professoressa che per motivare i suoi alunni alla vittoria di un torneo di pallavolo, promette loro di mostrargli il seno. Beh, qualità e sceneggiature di alto livello, e che siano vere o no, la Ayase ha le tette di una grandezza al di sopra della media! Ritornando al nostro film cyborg-amoroso, non ritengo sia facile gestire una storia che include viaggi nel tempo, è facile perdere il filo del discorso e fare dei pasticci, come ha fatto il regista coreano Jae-young Kwak, scelto non si sa perchè per una produzione giapponese abbastanza importante: sarà che i giapponesi vanno pazzo per i dorama coreani, ho in mente l'immagine della mia ragazza giapponese con la mamma che si ammazzano di lacrime guardando suddetti dorama, ma allora non sarebbe stato meglio proporre Cyborg Girl in forma di dorama e non di film? La storia è un intreccio talmente banale che potrebbe essere stato scritto da un bambino, e il finale è talmente forzato da deludere anche il più ben disposto spettatore.

E poi continuo a chiedermi: cosa c'è di Coreano in questo film? Forse l'ho scoperto, ma la rivelazione potrebbe essere spoiler!

僕の彼女はサイボーグ(Boku No Kanojo Wa Saiboogu - La mia ragazza è un cyborg)

Giappone, 2008 - regia di Jae-young Kwak

蟲師 (Mushishi - Bugmaster)

2009-01-22T23:06:00.003+01:00

Un giorno ero ospite a casa di amici Giapponesi: uno di loro aveva un DVD di non ricordo quale film (giapponese), e tra gli speciali c'erano i trailer di alcuni film in distribuzione da parte della stessa casa (un pò come fa la Disney nei suoi DVD). Contentissimo ho cominciato a gustarmi i trailer, e tra diverse cose interessanti ne ho visto uno che cominciava dicendo "dal regista di Akira": poi seguivano una serie di immagini tremendamente belle, penso fosse lo stesso trailer che gira in rete. Si insomma, un trailer con le contropalle, e poi alla fine dello stesso due kanji impossibili, 蟲師, che il mio amico si è affrettato a pronunciare come "Mushishi". Ho pensato: "è una bomba, e poi c'è di mezzo Ōtomo, è una garanzia"...

Parlare di trama è difficile, ma ci provo: Un bambino rimane orfano della madre a causa di una frana sul sentiero nel quale camminavano, una donna dai capelli color argento lo soccorre e si prende cura di lui. Un uomo dai capelli color argento si rifugia in un villaggio di montagna durante una tormenta di neve: il suo nome è Ginko, è un Bugmaster, cioè una specie di scienziato/medico che studia i Mushi e cura le patologie che essi causano agli esseri umani: Si perchè al mondo esistono delle entità chiamate Mushi, possono essere di varie forme, per lo più immateriali come fossero spiriti. La padrona della casa in cui Ginko si rifugia chiede i suoi servigi per curare alcuni suoi compaesani che hanno uno strano disturbo alle orecchie. A missione compiuta Ginko torna a casa sua, dove riceve un messaggio dall'assistente di Tanyuu, una giovane bugmaster, che si trova in serie difficoltà. Troverà nella sua strada un compagno di viaggio, che vaga alla ricerca di un arcobaleno sperpente. Qual'è la connessione tra Ginko, la signora dai capelli d'argento (che è anche lei una bugmaster) e il bambino orfano di nome Yoki?

Il film "Bugmaster" è un Live Action Movie, cioè non è un film che cammina sulle sue gambe, ma un lungometraggio che cerca di seguire fedelmente alcuni discorsi intrapresi dal manga dal quale è ispirato, scritto da Yuki Urushibara e intitolato 蟲師(Mushishi). L'adattamento cinematografico è stato curato a quattro mani dallo stesso Urushibara e da Sadayuki Murai, che collaborò con Ōtomo al progetto "Steamboy", sempre come sceneggiatore. Il film copre gli eventi narrati nei volumetti 2; 7; 9 e 15 del manga.

Dal punto di vista sonoro e visivo, Bugmaster è un prodotto di immensa qualità: gli effetti visivi in computer grafica, principamente riguardanti i Mushi e ciò che provocano, sono assolutamente discreti, come piccole opere di precisione quasi svizzera inserite alla perfezione nel contesto. L'ambiente naturale Giapponese è maestoso, quelle montagne ripide e farcite di vegetazione rigogliosa, accarezzate da languide nuvole d'umidità che si vedono all'inizio ti fanno esclamare "cavoli", che bello!

Ma...c'è un "ma", anzi ce ne sono parecchi: non si può fare un film con un collage di cartoline, nè con location da urlo come il villaggio di Gokayama (patrimonio UNESCO dell'umanità), nè mettendo in bocca agli attori un linguaggio "epicheggiante", nè formando un cast stellare che vede attori di calibro come Odajiri Jo e Aoi Yu. Ci vuole una storia valida, con un inizio ed una fine. Per questo critico aspramente la scelta di fare un live action movie e presentarlo al mondo come "Opera cinematografica", con il sottotitolo "dal creatore di Akira": quando nella presentazione dei film c'è il richiamo a grandi successi, è evidente che c'è qualche mancanza da colmare. Sono pure andati a presentarlo a Venezia nel 2006, Otomo con a seguito Odajiri Jo, Aoi Yu e Omori Nao. Se nelle battute iniziali la storia è bella ed intrigante, con il parallelismo tra la storia di Ginko e quella del bambino, e il mistero di questi esseri chiamati Mushi, la tensione cala vertiginosamente quando il film si trasforma in una specie di "Doctor House" del medioevo fantasy, con la narrazione di micro casi "medici" quasi auto conclusivi che il buon protagonista cerca di risolvere. Sono d'accordo sul fatto che ciò serva ad introdurre il personaggio ed i Mushi, ma allora bisognerebbe radicalmente rivedere tutta la storia e creare una sceneggiatura autoconclusiva, si insomma ci vorrebbero delle idee nuove, non uno spezzatino. La componente action, enfatizzata benissimo nei trailer, con quei ritmi da pellicola d'azione in stile americano, non esiste proprio: i ritmi sono morti, sfasati, il film è lunghissimo con le sue 2 ore e 11 minuti, vi sono spezzoni di storia che rimangono improvvisamente tronchi e situazioni stagnanti. I dialoghi, in stile epico e anticheggiante, non sono pienamente credibili.

In conclusione: può bastare il nome "Katsuhiro Ōtomo" per far bello un film? La risposta è "no". Possono bastare attori di qualità eccelsa a fare un film interessante? A meno di non essere fan sfegatati degli attori stessi, la risposta è "no". Penso che un film senza una storia si autodistrugga nel momento stesso in cui viene proiettato. E' un vero peccato perchè le potenzialità tecniche ed artistiche ci sono, la storia ha delle potenzialità enormi, il cast è incredibile, il reparto effetti visivi è all'avanguardia, la colonna sonora è buona...manca solo una cavolo di sceneggiatura!

Un'occasione sprecata, e un nome, quello di Ōtomo, dannosamente (per lui) inflazionato dal marketing del film.

[Note di traduzione] La mia quinta traduzione per Asianworld. Il file originale era sincronizzato su versioni di qualità scadentissima, ho adattato il tutto alla versione CHuMo che mi sembra la migliore in circolazione; interi spezzoni erano assenti, così con Shiho-chan abbiamo tradotto dal giapponese e inserito le linee mancanti: in alcuni punti alcune linee potrebbero sembrare fuori contesto, ma purtroppo i dialoghi sono scritti in un giapponese antico, di difficile interpretazione anche per gli stessi Giapponesi.

Qui potete scaricare i sottotitoli.

蟲師 (Mushishi - Bugmaster)

Giappone, 2006 - regia di Katsuhiro Ōtomo

クワイエットルームにようこそ (Benvenuta nella stanza tranquilla)

2009-01-20T16:49:00.008+01:00

Dopo aver finito di tradurre 蟲師(Mushishi - Bugmaster), del quale parlerò a brevissimo, mi sono messo a cercare su IMDB la filmografia di 蒼井優(Aoi Yu): penso che la ragazzina sia una delle migliori attrici viventi in Giappone, per fortuna è rimasta fuori dal giro soft porno e idol (solo qualche fugace apparizione in riviste per ragazzine come la mia omonima "Nicola"), per fortuna c'è stato un certo 岩井俊二(Shunji Iwai) che l'ha presa sotto la sua ala protettiva sin da quando aveva 16 anni e l'ha fatta lavorare solo in progetti di qualità. Dopo una miriade di premi vinti, la brava Yu lavora senza sosta e in nove anni di carriera può già contare 29 film. Tra questi, ne ho trovato uno dal titolo interessante: クワイエットルームにようこそ(Kuwaietto Ruumu Ni Youkoso - Benvenuta nella stanza tranquilla). Sarà un film dell'orrore? Sarà un film strano?

Asuka è una reporter per una rivista di moda: la sua vita è correre, telefonare, correre, telefonare, correre. Asuka apre gli occhi, vede un soffitto, delle luci al neon, e sente dei suoni strani. Lo stordimento che attanaglia la sua testa è tremendo, prova a muoversi ma appena lo fa si rende conto di essere legata, completamente immobilizzata in un letto. Prova a chiamare qualcuno ma nessuno arriva, vede solo una ragazza scheletrica che da dietro una porta d'acciaio le bisbiglia qualcosa. Poi arriva un'infermiera, la Eguchi, che la informa di essere ricoverata nell'ospedale psichiatrico Joseikai, reparto di massima sicurezza. Con la piccola grande conquista di potersi per lo meno sedere sul letto, ed incontrare il suo bizzarro fidanzato, Tetsuo (autore di programmi demenziali per la TV Giapponese e famoso per sottoporre le sue natiche ai più tremendi supplizi davanti alle telecamere tanto da essere riconosciuto più dalle natiche che dal viso), Asuka comincia un percorso che la porterà a capire in che modo sia finita su quel letto.

Ritorniamo ad 蒼井優(Aoi Yu) solo per un momento, solo per dire che lei non è la protagonista, ma interpreta una ragazza di nome Miki afflitta da problemi alimentari e sfoggia una costituzione ai limiti dell'anoressia. La protagonista, Asuka, è interpretata dalla bravissima 内田有紀(Uchida Yuki). Questo film è particolare per alcuni aspetti:

- Se avete visto il divertentissimo イン・ザ・プール(In Za Puuru - Nella Piscina), di Miki Satoshi, non potete non ricordare l'attore che interpretava il divertentissimo psichiatra pazzo con la camicia leopardata: beh, l'attore che lo interpretava, 松尾スズキ(Matsuo Suzuki) (che non ha tutte le rotelle al loro posto), è il regista di questo film.

- Questo è uno dei pochi film dove potrete vedere dei mostri sacri del cinema Giapponese come 庵野秀明(Anno Hideaki) (Neon Genesis Evangelion, Ritual, Cutie Honey, Love & Pop) e 塚本晋也(Tsukamoto Shinya) (A Snake Of June, Bullet Ballet, etc.) recitare in dei fantastici cameo.

- Pur essendo un film drammatico, non potrete fare a meno di ridere a crepapelle in alcuni momenti, e comunque di affrontarne la visione con "cuor leggero".

クワイエットルームにようこそ(Kuwaietto Ruumu Ni Youkoso - Benvenuta nella stanza tranquilla) non è una storia di pena e punizione, ma di redenzione. Dalle prime battute, i guardiani della povera Asuka possono sembrare aguzzini: si scoprono invece essere angeli salvatori. Penso che non sia assolutamente facile parlare di depressione. Tanto discussa, inflazionata, sminuita, la depressione è una vera malattia, e per riuscire ad entrarci in questo modo il buon Suzuki Matsuo ci dev'essere passato. E' come se il mondo attorno a te esplodesse: la prima cosa da fare è ricreare un microcosmo di realtà attorno a sè, e allora l'ospedale psichiatrico diventa da prigione un comodo e sicuro rifugio, gli angoli si smussano, gli ingranaggi si oliano, e si ha sotto i piedi un buon terreno morbido di soffice erba verde sul quale camminare e guardarsi intorno. E se ci si guarda intorno con calma si vedono cose che prima non si vedevano. Non c'è più bisogno del cellulare, non si deve più rispettare una deadline, ma ci si può commuovere per un piccolo insignificante avvenimento, per esempio, o tentare di rimettere a posto i pezzi di una vita muovendo le tessere di un puzzle. E la vera sfida, attende all'esterno, all'uscita, quando la cura finisce, il sole illumina di nuovo la pelle, e si ricomincia. E tutto il film sta proprio qui, in un finale che lascia aperto un dilemma, un dilemma atroce.

Una storia scritta estremamente bene, ambientata in un set chiuso (un paio di stanze in tutto), recitata da attori di prim'ordine, come l'incredibile Yuki Uchida, che solo a guardarla legata in quel letto, sporca di lavanda gastrica chiamare "qualcuno" con quella voce giapponesemente cortese ma educatamente disperata, convince e stupisce. Yu Aoi è impressionante nel ruolo di Miki; Ryou interpreta egregiamente l'infermera Eguchi nella sua freddezza "robotica", poi non posso dire che sorte spetta ai cameo interpretati da Shinya Tsukamoto e da Hideaki Anno, ma c'è da ridere, e tanto pure!

Che bel film, davvero, un film ottimista, ma pessimista; un film drammatico ma estremamente divertente, un film leggero ma incredibilmente profondo. Non vedevo un film giapponese così bello da molto tempo. Sarà la mia prossima traduzione.

クワイエットルームにようこそ(Kuwaietto Ruumu Ni Youkoso - Benvenuta nella stanza tranquilla)

Giappone, 2007 - regia di 松尾スズキ(Matsuo Suzuki)

亀は意外と速く泳ぐ (Le tartarughe nuotano più velocemente di quanto si pensi)

2009-01-18T00:42:00.006+01:00

A parte la pessima esperienza della visione notturna di 図鑑に載ってない虫(Zukan ni nottenai mushi - Deathfix, Live And Let Die) al Far East Film Festival del 2008 (che vede un quasi suicidio artistico della talentuosa Rinko Kikuchi che dopo la candidatura all'Oscar si è buttata in una follia del genere), il regista 三木聡(Miki Satoshi) ha finora creato film estremamente folli e divertenti, e perle di bellezza come il recente 転々(Ten-ten - Adrift In Tokyo). Penso che il film in questione, 亀は意外と速く泳ぐ(Kame wa igai to hayaku oyogu - Le tartarughe nuotano più velocemente di quanto si pensi) si possa annoverare assieme a イン・ザ・プール(In Za Puuru - Nella Piscina) tra uno dei suoi esercizi di comicità surreale meglio riusciti.

上野樹里(Ueno Yuri) è Suzume Katakura, una giovane ragazza che vive la sua vita di moglie e casalinga con la sola compagnia di una tartaruga acquatica: il marito di Suzune infatti lavora all'estero. Nulla d'interessante succede mai nella sua vita, e tutto succede invece agli occhi di uno spettatore incredulo: Suzune è circondata da personaggi incredibilmente bizzarri, come l'idraulico che quasi la costringe ad andare nel suo negozio per vedere un calamaro fritto ripieno di riso che tiene in formalina dopo averlo trovato incastrato in una tubatura (...). Suzune ha un'amica ancora più bizzarra, Kujaku Ogitani, stessa età, assieme sin dalla nascita ma dai caratteri diametralmente opposti. Sembra rassegnarsi alla piattezza della sua bizzarra vita quando, sotto una valanga di mele (...) vede, attaccato ad un palo, un microscopico manifesto pubblicitario di un'agenzia di spie. Il manifesto sarà grande 5 millimetri, Suzune contatta la suddetta agenzia. Il fatto che Suzune l'abbia trovato essendo così piccolo, convince i "titolari" ad assumerla come spia, e come anticipo spese le consegnano 5.000.000 di Yen. La vita di Suzune non sarà più la stessa, è scontato, ma come si evolve questo film, scontato non lo è affatto...vedere per credere!

Cominciamo a dire che mi sono (un pò) ricreduto su Yuri Ueno: la sua recitazione in スウィングガールズ(Swing Girls) è pesante, e anche il suo lavoro nel drama のだめカンタービレ(Nodame Kantaabire) è riportato essere di simile natura, ma qui dimostra innanzitutto di poter reggere bene il ruolo di moglie e casalinga con i suoi 23 anni d'età, le smorfie poi quasi non ci sono ed è gradevolissima pur recitando in dei contesti estremamente bizzarri. Una conferma invece viene da 蒼井優(Aoi Yu), che interpreta l'amica di Suzune, Kujaku Ogitani, e che si conferma estremamente adattabile a QUALSIASI ruolo le venga assegnato nella miriade di film che sta girando. E' interessante l'argomento del vivere una vita monotona e pensare di vivere una vita speciale: le cose diventano incredibilmente più intriganti pur essendo sempre uguali: mi ricorda tanto True Lies, con Arnold Swarzenegger e Jamie Lee Curtis, un film che adoro. Il tema della vita di coppia Giapponese è ormai scontato: secondo me i Giapponesi non dovrebbero proprio sposarsi, tanto conducono una vita da schifo da sposati, ma non a causa di chissà che, ma a causa dei loro stessi comportamenti e della loro mentalità. Il film pur non essendo corto è snello, rallenta e si perde leggermente nei tre quarti della sua durata, ma rimane comunque di buon livello visto il genere e il target di distribuzione da pellicola indipendente. La storia è estremamente originale e non posso che dare atto al mitico Miki Satoshi della sua genialità ed apprezzare la sua comicità: finalmente una comicità Giapponese che fa veramente divertire pur non essendo eccessiva nè forzata (come in Deathfix che NON dovete assolutamente guardare). Questo invece non potete perdervelo!

Ho avuto il privilegio di conoscere di persona quel pazzo di Miki Satoshi al FEFFX (nella foto con me, Weltall e Rosuen)! Formidabile!

亀は意外と速く泳ぐ(Kame wa igai to hayaku oyogu - Le tartarughe nuotano più velocemente di quanto si pensi)

Giappone, 2005 - regia di 三木聡(Miki Satoshi)

ピンポン (Ping-Pong)

2009-01-02T01:11:00.003+01:00

I Giapponesi fanno gli anime fantascientifici sul calcio, i manga fantascientifici sul basket, sul baseball non so, ma adesso so che fanno roba anche sul Ping-Pong!

Peco/Yukata Hoshino è un ragazzo molto dotato nel Ping-Pong, già da piccolo è una "star" e coinvolge il timido Makoto Tsukimoto, talmente timido da non sorridere mai e da essere soprannominato "Smile" (gli scherzi della vita...). Peco è sregolato, impertinente, impulsivo ma estremamente dotato, Smile lo è altrettanto dotato, ma praticamente non gliene può fregare di meno. Si avvicina il torneo interscolastico, e fa la sua comparsa "China", un certo Kong Wenge, che dal tetto della scuola in mezzo al rumore della città percepisce il rumore di una pallina che rimbalza in un campo da ping-pong: "C'è un chopper, contro un attaccante veloce, il chopper sta giocando per perdere, forse per modestia Giapponese...". Diciamo che China ne capisce abbastanza e sembra temibile, e poi c'è la squadra del liceo Kaio, tutti neri, una specie di setta di pelati tipo i cattivi di Karate-kid.

Tratto dall'omonimo manga di Tayo Matsumoto, un manga demenziale (fantastici i colpi-puzzetta), Ping-Pong è un film interessante, quasi la trasposizione cinematografica dei canoni della storia sportiva alla Holly e Benji (che poi in Giappone si chiama Capitan Tsubasa): battaglie all'ultimo sangue come se il Ping-Pong fosse una guerra, scontri psicologici allucinanti, rallenty e bullet-time degni del miglior Matrix, i fantastici comprimari che commentano le partite defilati nella parte più remota della tribuna, e che coi loro commenti introducono aspetti tecnici fondamentali per la narrazione. I "cattivi" sono approfonditi in maniera magistrale, NON ci sono storie d'amore nè ragazze, a parte la ragazza di Sakuma che è un'idiota e le fan di Smile che Peco fa scappare davanti al palazzetto, solo Ping-Pong. Ah e poi c'è il solito percorso di rinascita-dopo-caduta-di-campione con allenamento-estenuante-in-scale-di-tempio, e il solito fantastico Naoto Takenaka a risolvere un film che fa di tutto per decollare ma non estrae i flap (senza i flap non si decolla, vedi il disastro dell'MD-80 a Madrid).

Ma che belli che sono i Giapponesi :)

ピンポン(Pin Pon - Ping-Pong)

Giappone, 2002 - regia di 曽利文彦(Fumihiko Sori)

男たちの大和 (Gli Uomini della Yamato)

2008-12-22T00:45:00.005+01:00

Qualunque nippofilo conosce la corazzata Yamato, e ricorda una nave dal design da urlo che solca lo spazio nell'Anime 宇宙戦艦ヤマト(Uchū Senkan Yamato - Nave da battaglia spaziale Yamato). In realtà quell'Anime s'ispira alla più grande e pesante nave corazzata della storia...

(Picture from Wikipedia) 71.000 tonnellate a pieno carico, lunga 263 metri, una miriade di cannoni ad armare una specie di fortezza galleggiante. La Yamato era l'orgoglio della marina Giapponese. La nave non ebbe molte molte occasioni di mostrare la sua potenza, affondò qualche vascello e una portaerei di scorta Americana: nella battaglia del golfo di Leyte, tra il 25 e il 26 ottobre 1944, la prima prova di combattimento reale la sua sorella gemella 武蔵(Musashi) fu affondata ed essa stessa ricevette dei gravi colpi rimanendo danneggiata. Quando gli americani cominciarono l'invasione di Okinawa, la Yamato fu spedita per la sua ultima missione, nome in codice 天号作戦(Ten-Gō Sakusen - Operazione Ten-Go): fare da argine all'invasione. Durate la battaglia, la nave fu affondata dall'attacco di soli aerei armati di siluri e bombe da picchiata. L'affondamento della Yamato sancì definitivamente l'inutilità in battaglia delle navi corazzate, lente e pesanti nel confronto con l'aviazione imbarcata, vero futuro del combattimento marittimo.

Di certo, chi ha prodotto e scritto il film non si poteva aspettare che gli spettatori Giapponesi non conoscessero già la storia: dunque lo sceneggiatore Jun Henmi e lo stesso regista 佐藤純彌(Satō Junya) hanno optato per una formula a flashback, partendo dal presente, per narrare le vicende degli uomini della Yamato più che le vicende della nave stessa.

Alla fine dell'agosto 2005 Makiko Uchida si reca a Kure, a visitare il museo dedicato alla corazzata Yamato in occasione sel sessantesimo anniversario del suo affondamento (31 Agosto 1945). Dopo la visita si sposta al porto per cercare un capitano che la porti nel luogo dell'affondamento della corazzata, alle coordinate 30°22′0″N, 128°4′0″E: tutti si rifiutano, la traversata è troppo lunga ed il mare è agitato. La donna sembra rassegnarsi quando incontra un vecchio marinaio, Katsumi Kamio, interpretato da 仲代達矢(Nakadai Tatsuya). Il vecchio, dopo un breve dialogo scopre che la donna è la figlia di Mamoru Uchida, uno dei suoi superiori a bordo che credeva morto. Uchida in realtà sopravvisse all'affondamento e una volta tornato in partia adottò 15 bambini orfani dei marinai della Yamato, e tra questi c'era anche Makiko. Il vecchio Kamio accetta di salpare per quel punto sperduto in mezzo al mare. Durante la traversata il vecchio rivive la sua esperienza a bordo della corazzata: imbarcato giovanissimo (15 anni) e assegnato al ruolo di caricatore del cannone sinistro di un sistema antiaereo trinato della nave. La vicenda va a consumarsi con le vicende della nave, e la fine della carriera della corazzata alla quale fu assegnato il giovane Kamio non segnò la fine delle sue sofferenze e di quelle delle persone che gli furono vicino, perchè Kure sta a soli 10km da Hiroshima, e la bomba atomica cadde proprio mentre la corazzata era in navigazione verso il suo destino.

La storia sviluppa alcuni personaggi che ruotarono alla vita del giovane Kamio: in primis il "capo" Uchida, poi gli altri due superiori che con Uchida formavano un trio indissolubile: Shohachi Moriwaki e Masao Karaki. I primi tempi a bordo furono per Kamio un piccolo inferno, il film mostra la vita di un marinaio Giapponese ai tempi della seconda guerra mondiale: intensa attività addestrativa, febbrili attività di pulizia (il ponte si puliva passando lo straccio chinati per terra, come da migliore tradizione Giapponese che non conosce lo "spazzolone"), attività fisica (Judo, Kendo) e libere uscite. Lo sviluppo della storia poi è la solita falsariga del film storico-catastrofico: introdurre una miriade di personaggi, farli affezionare agli spettatori e poi farli morire (quasi) tutti.

Poi il sangue, i corpi smembrati e gli atti eroici in combattimento sono roba trita e ritrita, ma ci sono degli aspetti estremamente interessanti in questo film: innanzitutto noi occidentali possiamo facilmente isolare da questa storia l'estrema testardaggine dei militari Giapponesi, derivante non solo dall'addestramento e dal lavaggio mentale che subiscono sin da bambini (ancor di più in periodo di guerra e di imperialismo puro). Fanno sorridere le risse tra militari che litigano per chi vuole morire di più, e fa pensare quel superiore che li placa dicendo "nel nostro paese c'è bisogno di gente che vuole vivere, non che vuole morire, perchè la ricostruzione avvenga". Fanno letteralmente incazzare gli addii senza un bacio o una carezza, solo sguardi frettolosi seguiti da promesse come "ti aspetterò", fanno incazzare le dichiarazioni d'amore pronunciate mentre chi le pronuncia fugge per la vergogna, e fa incazzare il falso valore dell'uccidersi per la patria: la Yamato compì un vero e proprio atto di suicidio contro forze matematicamente più forti operato da 2778 Kamikaze che bevvero il Sakè prima di salpare, 2778 forzati del valore e farciti di ideali dei quali solo 280 sopravvissero.

Mi fa sempre rabbia vedere la guerra, vedere vite sprecate nella violenza. Penso sia un sentimento condiviso da chi ha scritto questo film, che ha inserito dei chiari messaggi di pace nel rispecchiare tutta la fallimentare gestione dell'impero Giapponese nell'affondamento della Yamato, a monito degli imbecilli che ancora in Giappone continuano a sventolare le bandiere con il crisantemo a sedici petali.

Mai più la guerra. E onore ai ragazzi della Yamato.

男たちの大和(Otoko-tachi no Yamato - Gli Uomini Della Yamato)

Giappone, 2005 - regia di 佐藤純彌(Satō Junya)

鮫肌男と桃尻女(L'uomo con la pelle di squalo e la donna col culetto di pesca)

2008-12-20T02:29:00.004+01:00

Anche se un pò volgare, il kanji 尻(shiri) non poteva essere tradotto che con la parola, "culetto", ci stava troppo bene, anche perchè si riferisce ad una ragazza davvero adorabile! Dopo aver letteralmente amato il formidabile 茶の味(Cha no Aji - Il Sapore Del The), ci siamo buttati senza remore nella visione dell'opera prima del non prolifico 石井克人(Katsuhito Ishii). Un titolo particolare, 鮫肌男と桃尻女(Samehada Otoko to Momojiri Onna - L'Uomo Con La Pelle Di Squalo e La Donna Col Culetto Di Pesca, ma che potrebbe essere tradotto meno maliziosamente come "Il Samehada e la Momojiri", visto che queste due parole dalle divertenti etimologie sono effettivamente i cognomi dei due personaggi Kurou Samehada e Toshiko Momojiri), e un GRANDE attore protagonista come 浅野忠信(Asano Tadanobu) erano garanzie più che solide!

In uno scenario montano abbastanza surreale (non penso di essere blasfemo nel dire che personalmente ho intuito dei richiami alla sequenza iniziale di Shining, di Stanley Kubrik), s'intrecciano le vite della sfortunata Toshiko, interpretata da 小日向しえ(Kohinata Shie), impiegata per l'appunto in un albergo di montagna, e dell'aitante yakuza Samehada (Asano). Toshiko vede i suoi risparmi letteralmente prosciugati dallo zio, padrone dell'albergo e suo depravato aguzzino. Stanca della sua vita insostenibile decide di rubare i soldi dell'albergo e di scappare durante una delle sue quotidiane missioni all'ufficio postale. Samehada, con un colpo di follia ruba i soldi del racket della Yakuza e fugge con un branco di variegati assassini alle calcagna. Fortuitamente Toshiko sperona con il suo fuoristrada la macchina degli inseguitori di Samehada, mettendoli fuori gioco e da quel momento comincia una fuga a due di certo non priva di colpi di scena.

Diciamolo subito: questo non è un film scontato. Tratto dal manga di Minetaro Mochizuki, adattato per il grande schermo dallo stesso regista, è un film che regala delle perle comiche indimenticabili, tradizione seguita dal più recente 茶の味(Cha no Aji - Il Sapore Del The). Personaggio chiave per surrealità è sicuramente il killer Yamada, interpretato dal bravissimo 我修院達也(Gashuin Tetsuya)(a proposito, ma se le pittura, le sopracciglia, o sono le sue??). Da menzionare anche i killer della yakuza, ognuno dotato di una particolare specialità (coltelli, forza bruta, olfatto sviluppatissimo etc.), ma nel complesso una massa di deficienti buoni a nulla, e pure sviluppati dalla sceneggiatura in una maniera inusuale visto che parliamo "quasi comparse". Una storia non estremamente complessa, che mi ha trasmesso una sensazione particolarissima visto il genere: "serenità". Il faccione da culo di Tadanobu Asano è fantastico e mette allegria, lo stesso personaggio interpretato da Asano è un non vuolento, come il suo ex compare e ora nemico Sawada, interpretato dall'onnipresente 寺島進(Terashima Suzumi), affezionato di Kitano (li ha fatti quasi tutti), Miike, lo stesso Ishii (Era lo spirito yakuza con la cacca in testa in 茶の味(Cha no Aji - Il Sapore Del The), Tsukamoto e chi più ne ha più ne metta. Non ai livelli di 茶の味(Cha no Aji - Il Sapore Del The), ma gradevole e piacevole, e poi che bella Shie Kohinata con quegli occhialoni e il faccino imbronciato!

鮫肌男と桃尻女(Samehada Otoko to Momojiri Onna - L'Uomo Con La Pelle Di Squalo e La Donna Col Culetto Di Pesca)

Giappone, 1998 - regia di Katsuhito Ishii

Go

2008-11-13T23:03:00.004+01:00

Che senso ha un nome?

Quella che noi chiamiamo "rosa",

con qualsiasi altro nome

avrebbe lo stesso profumo.

W.Shakespeare

Dedicato a tutti coloro che pensano che il Giappone sia il paese dei balocchi.

Sugihara è un ragazzo coi capelli strambi, porta la divisa della squadra di basket della scuola, sta nel mezzo di un campo da basket di quelli belli in parquet come tutti i campi da basket delle scuole Giapponesi, e perso nei suoi pensieri rimane immobile mentre i suoi compagni e gli avversari giocano la loro partita infischiandosene completamente di lui, pure evitandolo e schivandolo nel portare a termine un'azione. Sugihara sa benissimo perchè fanno così: lui è un 在日(Zainichi), cioè un ragazzo nato e cresciuto in Giappone da genitori immigrati Coreani. Per i Giapponesi i Coreani hanno il sangue sporco. Durante un'azione la palla finisce accidentalmente nelle sue mani, i compagni di squadra si avvicinano e lo picchiano malamente per riprendere la palla. Lui la riprende, va dall'altra parte del campo e tira al canestro opposto, segnando una bomba clamorosa, e dopo impazzisce e comincia a dare calci volanti a chiunque gli stia intorno.

Un bel passo indietro e la narrazione torna a tre anni prima, quando Sugihara, vero nome "Lee", frequentava una scuola Nord Coreana e faceva il teppista con i compagni sfidando a muso duro la polizia Giapponese. Una bravata andata male lo mette a confronto col padre proprio nella stazione di polizia: il padre, ex pugile di alto livello, lo ammazza di botte tanto che persino i poliziotti si impietosiscono e lo supplicano di smettere. Questo è il padre di Sugihara. Un'educazione rigida al rispetto delle regole che apre nel ragazzo una breccia, che lo porterà a lasciare la scuola Nord Coreana per frequentare un liceo Giapponese: perchè questo, come ripete tante volte la sua stessa voce fuori campo all'inizio del film, è il racconto della sua storia d'amore, con la bellissima Sakurai.

Tema dolente e difficile per 行定勲(Isao Yukisada), il bravo regista che si è formato presso la scuola di cinema della Toho a Tokyo, ha fatto esperienza come aiuto regista di Shunji Iwai in alcuni dei suoi film (Love Letter, April Story e Swallowtail Butterfly) e nel 2004 ha sfondato dirigendo uno dei più grandi successi cinematografici della storia cinematografica Giapponese, 世界の中心で、愛をさけぶ(Gridare Amore Dal Centro Del Mondo). Ci vuole del coraggio a parlare di razzismo in Giappone. Una fetta di questo razzismo è rivolta verso i Coreani. In Giappone nonostante tu nasca in territorio giapponese, se i tuoi genitori sono Coreani tu non sei un Giapponese, ma sei un "residente speciale", un 在日(Zainichi). Gli Zainichi vivono una vita quasi in incognito, prendono un nome Giapponese e cercano di vivere una vita normale sperando che questa cosa non si sappia in giro. Shiho, la mia ragazza, lavora in un'agenzia di viaggi: lì spesso arrivano degli Zainichi che sono costretti per motivi d'immigrazione a fornire il loro vero nome, e lo staff dell'agenzia deve stare estremamente attento a fare in modo che questo nome non si divulghi, anche solo cercando di non chiamarli con quel nome in agenzia di fronte ad altri clienti. Gli Zainichi difficilmente trovano lavoro, le ragazze giapponesi sono schifate da loro per via del fatto che chiunque, dai genitori alla scuola, insegnano loro che i Coreani, come i Cinesi, sono diversi e hanno il sangue sporco. L'argomento è abbastanza vasto e lo tratterò in futuro su nicolaingiappone, è importante però dire che pur essendo la situazione ancora estremamente grave, le cose stanno lentamente cambiando.

La regia di Yukisada è sorprendentemente diversa da quella "piatta" di Sekachu, alcuni passaggi sono veramente geniali. C'è poi la superstar Kou Shibasaki che non può che mettere d'accordo tutti quanti. Il finale è uno spiraglio di luce al quale tutti noi (occidentali e nippofili) aspiriamo, nonostante purtroppo rimanga l'amaro in bocca del continuare a scoprire lati oscuri di un Giappone pieno di paradossali schifezze sociali.

Giappone/Corea, 2001 - regia di Isao Yukisada

秒速５センチメートル (Cinque Centimetri Al Secondo)

2008-10-29T01:14:00.011+01:00

Ho scoperto questo film d'animazione qualche giorno fa' mentre spulciavo l'archivio di Asianworld. Le premesse erano beneauguranti, grande risposta di pubblico, e screenshot da urlo. 秒速５センチメートル(Byōsoku Go Senchimētoru - 5 Centimetri Al Secondo) è un lungometraggio animato in tre piccole puntate: le prime due della durata di circa 25 minuti e la terza di 14. I titoli delle puntate sono: 桜花抄(Ōkashō); コスモナウト(Kosumonauto) e 秒速５センチメートル(Byōsoku Go Senchimētoru).

遠野貴樹(Tōno Takaki) è un bambino come tanti, alle elementari si affeziona ad una sua compagna di classe che si chiama 篠原明里(Shinohara Akari). La loro amicizia li rende oggetto di facile scherno da parte dei compagni. La fine delle elementari segna per loro una separazione: la famiglia di Akari infatti si trasferisce a Tochigi, mentre Takaki rimane a Tokyo. E' l'inizio di un rapporto epistolare molto intenso, e di un doloroso rincorrersi non solo fisico ma soprattutto mentale che non avrà mai fine.

L'aspetto materialmente grafico ed estetico di questa opera è assolutamente stravolgente: una realismo estenuante e puntiglioso che a mio parere si fa interpretare come una sfavillante reinterpretazione della realtà. Dovrei cercare di recuperare i precedenti lavori di questo regista, 新海誠(Shinkai Makoto) per cercare di capire dal suo percorso artistico le sue vere intenzioni. La narrazione attraverso le immagini sfavillanti che corrono nello schermo è un'organolettica esperienza che attraverso lo spazio, il tempo inteso proprio come passare dei minuti e delle ore, e le sensazioni più semplici ma vicine a noi come il freddo e il caldo, vogliono far vivere un'esperienza allo spettatore. addirittura i personaggi diventano quasi delle grezze figure che si muovono, inquadrate quasi con sommessa riservatezza o chissà cosa all'interno di un succedersi si paesaggi e panorami, ma anche close-up di oggetti del vivere quotidiano. Vista la mia poca conoscenza di Shinkai, azzardare una qualsiasi ipotesi sugli intenti di questo strano modo di vedere le cose sarebbe azzardato, ma per come la vedo io al momento, il film è una storia d'amore toccante, delicata, giapponesissima, raccontata in maniera ridondante e con estrema freddezza. Ho proprio avuto l'impressione che Shinkai volesse dire "ecco, guardate come sono bravo a fare la porta del treno", oppure "quando mai avete visto i cartelli della stazione di Shinjuku fatti così bene?"...

Si perchè il realismo è estremo, guardate i riflessi sul pavimento tirato a lucido: le scuole Giapponesi hanno proprio il pavimento tirato a lucido....

Il cestello della bicicletta ha le sue belle viti, e quelle bottiglie vuote hanno un'etichetta talmente realistica che potrebbe sembrare una foto ritoccata...

E quest'aula vuota, i banchi realisticamente disegnati in posizione imperfetta, il riflesso sul legno lucido delle sedie...

Questa strada, ne puoi vedere migliaia uguali a Tokyo, ma il riflesso dei cavi elettrici sull'asfalto e le tonalità di colore, che roba ragazzi...

Ma a che pro? Narrare una storia d'amore intermezzando centinaia di inquadrature come queste...mi ricorda il gruppo rock dei Dream Theater, sono dei fenomeni con gli strumenti, ma se la tirano troppo con il virtuosismo fino a diventare eccessivi come una torta con sopra due chili di zucchero. La chiave d'interpretazione potrebbe essere il dare al giapponese che vede il film le sensazioni che ben conosce dal suo passato, e tramite queste immagini di familiare rimembranza farlo immergere in un'atmosfera tale da generare un buon terreno di coltura per lo sviluppo di quel bel sentimento di tristezza misto a commozione che tutti i film 純愛(Jun-ai – vero amore) vogliono comunicare. La mia esperienza giapponese mi ha permesso di apprezzare questa familiare rimembranza: è bello vedere il treno della Chuo line, gli enormi corridoi della stazione di Shinjuku che più di una volta ho percorso, e il grattacielo della DOCOMO visto dal soprapassaggio sopra il ponte di Harajuku, le luci abbaglianti di un Konbini con i frigoriferi delle bevande posizionati sempre nella stessa posizione, lì in fondo nel muro opposto all'entrata. Ma per chi non conosce il Giappone, dopo i primi venti minuti sopraggiunge la noia, è inutile negarlo. Tralasciando la parte grafica, vera colonna portante del lavoro, la trama e la sceneggiatura sono approssimative, con volontarie pause e tagli in punti strategici che non fanno altro che troncare, forse volutamente, qualcosa di importante.

Penso sia estremamente educativo per chiunque voglia conoscere come ragionano 'sti Giapponesi: questo film è l'enunciazione di un concetto che da tempo sto cercando di sviluppare ed ancora adesso mi viene difficile descrivere: sono solito definirla "virtualità". I Giapponesi hanno questa innata capacità di creare nella loro mente un microcosmo che gli permette di alienarsi dalla realtà e di perseverare in ciò in cui credono: questo può essere un sentimento d'amore, l'ammirazione per un personaggio famoso, la passione per un hobby, il lavoro o la famiglia. Per quanto riguarda i sentimenti amorosi, l'alienazione dalla realtà è talmente forte che anche a distanza dalla persona amata, anche se non corrisposti, uomini e donne coltivano dentro il loro cuore un amore talmente sconfinato da essere distruttivo. Ma quando i nodi arrivano al pettine, quando si passano cinque anni di scuola superiore a guardare una ragazza o un ragazzo e scrivere a questa persona lettere d'amore, e ci si deve dichiarare (perchè è ora di andare all'università), stanno zitti. Perchè fanno così? Un sentimento covato troppo a lungo diventa polvere di stelle che vaga isterica per l'universo, la mitizzazione e l'adorazione portano all'alienazione e il contatto con la realtà è distrugge un fragile guscio già svuotato al suo interno dalla suddetta polvere di stelle. La realtà è talmente brutta, che è meglio continuare a sognare.

秒速５センチメートル(Cinque Centimetri Al Secondo) è un esercizio di stile a tratti stucchevole ma bellissimo, e una storia estremamente "Giapponese" che non soddisfa di certo un non Giapponese.

秒速５センチメートル(Byōsoku Go Senchimētoru - 5 Centimetri Al Secondo)

Giappone, 2007 - regia di 新海誠(Shinkai Makoto)

Undo (アンドゥー)

2008-10-22T02:00:00.000+02:00

In ordine cronologico, il primo "mediometraggio" di 岩井俊二(Shunji Iwai), che sarà seguito nel 1996 da ピックニック(Pikkunikku - Picnic) e nel 1998 da 四月物語(Shigatsu Monogatari - April Story).

Yukio e Moemi sono una giovane coppia. Yukio, sapendo che la moglie desidererebbe possedere un cane, ma essendo cosciente del fatto che l'appartamento in cui vivono non sia adatto ad accogliere un animale come un cane, e neanche un più piccolo gatto, porta a casa due tartarughe. Moemi non apprezza la decisione del marito ma lo asseconda. La vita matrimoniale non è certo il massimo per Moemi, che passa le giornate ad aspettare che il marito si stacchi dal computer sul quale lavora. Un giorno Yukio trova le tartarughe che camminano per il pavimento di casa col guscio completamente avvolto da una trama di fili bianchi, la lana con cui la moglie confeziona dei lavori a maglia. Poi va nella libreria per cercare un libro, e si accorge che alcuni libri sono stati legati allo stesso modo; prende le forbici per rompere i nodi, ma anche le forbici sono intasate di una matassa di fili bianchi. Yukio si accorge che c'è un problema (ed era ora) quando vede la moglie che lo guarda in cerca di aiuto con le mani completamente annodate dalla lana del vestitino che confezionava, ormai distrutto da una furia insipegabile. Si recano da uno psicologo, che dice a Yukio che potrebbe essere un disturbo dato da qualche problema nella vita amorosa. Yukio cerca di porre rimedio a ciò, ma complica sempre più le cose fino a che la situazione non sarà più recuperabile.

Il film è estremamente breve, solo 47 minuti, ma come Iwai mi ha insegnato coi suoi successivi mediometraggi, è un tempo più che sufficiente per comunicare ciò che si vuole comunicare, se lo si sa fare. Iwai è forse il maggiore genio sperimentatore del cinema giapponese contemporaneo, non un visionario nè un genio folle, ma pragmatico comunicatore di realtà.

In "Undo", Iwai utilizza una giovane coppia per parlare dei problemi della coppia moderna, ma più in particolare a mio modo di vedere della coppia Giapponese. La genialità di questo film sta nel rendere gli avvenimenti vissuti da questa coppia una metafora della parabola discendente della coppia giapponese tipo. La vita di coppia in Giappone fa schifo, oltre al lavoro che impegna la maggior parte del tempo dell'uomo, e recentemente anche della donna, c'è un'assoluta disparità di considerazione e rispetto tra il sesso maschile e quello femminile. In Giappone nella maggior parte delle famiglie è l'uomo a comandare e a prendere le decisioni, e la donna è l'assegnataria dei lavori domestici, oltrechè della crescita dei figli. In Giappone, la donna deve addirittura utilizzare delle particolari forme verbali per addolcire il suo linguaggio. Il dialogo è ridotto a zero. Pur accennando questi aspetti, come ad esempio la decisione di Yukio di prendere le tartarughe come animali domestici, la disperata pulsione dell'uomo giapponese di "prendere la decisione a suo parere migliore per la famiglia" senza considerare invece i sentimenti dei componenti della famiglia stessa, Iwai non infierisce ma si concentra sulla parabola discendente dei personaggi che ha creato.

In particolare, il fuoco di questa analisi registica terribilmente clinica si concentra più che sulle cose materiali e gli aspetti della vita di coppia, nell'essenza dell'amore nella coppia e nelle intrinseche conseguenze di comportamenti che nella vita reale sono rarefatti in tanti anni di consuetudine, ma nel racconto in pochi minuti. Dopo essersi accorto della mania patologica della moglie, Yukio parla con lo psicologo che gli dice: "Forse lei sta trattenendo e limitando sua moglie", lui risponde: "No, invece la sto lasciando andare". Yukio commette il più grande errore dimostrando la sua assoluta mancanza di senso di valutazione, ma cosa ancor più grave, di sensibilità, cosa di cui molte volte si rende colpevole l'uomo giapponese, che antepone molto, moltissimo alla compagna ed alla costruzione di un sano rapporto di uguaglianza per lo meno psicologica con essa.

Odio fare qualunquismo e generalizzare, ma è facile trovare dei capisaldi negativi nella vita di copipa Giapponese: oltre ai già citati comportamenti sessisti inculcati dalla società (presenza in maniera ancora massiccia di scuole maschili e scuole femminili, differenze nel linguaggio tra uomo e donna, differenze addirittura nella postura e canoni di comportamento non obbligatori ma "caldamente consigliati come opportuni" e via dicendo), vi sono dei comportamenti comuni come l'assoluta mancanza di dialogo tra coniugi, l'assoluta non partecipazione del maschio nelle faccende domestiche e nella crescita dei figli, la malata dedizione all'azienda che porta a trascurare la famiglia per opportune cene tra colleghi e pesanti bevute notturne (la mattina presto non è raro vedere dei signori in giacca e cravatta buttati come barboni sulle panchine quando va bene..).

Tutto ciò si aggiunge alla rassegnazione delle donne che accettano la loro condizione come normale anche se abominevole, e vanno avanti accettando anche cose orribili come la frequentazione dei キャバクラ(Kyabakura) da parte dei loro uomini, una pratica decisamente normale in un coppia Giapponese a giudicare da quanto ho avuto modo di conoscere: addirittura si arriva anche alla totale mancanza di dialogo, e l'uomo prende l'abitudine di andare a parlare dei suoi problemi, dubbi, insicurezze, con una ragazza che lo ascolta a pagamento, magari in biancheria intima. Ricordo fulgidamente una discussione che ebbi con una mia amica Giapponese sposata. Lei parlando di Kyabakura mi disse che tutti lo fanno, e al mio disappunto soprattutto in difesa delle stesse donne, trattate come "elettrodomestico" dagli uomini Giapponesi, lei rispose che "gli uomini Giapponesi lavorano tanto e sono terribilmente stanchi", mi disse che "non puoi capire cosa si provi e come ci si senta", e infine concluse in questo modo: "gli uomini Giapponesi hanno fatto grande il Giappone col loro lavoro, e le loro donne sono sempre state dietro di loro a supportarli". E' inutile, ti scontri con una cultura diversa dalla tua, cose che non puoi neanche lontanamente concepire si presentano davanti a te.

E soprattutto alla luce di questa mia lunghissima (ma assai breve in realtà) esposizione dei fatti sulla coppia Giapponese, e soprattutto alla luce della precedentemente spiegata rassegnazione femminile al destino infausto di nascere donna in Giappone, Iwai è una volta di più comunicatore ed esortatore di cambiamento: come in リリイ・シュシュのすべて(riri shushu no subete - All About Lily Chou-Chou) denuncia tragicamente la spirale di bullismo e prostituzione in cui molti giovani Giapponesi stanno cadendo, qui fa decisamente e costruttivamente sfigurare l'uomo Giapponese, e dà alla donna del suo film una facoltà della quale la donna comune si priva: la facoltà di valutare, e scegliere.

La bravura degli attori, 豊川悦司(Etsushi Toyokawa) e 山口智子(Tomoko Yamaguchi), e impressionante, basta vedere la naturalezza con la quale si toccano ed interagiscono sessualmente, la fotografia è da scuola di cinema e le scenografie geniali come nel miglior Tsukamoto. Assolutamente da vedere.

Undo (アンドゥー)

Giappone, 1994 - regia di Shunji Iwai

スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ (La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki) (UPDATED)

2008-10-20T02:36:00.004+02:00

“Un film poco impegnato”. Con questo spirito ho intrapreso la visione di questo lavoro di 深作健太(Kenta Fukasaku), figlio dell'immenso 深作欣二(Kinji Fukasaku), uno dei migliori registi che il Giappone abbia mai avuto. Kenta, come primo lavoro di una finora anonima carriera registica, con risultati non esaltanti ha preso le redini di バトル・ロワイヤルII - 鎮魂歌(Battle Royale II - Requiem), rimasto incompleto a causa della morte del padre che lo aveva iniziato,, e ha parteciparo come autore al primo バトル・ロワイヤル(Battle Royale). Come ho assistito con scetticismo alla proiezione del primo film del figlio di Miyazaki, anche in questo caso di certo l'attesa non era alle stelle come per un film di Kinji.

和田慎二(Shinji Wada) col suo manga スケバン刑事(Sukeban Deka - La capo-banda detective) del 1979 ha iniziato una serie di successo che si è tradotta nella produzione di 3 serie televisive, diversi manga omonimi, un anime e tre film di cui questo è il più recente, tutti con protagoniste belle ragazze in divisa scolastica armate di yo yo. Il primo di questi si intitola スケバン刑事(La Capo Banda Detective), del 1987, diretto da 田中秀夫(Hideo Tanaka), il secondo si intitola スケバン刑事風間三姉妹の逆襲(Sukeban Deka, Il Contrattacco Delle Sorelle Kazama), del 1988, sempre dello stesso regista, e l'ultimo è quello in questione, del 2006. Lo sceneggiatore 丸山昇一(Shōichi Maruyama) ha preso un pò di libertà nell'adattare il soggetto di Wada, e il film assume dei toni assai diversi da quelli dei precedenti, rendendo pure il titolo quasi inadatto: スケバン(Sukeban) in giapponese vuol dire "ragazza delinquente delle scuole superiori": la nuova Asamiya Saki pur avendo sempre lo yo yo è invece una specie di aborto di agente segreto alla Jason Bourne (per chi ne conoscesse la trilogia...). Si insomma dalla locandina si vede una bella ragazza in divisa che se la tira con uno yo-yo, ho pensato ad un altro di quei film dementi d’avventura con procaci ragazzine come protagoniste, che tra una vicissitudine e l’altra magari mostrano, che so, le mutandine, ma solo pochi secondi. I giapponesi sfornano di questi film a ritmo continuo, molti scadono nel soft porno, e molti non superano la distribuzione nazionale nelle peggiori videoteche di Akihabara.

スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ(Sukeban Deka: Coodo neemu= Asamiya Saki) comincia bene: una ragazza tumefatta da milioni di botte cammina barcollando per le strade di センター街(Center-gai), a 渋谷(Shibuya), con la sua divisa scolastica e sotto la giacchetta color khaki una bella cintura esplosiva con un timer che segna un tempo allarmantemente breve. La ragazza è spacciata, mille telecamere la riprendono (in effetti la quantità di telecamere di sorveglianza a センター街(Center-gai) è allucinante), e dietro di esse c’è il suo carnefice. Proprio mentre si accinge a barcollare per il Shibuya crossing, con un ultimo sforzo allontana i passanti per provocare i danni minori. “Bum” in stop motion. Da un’altra parte chissà dove in un enorme corridoio sotterraneo una squadra di poliziotti scorta una specie di barella tipo “Il silenzio degli Innocenti” con sopra anziché Hannibal Lecter una ragazza (un'irriconoscibile 松浦亜弥-Aya Matsura) dallo sguardo minaccioso completamente legata come fosse un dinosauro. La ragazza è stata catturata a New York, è figlia di una signora Giapponese che è stata catturata nello stesso posto per sospetto spionaggio. Gli agenti e il detective Kira Kazutoshi (un 竹内力(Riki Takeuchi) in splendida forma) faticano non poco per domare la ragazza che mostra una forza incredibile e un addestramento in grado di farle tenere testa a diversi energumeni, e ci riescono solo ricattandola e promettendole di intervenire presso gli USA per il rilascio della madre. La ragazza dovrà infiltrarsi in una scuola superiore e far luce sugli eventi che hanno portato alla morte della ragazza-bomba a Shibuya e dovrà capire a cosa si riferisce il count-down che campeggia nella home page di un sito internet, l’”Enola Gay”, che a quanto pare istiga i giovani alla violenza e al suocidio e insegna a confezionare bombe. Alla ragazza viene data una strana arma, uno yo-yo, una divisa scolastica e un nome, Asamiya Saki. Sembra che l’“Enola Gay” abbia una qualche connessione con la scuola. Saki trova una situazione non rosea nell’istituto, in particolare vi sono episodi di bullismo estremo ed una delle tante persone ad essere presa di mira è Tae Konno. Saki attraverso l’amicizia con Tae riuscirà a sbrogliare una bella matassa di casini fino a trovarsi di fronte a qualcosa di più grande di quello che ci si aspettava.

Tanta carne al fuoco: teen movie con toni cupi e violenti, il tema scottante del bullismo giapponese, hero-movie con ragazzina in divisa, e trama intricata con cattivoni a non finire. Certo l’autore Shinji Wada e gli sceneggiatori che hanno adattato questo racconto non cazzeggiano come gli sceneggiatori di “Boris”, ma ogni tanto mi chiedo se non sia davvero troppo arrivare a questi livelli. Il divertimento certo non manca: 松浦亜弥(Aya Matsura) che interpreta Saki è davvero carina, e di sicuro non fa fatica a riesumare il caratterino imbronciato e saccente mostrato nel film 青の炎(Ao No Honō - La Luce Blu), 2003, diretto da Yukio Ninagawa. Diciamo che in tutto il film interpreta un’eroina che continua a fare una faccia da cattiva assolutamente poco credibile col suo visino angelico: è un po’ impacciata nelle prime ore del suo incarico, la figura di merda nel centro commerciale, quando usa per la prima volta lo yo-yo e memorabile, e solo alla fine, contro il mostro finale diventa tutto ad un tratto incredibilmente esperta della pericolosa arma. Tamarrissima, con la sua divisa alla marinaretta blu scuro, lo yo-yo appeso ad una giarrettera sulla sua candida coscia di scolaretta e l’ombrello rosso entra a scuola, dove tutti hanno una divisa khaki e l’ombrello bianco, come per dire “Ehi sono infiltrata in questa scuola, venitemi a prendere”. I super risvolti umani del suo carattere e il suo passato sfigatissimo la rendono umana e va bene così, se solo non se la tirasse così tanto! Fantastico quando decide di indossare la divisa da combattimento, che fa il verso a quella di Zebraman (2004, di Takashi Miike), ma con il foulard rosso a richiamare la scolaretta.

Ma se si vuole vedere oltre la demenza propria richiesta dall’audience Otaku con la quale i produttori giapponesi devono per forza rapportarsi, questo film ha dei contenuti molto profondi, importanti e coraggiosi: la denuncia del bullismo e la denuncia della pessima abitudine di professori e presidi di infangare la cosa: non avevo mai visto un’esposizione così esplicita del problema in tutta la mia carriera di nippo-cinefilo (Senza contare la più psicologica e claustrofobica visione data da Shunji Iwai in リリイ・シュシュのすべて (Tutto Su Lily Chou-Chou).

Nelle scuole giapponesi, quelle vere, con il campo sportivo che si trasforma in una palude in primavera quando piove, non arriverà mai una Asamiya Saki con le coscie all’aria per salvare tutti: le ragazze continueranno a chiudersi in bagno per tagliarsi le vene, i ragazzi si chiuderanno in casa per non uscirne, i perseguitati saranno vittime eterne della loro debolezza e i persecutori saranno vittime eterne di essi stessi, in una spirale che finirà con il diploma, per cedere il posto all’incubo successivo in una società estremamente omertosa, non compiacente ma imbarazzata nel constatare che la vita va così e basta, e non si può cambiare. Chiunque o quasi (Shiho sembra essere fin’ora l’unica che ho conosciuto a non avere avuto esperienza di bullismo a scuola) è stato vittima, o persecutore, la via di mezzo è solo il silenzio, perché farsi notare, come vittima, persecutore, spione, attivista, brutto, bello, bravo, non bravo, o come uno che dà nell’occhio, significa uscire dall’anonima massa silenziosa e laboriosa ed esporsi come camminare nudi in mezzo alla strada. Il Giappone non perdona chi esce dalla massa e chi si comporta in maniera diversa da come ci si dovrebbe comportare. La redenzione può arrivare solo passando al livello successivo della vita settoriale dell’individio giapponese: dalla giovinezza alla fase adulta, dalla scuola all’università, dall’università al lavoro. Spero che un giorno possa esistere una fine a questo inferno. Questo è uno dei motivi per i quali i Giapponesi odiano il Giappone, e vogliono solo fuggire.

Se visto da questo lato, スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ (La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki) è un film delicatissimo ed estremamente attento alla problematica. È impossibile non affezionarsi al personaggio di Tae Konno e il film per fortuna non infierisce, infatti almeno qui non muore nessuno!

A tutti coloro che sognano di avere una fidanzata giapponese: guardate questo film, realizzate che il Giappone è un inferno per i meno forti, e salvate questi angeli: portateli via di lì!

スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ (La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki) è un film esagerato, tamarro, otaku, ma anche divertente ed interessante, e in qualche modo coraggioso, e agli sceneggiatori va il merito di aver aggiornato ad oggi le tematiche giovanili che ne interessano i protagonisti che rimangono forse l'unica parte realistica di questo lavoro.

UPDATE: E per la gioia dei suoi fan ecco Riki "belli capelli" Takeuchi in una scena del film...

スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ (Sukeban Deka: Koodo Neemu= Asamiya Saki - La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki)

Giappone, 2006 - regia di 深作健太(Kenta Fukasaku)

金融破滅ニッポン桃源郷の人々 (Il Giappone in rovina finanziaria: gli abitanti di Utopia)

2008-10-16T00:56:00.006+02:00

Ad Osaka, nelle rive di uno dei mega fiumi che attraversano la città sfociando nel mare interno, c'è un villaggio di senzatetto, come tanti, chiamato Utopia. Una notte un camion si ferma sull'argine e comincia a riversare rifiuti sul terreno del villaggio. Gli abitanti del villaggio non riescono a farsi valere nei confronti dei violenti addetti che conducono il camion, se non fosse per l'intervento di un uomo arrivato dal nulla, che finge di essere un poliziotto pur non essendo intenzionato a farlo, e caccia via i violenti. Gli abitanti del villaggio festosi chiamano il capo-villaggio (interpretato da Sho Aikawa), e accolgono il nuovo arrivato, Kuwata, che si stabilisce tra loro. Intanto da qualche parte in città, una tipografia è sull'orlo del fallimento a causa del fallimento di una delle sue principali aziende clienti, e il suo proprietario signor Umemoto (Yuu Tokui) non trova altra strada che il suicidio. Una fortuita circostanza, cioè una piccola guerra yakuza tra il villaggio e una scapestrata banda di yakuza in scooter porta Umemoto a conoscere il villaggio. Il capo villaggio e Kuwata, che sembrano avere più di una qualità nascosta e un passato ancora più nascosto, decidono di aiutare Umemoto a riavviare la tipografia attraverso un'operazione non proprio legale.

Anche il Giappone non è esente da problemi di questo tipo, e pur nonostante la comune pratica di scuse pubbliche diretta televisiva (fanno persino il replay degli inchini) ci sono i fallimenti, e gli imbroglioni (anche se l'Italia è ai primi posti nel mondo..). L'aspetto più importante da mettere in risalto per spiegare questo film è che in Giappone il fallimento finanziario è una cosa gravissima, non necessariamente per le conseguenze implicite, ma per l'immagine personale di chi vi è coinvolto, della sua famiglia e dell'azienda. Ecco perchè Umemoto è talmente disperato da suicidarsi, e pensare che in Italia il fallimento è una pratica normale per far quattrini. In giappone se fallisci metti nella merda la tua famiglia, i tuoi figli e le generazioni a venire che portano il tuo cognome, questo si traduce nell'impossibilità di accendere mutui o richiedere prestiti, di aprire un'impresa o una qualsiasi attività ecc.

Miike con questo film vuole provocatoriamente comunicare l'ottimismo, ma un'ottimismo beffardamente possibile solo pensando ad una truffa che possa mettere di nuovo apposto le cose. Di certo Osaka e l'allegria e diversità dei suoi abitanti sono i soggetti più adatti, in Giappone, per provare ottimismo, difficilmente vedrei questo film ambientato a Tokyo. E soprattutto nel Giappone odierno l'ottimismo, il poter vivere felici senza denaro in un accampamento fatto di rottami, il poter riuscire a risanare i debiti, il poter ricostruire qualcosa, sono solo Utopia, come il nome del villaggio.

金融破滅ニッポン桃源郷の人々 (Kinyû hametsu Nippon: Tōgenkyō no hito-bito - Il Giappone in rovina finanziaria: gli abitanti di Utopia)

Giappone, 2002 - regia di Takashi Miike

手紙 (Tegami)

2008-10-12T01:44:00.005+02:00

Ero nella cabina di una nave che da Cagliari mi portava a Civitavecchia. Avevo con me il computer, i miei film giapponesi in attesa di essere guardati, e un sacco di tempo a disposizione. Così ho scelto Tegami: apprezzato dalla maggior parte delle critiche che ho letto a riguardo, non mi ha mai interessato eccessivamente, si annunciava un "polpettone" da lacrime, e così mille volte avevo deciso di rimandare.

Naotaka Takeshima, detto "Nao" vive la sua dura vita di operaio in una fabbrica persa chissà dove in Giappone. E' silenzioso e non parla con nessuno. Nella testa ha solo il suo passato terribilmente duro: orfano sin da piccolo, fu mantenuto dal fratello maggiore Takashi con sforzi immani. Dopo un infortunio, Takashi non fu più in grado di lavorare e preso dalla disperazione cominciò a compiere piccoli furti in appartamento. Durante uno di questi, viene scoperto dalla padrona di casa che presa dal panico urla, Takashi chiede scusa, chiede perdono ma l'anziana signora continua ad urlare e lo attacca con delle forbici. Durante la collutazione la signora rimane accidentalmente colpita dall'arma impropria che maldestramente brandisce e muore. Takashi viene arrestato e condannato per omicidio.

Nao sa che il suo passato deve rimanere segreto, assolutamente segreto. Non parla con nessuno in fabbrica e rimane schivo anche nei confronti di Yumiko, l'addetta alla mensa che gli si affeziona e gli fa una discreta corte. Nao scambia una regolare corrispondenza epistolare con Takashi, che dalla prigione scrive e scrive e scrive. Un giorno una di queste lettere viene scoperta dai colleghi di Nao. E' la fine. Il Giappone no perdona il passato di chi sbaglia, e purtroppo non lo perdona neanche ai suoi familiari, per generazioni.

Nao è appassionato di cabaret, assieme ad un amico durante le pause prova degli sketch. Nao lascia tutto, parte per Tokyo, la grande città che attira e poi ingoia i sogni di chi vi ci si affida per migliorare la propria vita. Nao comincia a lavorare in un bar, e fa qualche spettacolo dove viene scoperto. E' l'occasione giusta, va in TV. Dimentica la giovane Yumiko, l'addetta della mensa della fabbrica, e si lega ad Asami, di buona famiglia, eccezionali risorse finanziarie e ferrei valori. Il passato di Nao ritornerà, più e più volte, infliggendogli delle batoste veramente insostenibili.

Tegami è un bel film, nulla di speciale dal punto di vista fotografico, la trama è lineare, la produzione è importante e la presenza di attori come Takayuki "nano malefico" Yamada (già visto in plurimi film della Toho come タッチ(Tacchi - Touch) e そのときは彼によろしく(Sono Toki Wa Kare Ni Yoroshiku - Say Hallo For Me) e fantastico co-protagonista di Crows Zero di Miike) e di Erika "la sdentata" Sawajiri (che dovrebbe essere tornata dall'esilio inglese impostole dal cinema giapponese dopo l'ennesima stronzata da star capricciosa) lo rendono idoneo per diventare un blockbuster in Giappone, ma oltre questo niente da dire, se non rimarcare l'assoluta importanza concettuale e di denuncia sociale.

A tutti quelli che mi dicono di voler andare a vivere in Giappone, io consiglio sempre di cercare di conoscerlo meglio, perchè il Giappone non è meglio di altri paesi, pur avendo dei pregi. Ho sempre sostenuto che per i Giapponesi, il Giappone sia "l'inferno", e questo film è un altro mattone per rinforzare la mia tesi. Il Giappone è un posto dove si paga non solo in prima persona per i crimini commessi, ma gli stessi atti criminali condannano inesorabilmente i parenti, i figli, i figli dei figli. Se fallisci, i tuoi figli e i loro figli per alcune generazioni non portanno avere un prestito in banca, se un tuo parente fa qualcosa di male, perdi il lavoro, e tuo figlio viene picchiato a sangue dai compagni di scuola. Il giappone è un posto dove non si può neanche concepire il commettere un crimine, non solo per la durezza, l'iniquità del sistema giudiziario, ma anche per la stessa società che vede non solo nell'individuo colpevole ma anche nella sua famiglia la colpevolezza come male purulento da schifare e allontanare. Per questo in Giappone non ci sono crimini, e i pochi (molto pochi) che vengono commessi vengono puniti in maniera estremamente severa, fino alla pena di morte per impiccagione. Il Giappone davvero non perdona, specialmente i deboli, anche solo per un cognome malfamato. Da vedere per chiunque ami il giappone, e si vuole togliere il sushi dagli occhi.

手紙(Tegami)

Giappone, 2006 - regia di Jiro Shono

スキヤキ・ウエスタンジャンゴ (Sukiyaki Western Django)

2008-10-10T00:52:00.007+02:00

In una terra desertica spazzata dal vento e coperta dalla polvere, la lotta tra due fazioni rivali, i bianchi ed i rossi, arriva ad un culmine risolutivo con l'arrivo di un personaggio che al solo impugnare una pistola è in grado di mettere timore al più cattivo. Penso che non ci cia altro da dire per quanto riguarda la trama....

Ma questo ci mancava proprio, la reinvenzione/interpretazione in salsa Giapponese dello "spaghetti western", che era nient'altro che una reinvenzione in salsa Italiana del western Americano. potremo chiamarlo "soba western", o come ci suggerisce il titolo, "sukiyaki western" (sia la soba che il sukiyaki sono roba da mangiare giapponese..), ma comunque di sicuro c'è che questo film è una cosa estremamente malata e dannatamente divertente. Se poi nel prologo c'è Quentin Tarantino che recita delle battute in inglese ma con accento giapponese, nel tramonto finto di un cartellone dipinto alla meglio posizionato dietro la scena, ben non si piuò che gridare al capolavoro. Si perchè questo è il settantaduesimo film del genio prolifico Takashi Miike, il quale, mentre che noi si aspettava l'uscita in home video di suddetto film, ne ha fatti altri 5 (tra cui un altro capolavoro da lacrime agli occhi che si chiama Crows Zero, presentato al FEFF10). E vi assicuro, la fantasia non gli è proprio passata!

Il film è girato in una fittizia ambientazione western, ma con architetture giapponesi, compreso un torii all'ingresso della città con appesi un paio di cadaveri impiccati. I protagonisti mangiano soba, dormono sui futon, siedono su tatami e portano un abbigliamento bizzarramente improbabile, e pur avendo nomi giapponesi vanno a cavallo, sputano per terra (donne comprese), e si ammazzano a colpi di pistola. La vera genialità a mio parere è stata nel girare le scene facendo recitare tutti gli attori in inglese. Non penso che la maggior parte di loro conosca l'inglese, visto che le battute sono pronunciate cone se fossero state imparate a memoria dopo innumerevoli ripetizioni, e poi la stessa pronuncia di alcuni vocaboli dà l'idea di una completa ignoranza dell'attore di quello che sta dicendo! Che dire, un bellissima autoironia dei giapponesi che vogliono per forza occidentalizzarsi ma che fanno ben poca strada, limitati come sono dalla lobotomia cerebrale alla quale sono stati sottoposti durante il loro periodo di crescita nel bel paese del sol levante. L'irrinunciabile impronta violenta e il sangue a spruzzi, pur essendoci non sono eccessivi, anzi diciamo che sono abbastanza rari, e qui Miike sapientemente non reitera il vortice di ripetitività e di scontata noiosità nel quale era caduta una certa cinematografia giapponese che lo stesso Tarantino, profondo estimatore del cinema giapponese, ha ironicamente caricato e stigmatizzato in Kill Bill. Un film assolutamente poco impegnato, che però pur nella scontatezza e nella inconcludenza delle battute pronunciate in un inglese scolastico non rinuncia ad una certa profondita data soprattutto dalla bravura degli attori protagonisti, soprattutto delle donne. Quando si parla di Miike, credetemi, si va sempre (o quasi) sul sicuro.

スキヤキ・ウエスタンジャンゴ (Sukiyaki Western Django)

Giappone, 2007 - regia di Takashi Miike

ただ、君を愛してる (Semplicemente, Ti Amo)

2008-09-29T00:42:00.001+02:00

Erano mesi che dovevo vederlo. Di solito guardo i film giapponesi quando faccio i turni di notte, il bello (e anche il brutto) del mio lavoro è che a volte sei lì solo per "fare presenza", quindi, computer, cup noodles e via! Le ultime notti sono state abbastanza irritanti, infatti c'è sempre un dannato volo della Myair per Bergamo che parte in ritardo: penso di non averlo mai visto partire in orario, ma sono ritardi allucinanti, parte alle 5 del mattino, o alle 4, dopo aver lasciato i passeggeri in aerostazione per 8 o 10 ore! Insomma, tra voli in ritardo, colleghi non amanti del cinema giapponese (si perchè vogliono vedere un film anche loro, ma non si ricordano che il computer è mio), non ho mai potuto mettere su questo polpettone romantico all'ennesima potenza, definito da tutti il miglior esponente del genere 純愛(Jun-ai – vero amore).

Makoto (Hiroshi Tamaki) va a New York. Dentro il bus si addormenta (magari è per il fuso orario, ma comunque i giapponesi si addormentano in qualsiasi mezzo pubblico...) e una lettera gli cade dalla mano. Una graziosissima bambina di colore la raccoglie, lo sveglia in un dolcissimo malo modo e gliela riconsegna augurandogli Buon Natale, si perchè siamo in America e sono tutti buoni (...)! La lettera è di Shizuru Satonaka (Aoi Miyazaki), una ragazza che ha conosciuto all'università, e che ora tiene una mostra fotografica nientemeno che nella grande mela! Makoto sorride, guarda fuori dal finestrino del pullman che guardacaso attraversa uno dei panorami più belli della città, ed inizia la storia, che non è ambientata a New York, ma a Tokyo!

E' il primo giorno di università, Makoto si accinge ad attraversare la strada, ma vede una ragazza, all'incorcio, che si sbraccia perchè qualcuno la faccia passare. Una ragazza parecchio strana, vestita come una bambola di pezza, buffi occhiali da vista e dei modi davvero unici. E' Shizuru, ed è il loro primo incontro. Makoto l'aiuta ma si sente in imbarazzo davanti ad una tipa così strana e l'abbandona a sè stessa. Shizuru gli si affeziona e nasce una strana amicizia: lei è molto presa da lui, ma lui pur essendo attratto da lei bada solo all'apparenza delle cose e soprattutto al non sfigurare di fronte agli altri nostrando di avere un'amica così "stramba". Makoto è molto timido, e poi soffre di una incontrollabile paura: ha uno sfogo nel fianco destro che gli dà prurito, e fin da piccolo deve metterci una pomata che secondo lui puzza. Questa fobia lo tiene lontano da chiunque, tranne che da Shizuru che (fortunatamente per lui) soffre di una rinite cronica che riduce il suo olfatto ad un centesimo del normale. C'è poi una ragazza di cui lui è segretamente innamorato, Miyuki (Meisa Kuroki), forse la ragazza più bella della terra, ma lei sembra presa solo dall'invadente gruppo di amici di cui fa parte. Incredibilmente le cose si evolveranno inaspettatamente per Makoto e Miyuki, e Shizuru pur rimanendone sconvolta, troverà, a modo suo, il modo di conquistare Makoto.

Ogni volta che mi accingo a guardare un 純愛(Jun-ai), mi sento estremamente attratto ed impaziente di vedere quale dannato intreccio troveranno gli sceneggiatori per distruggere lo spettatore. ただ、君を愛してる (Tada, Kimi Wo Ai Shiteru - Semplicemente, Ti Amo), è un film bastardo, si è proprio bastardo dentro. E' estremamente equilibrato in ogni suo aspetto, il ritmo è abbastanza veloce e non si attarda mai in inutili fronzoli, pur essendo esso stesso un "fronzolo gigantesco". Devo dire con tutta sincerità che ho scoperto un'attrice davvero d'eccezione, interpreta Shizuru e si chiama 宮崎あおい(Aoi Miyazaki), classe 1985, ragazza modello super impegnata nel sociale. La Miyazaki, per lo meno in questo film, ha un talento che ha del sovrannaturale nel rendere un personaggio come quello di Shizuru: avrà sicuramente avuto dei forti crampi ai muscoli facciali per fare quelle continue smorfie da bambina piccola, ma quando sorrideva mostrando una gioia ed innocenza incredibilmente vere e cominciava a correre in circolo come una forsennata, mi sembrava di poter ricevere quella stessa gioia, e quando qualcuno la faceva soffrire, che peso nel cuore! La bravura della Miyazaki sta nell'interpretare un personaggio che a tutti gli effetti potrebbe essere una macchietta, una caricatura, e di non farlo sembrare tale dandogli verità e concretezza. Eh si, questi sceneggiatori e produttori giapponesi sono dei bastardi e hanno dalla loro parte delle armi segrete che stupiscono sempre! Per quanto riguarda lui, 玉木宏(Hiroshi Tamaki), è il solito "bonazzo" giapponese che fa il maldestro. Una menzione deve obbligatoriamente andare a 黒木メイサ(Meisa Kuroki), l'antagonista di Shizuru, è veramente bella, sono senza parole, forse troppo bella per il film, un taglio d'occhi talmente affilato da far male, e dei denti di un bianco porcellana abbagliante, insomma è una perfezione che induce quasi antipatia, e forse è questo il vero intento dei produttori del film.

Come al solito il brutto di un intreccio narrativo complesso è che non si può raccontare molto della trama, ma vi posso dire che questo film, pur dissimulando sè stesso in una semplice storia d'amore, purtroppo non sfugge alla regola che rispettano tutti i film d'amore giapponesi (che sa di cosa parlo, capirà, chi non lo sa invece capirà quando guarderà il film). Non è cattivo come 世界の中心で、愛をさけぶ(Sekai No Chushin De, Ai Wo Sakebu – Crying Out Love In The Center Of The World), ma preparatevi a piangere. E se siete depressi, scoratevelo! Non posso negare che sia un film veramente splendido, uno dei migliori che abbia visto quest'anno.

ただ、君を愛してる (Tada, Kimi Wo Ai Shiteru - Semplicemente, Ti Amo)

Giappone, 2006 - regia di Takehiko Shinjo

女子競泳反乱軍 (Giovani Nuotatrici ribelli)

2008-09-28T23:12:00.002+02:00

O come splendidamente tradotto dai distributori (sicuramente Cina o Hong Kong), "The girls Rebel Force Of Competitive Swimmers". Se abbiamo visto questo film, il merito è del grande Torakiki, al quale va il premio "miglior selezionatore di film incredibili". Si perchè 女子競泳反乱軍(Joshi kyō eihan rangun - Giovani Nuotatrici ribelli) è veramente un film incredibile, almeno agli occhi di un occidentale! Storia: Una ragazza nuota in una piscina di una scuola superiore giapponese, sembra che qualcuno o qualcosa di terrificante le si avvicini, ma sembra anche che non ci sia niente, ma c'è una musica terrificante quindi ci dev'essere per forza qualcosa che le si avvicina, ma lei continua a nuotare, l'acqua per fortuna e trasparente e anche dalle inquadrature si vede proprio che non c'è niente..allora comincia a fare rana...si insomma, bimba, non senti che il regista ha messo una musica terrificante? Perchè fai rana? E' come entrare in una macchina che non si accende quando sei inseguito da qualche mostro in un film dell'orrore, è come entrare in una cazzo di porta in cui non devi entrare in una casa dell'orrore!! Se fai rana, quando emergi ad ogni bracciata potresti trovare qualcosa davanti a te, e poi sei pure in Giappone dove ci sono quei cazzo di spiriti coi capelli in faccia, EHI! E infatti, BAM, una faccia imbecille per niente spaventosa le appare davanti ad una bracciata di rana, ma, più che spaventata dalla "terrificante" visione che le si è "terrificantemente" materializzata davanti, la ragazza sembra più spaventata da una ciocca di capelli che le si è attaccata alla mano. Si insomma, io ho lavorato per quattro anni come instruttore di nuoto, e ho fatto nuoto per una buona parte della mia vita, e potrei intrecciare almeno cinque tappeti persiani coi capellli che vedevo sul fondo delle vasche, ma che ti spaventi, scema? Ma non è finita, perchè il terribile spavento e la famigerata ciocca di capelli ritorneranno, nel finale del film! E intanto una terribile maledizione sta per piombare sulla scuola!

Aki, una bella ragazza (...) si trasferisce in questa nuova scuola, nessuno la conosce, nessuno sa da dove viene. All'improvviso tutti cominciano a tossire, c'è un virus nella scuola! Arrivano dei medici, tutti a fare il vaccino! Ma le cose si mettono male, il virus trasforma le persone in mostri che squartano e uccidono, ma pur essendo verdastri e abbastanza lenti e goffi questi mostri non sono zombie, anzi hanno una loro intelligenza e utilizzano anche delle "sottili" astuzie per fregare le loro vittime (vedi la professoressa d'inglese...). Tutti sembrano essere colpiti da questo virus tranne le ragazze del club di nuoto, che guidate da Aki e dalla sua "amica fraterna" Sayaka interverranno per cercare di salvare la situazione.

Durata infima (78 minuti), prodotto solo per l'home video, 女子競泳反乱軍 è rivolto ad un esigente pubblico maschile. La caratura artistica delle protagoniste infatti è spia di un'attenta selezione in fase di casting. La trama della storia si evolve in un crescendo di emozioni e colpi di scena, fino ad un tragico e struggente finale dove si capisce il vero senso della battaglia che queste ragazze, nel loro piccolo paladine della libertà, portano avanti per salvare il loro piccolo mondo.

Bando alle stupidaggini, penso abbiate capito che questo film è un soft porno cammuffato da zombie movie: la protagonista Aki, interpretata 範田紗々(Sasa Handa), anno 1985 e già due enormi tette rifatte, è sempre col petto di fuori, e la sua amicizia con Sayaka, interpretata da 日高ゆりあ(Yuria Hidaka) è un'appetibilissima soft-lesbo story confezionata giust'appunto per gli esigenti spettatori e affezionati del genere, che "tra un divertimento e l'altro" trovano un buon intrattenimento in sgozzamenti, sangue a litri, teste mozzate con colonne vertebrali ancora attaccate, e tantissimi luoghi comuni della soft-pornografia giapponese, che a citarli tutti dovrei passare dei giorni.

C'è da dire che questo film è veramente interessante per i nippofili occidentali perchè è un vero film Giapponese fatto per Giapponesi: per quanto riguarda la parte horror, è quel tipo di cinema che Quentin Tarantino scimmiotta, e che ormai alcune case giapponesi producono quasi come sterile imitazione di sè stessi solo per l'esportazione in occidente, visto che ormai il sangue a spruzzi fa troppo giapponese...

Ah, volevate sapere di quella paurosissima ciocca di capelli che si attacca alla mano della ragazza all'inizio del film? Non so, ma vista la totale incoerenza di tale avvenimento con la trama, potrebbe essere l'anteprima di un sequel (o di un prequel)...oppure qualcuno dormiva in fase di montaggio...

Le ragazze pronte alla guerra, non tutte con una posa agguerrita, ma a noi non interessa, basta che ci sia la "diga"!!

Sayaka ed Aki in una scena di sopracitato amore fraterno e "tette all'esterno"...

E come potevo non citare l'arma definitiva, la pinnetta da nuoto con lame a molla (avvertenza, non è letale se non è portata da una ragazza sexy)

Che dite lo traduco?

女子競泳反乱軍(Joshi kyō eihan rangun - Giovani Nuotatrici ribelli)

Giappone, 2007 - regia di 川野浩司(Kōji Kawano)

スウィングガールズ (Swing Girls)

2008-09-28T23:10:00.000+02:00

Un'altra notte da passare a lavoro. Non ne faccio molte, per dire la verità, una o due al mese, ma almeno che non accadano episodi "particolari", sono più che altro otto ore da passare svegli: per la fame c'è sempre disponibile una confezione di Cup Noodles. Per la mente, visto che la connessione ad internet non è disponibile se non in wireless a prezzi esorbitanti, ci sono le decine di film Giapponesi che ancora attendono di essere visti. Ora arriva il difficile: è possibile che arrivi un collega o una collega che voglia passare delle ore con te, allora dice "oh, bello, hai il computer, guardiamo un film?"...io avevo in mente di guardare un impegnativissimo polpettone tragico-romantico della durata di 6 ore, ma se gli sottopongo una cosa del genere, minimo muore nell'ufficio, e devo anche pulire. Si perchè le persone "normali" quando sentono l'aggettivo "giapponese" hanno un solo disco dentro, nella loro mente, che dice "banzai, yattà (nel senso del calcio volante alla Bruce Lee che poi non era neanche Giapponese ma-fa-lo-stesso), sushi" etc. Poi mi dicono, "ma in lingua originale?", io rispondo "Si ma coi sottotitoli". Se sei fortunato dicono "ah" con faccia schifata, e se sei sfortunato ti chiedono, orgogliosamente ironici e superiori della loro occidentalità: "e i sottotitoli sono in Cecoslovacco?". E così un'ora della tua notte è già andata via. Poi arriva la scelta del film: molte volte scelgo di rivedere degli autentici capolavori, ma giusto per cercare di convincere il mio compagno d'avventura notturna della bellezza del cinema Giapponese: tipo la volta che ho messo l'incommensurabile 誰も知らない(Dare Mo Shiranai - Nobody Knows), di Hirokazu Koreeda per una mia collega, e lei dopo qualche minuto era già addormentata. Allora tra cambiare il film e cazziare la collega o il collega traditore passa un'altra mezz'ora. Insomma, siamo lontani dal Far East Film Festival, dove se ami il cinema orientale non sei un extraterrestre: l'altro giorno avevo questo スウィングガールズ (Swing Girls), pronto da vedere (beh in effetti ne avevo già visto 15 minuti nel turno notturno precedente ma sempre a causa di "addormentamento di compagno di visione" l'avevo interrotto) e così ho detto al mio collega Michele " Ti faccio vedere un film leggero".

Siamo nella prefettura di Yamagata, in mezzo al nulla del Giappone nord-occidentale, sulla costa del Mar Del Giappone. Tomoko Suzuki e altre sue coetanee assistono assonnate ed accaldate ad un terrificante corso estivo di recupero di matematica. Nel cortile scolastico intanto (quelli fatti con lo stampino, con lo sterrato incolto di erba bassa a macchie e a volte teppisti che scorrazzano in moto) c'è il pullman della banda musicale scolastica che si accinge a partire per il supporto di una partita della squadra di baseball scolastica. Dopo qualche minuto dalla partenza arriva un furgoncino del catering col pranzo per la banda. Le ragazze dall'aula assistono alla scena e convincono il professore di matematica (interpretato dal mitico Naoto Takenaka) a lasciarle libere per portare i bento alla banda. Alcuni imprevisti fanno in modo che le ragazze arrivino in ritardo al campo di baseball, consegnando i bento che nel mentre si sono guastati con la calura estiva: la banda finisce all'ospedale per dissenteria, e così l'unico superstite, lo sfigato che non aveva ricevuto il pranzo, all'anno Takuo Nakamura (interpretato da Yuta Hiraoka), cerca di convincere le "scazzatissime" ragazze del corso di matematica a prendere in mano gli strumenti per supplire all'assenza della banda. Da qui il film diventa il classico film di "apprendimento di cosa impossibile, batoste e sofferenze inenarrabili nel mezzo, e successo incredibile finale".

Riesce difficile abituarsi alle smorfie di Juri Ueno, la protagonista, ma con un buono sforzo si può andare avanti, la recitazione generale stenta a prendere quota se non ci fosse Naoto Takenaka (per dirvene una, l'addestratore di delfini di Waterboys) a salvare la situazione. Vi sono delle scene davvero esilaranti, e la curva di apprendimento delle ragazze s'impenna clamorosamente e in maniera davvero imbarazzante nel finale, che si salva e salva il film con una scena davvero coinvolgente. Come avevo detto a Michele, "un film leggero". A Michele è piaciuto!

スウィングガールズ (Suingu Gaaruzu - Swing Girls)

Giappone, 2004 - regia di Shinobu Yaguchi

そのときは彼によろしく (Say Hallo For Me)

2008-09-28T23:05:00.000+02:00

Non sarei mai stato interessato a questo film, se l’attrice protagonista non fosse stata Masami Nagasawa. Diciamo la verità, la sua fama in giappone ha ormai raggiunto livelli stratosferici, un recente sondaggio tra gli uomini Giapponesi l’ha decretata la “donna ideale”, per “la sua forza d’animo e per l’impegno che mette nello svolgere ogni compito le venga affidato”. Io aggiungo pure che i bravi ometti giapponesi l’hanno votata perché è proprio carina, e nelle loro menti giapponesi una donna che mette impegno nel fare le cose è gia una cosa ottima (per loro il “fare qualcosa” riferito ad una donna significa principalmente pulire casa, crescere i figli e cucinare, per il resto poi ci sono sempre le ragazze dei kyabakura…), se poi è carina, beh ancora meglio! Poco importa che la ragazza abbia appena 21 anni e che magari abbia in mente qualcos’altro, per il momento…direi “povera”, ma coi soldi che guadagna ci può anche stare…ma è proprio un amore…

E parlo così perché da quando l’ho vista così messa male in 世界の中心で、愛をさけぶ(Sekai No Chushin De, Ai Wo Sakebu – Crying Out Love In The Center Of The World) mi ci sono particolarmente affezionato. Tenendo conto del fatto che secondo la tradizione Shintoista l’amore perfetto sia quello coronato dalla morte di uno o di entrambi gli amanti, che pone un sigillo di eternità e immortalità ad un sentimento che in tal modo non potrà mai morire, ci può anche stare che Isao Yukisada (sull’idea di Kyoichi Katayama e del suo bestseller) l’abbia così maltrattata, …povera piccola, e devo prendere atto del fatto che sia in Touch (2005), che in Rough (2006), le persone che le stavano attorno abbiano subìto destini per lo meno “dolorosi”, se non peggio… E se Masami Nagasawa portasse sfiga? Preso da un sentimento di odio verso Mamma Toho e subendo le percosse di un amore, il mio per lei, ridotto a brandelli, mi accingevo a tradurre questo film, e cosa vedo nella primissima scena? La mia Masami Nagasawa in un letto d'ospedale che versa in uno stato di profondissimo coma, con al suo capezzale due ragazzi che si spaccano di lacrime come avessero le emorroidi… e vai col dolore!!

Eh si, il film inizia proprio così: In una stanza d’ospedale, Suzune Morikawa giace in uno stato di coma profondo, causato da una rara malattia che porta il paziente ad un sonno profondo che si trasforma in coma, e poi ne causa il decesso. Nella stanza l’osservano due suoi amici d’infanzia: Satoshi Toyama, interpretato da Takayuki Yamada, e Yuji Igarashi, interpretato da Takashi Tsukamoto. La storia allora compie un flashback fino all’infanzia dei ragazzi, per districare una complicata matassa fatta di dolore, tragedie inenarrabili, che ha portato alla situazione attuale. La vicenda poi si evolverà prendendo strade assolutamente inaspettate, fino ad un finale veramente poco scontato e addirittura sensazionale per il trend del genere.

Purtroppo è difficile raccontare qualcosa della trama di questo film perché la compenetrazione dei filoni narrativi renderebbe l’impresa assai spoiler. Ma posso dire che, dopo la visione di questo film, sarete coscienti anche voi del fatto che, grazie alla Toho, qualsiasi persona venga a contatto dei personaggi interpretati da Masami Nagasawa, finisca per lo meno all’ospedale…

Una certa critica ha ribattezzato questo tipo di film col termine 純愛(Jun-ai – vero amore), e sicuramente i maggiori esponenti del genere sono ただ、君を愛してる(Tada, kimi wo ai shiteru - Semplicemente Ti Amo, Titolo inglese "Heavenly Forest"), del 2006, regia di Takehiko Shinjo; il già citato Sekachu; タイヨウのうた(Taiyō no Uta - La Canzone Del Sole), del 2006, regia del giovanissimo Norihiro Koizumi (in questa foto con me, Weltall, e Rosuen) fresco vincitore del Far East Film Festival 10 con ガチボーイ(Gachi Boy); いま、会いにゆきます (Ima, Ai ni Yukimasu – Ora vengo per incontrarvi), titolo inglese “Be With You”, e via dicendo. Anche “sonokare”, come puntualmente ribattezzato in Giappone, è frutto della penna di Takuji Ichikawa, già autore dei sopracitati Heavenly Forest e Be With You. Penso che la sceneggiatura, pur nella sua complicatezza e nonostante i mirabili stratagemmi temporali e i colpi di scena, sia leggermente inferiore ai precedenti suoi lavori. Masami Nagasawa, è adorabile nei suoi sorrisini, faccine, camminate ciondolanti, ma alla fine è quello che è, cioè un personaggio mediatico che fa fare tanti soldi, ma nel talento distante anni luce da vere attrici sue coetanee come la mastodontica Yu Aoi. Takayuki Yamada: si è molto bravo, ma dopo aver visto Crows Episode Zero, di Takashi Miike, al FEFF10 non posso che ricordare la scena del bowling, sul tetto della scuola, e anche se in questo film piange veramente bene, è ormai condannato ad eterno bullo!! Fa piacere vedere Keiko Kitagawa che interpreta la ragazza seria sforna bambini, soprattutto dopo averla vista nel penoso Dear Friends, del 2007, di Kazuyuki Morosawa. La presenza di Fumiyo Kohinata fa sentire a casa, infatti la Toho lo schiera puntualmente nelle parti di comprensivi padri di una gioventù problematica (Touch, Sonokare) o simpatici medici (Be With You).

Consigliato per chi ama il genere Jun-ai, per chi vuole versare due lacrime, e per chi ama Masami Nagasawa, nonostante tutto!!

Qui i sottotitoli scritti da me per la versione SUPERiER a due dischi.

そのときは彼によろしく (Sono Toki Wa Kare Ni Yoroshiku - Say Hallo For Me)

Giappone, 2007 - Regia Yuichiro Hirakawa

それでもボクはやってない (Comunque sia, non sono stato io)

2008-09-28T23:03:00.000+02:00

Su asianworld la traduzione dei sottotitoli di questo film da me effettuata, e riporto la recensione che ho scritto sul forum dello stesso sito. Qui potete scaricare i sottotitoli!!

Plot: In un treno iperaffollato che corre in un punto imprecisato dell’immensa Tokyo, Tappei Kaneko, un ragazzo in cerca di lavoro, viene accusato ingiustamente da una quindicenne di aver commesso 痴漢 (Chikan – Palpeggiamento). Dall’inizio alla fine, la sua vicenda giudiziaria.

Commento: Per noi Italiani, il reato di palpeggiamento non esiste neanche, essendo annoverato nell’ambito della molestia o della molestia sessuale. Viene anche da sorridere il solo pensare che commettere un atto del genere possa letteralmente rovinare la vita di una persona. Se in Italia l’essere pregiudicati può significare solo in qualche caso la preclusione ad alcuni ambiti della società (ma come si vede al giorno d’oggi anche il premio di una carriera politica prestigiosa), in Giappone significa la fine di ogni rapporto sociale costruttivo, sia in termini di rapporti interpersonali, sia in termini lavorativi e di reputazione (Tegami insegna). Da qui si può capire innanzitutto il senso di questo film nel narrare una vicenda giudiziaria derivante da un tale genere di reato, apparentemente lieve.

Il reato: Il 痴漢 (Chikan – Palpeggiamento) è una pratica molto diffusa in Giappone. Gli aggressori sono per la stragrande maggioranza di sesso maschile, ma si ha notizia di alcuni aggressori di sesso femminile. L’aggressione si attua di solito in luoghi affollati, preferibilmente treni, preferibilmente all’ora di punta, e consiste nel semplice toccare la vittima in corrispondenza delle sue parti intime. Vi sono diversi livelli di gravità nell'ambito di questo reato, che consistono nell’effettivo punto di contatto della mano dell’aggressore: ad esempio al di sopra o all’interno della biancheria intima. Le vittime, come già detto per la maggioranza ragazze, sono estremamente restie a reagire all’aggressione: questo deriva innanzitutto dalle peculiarità del carattere e dell’educazione dell’individuo giapponese che, per la maggioranza degli individui, consiste nel cercare di emergere dalla massa il meno possibile: denunciare e reagire ad un aggressore all’interno di un treno super-affollato significa non solo esporsi ad un rischio personale nei confronti dell’aggressore, ma anche nel mettersi figurativamente su un palcoscenico molto scomodo. Le compagnie ferroviarie giapponesi, per porre rimedio al dilagare di questi fenomeni, sin dal 1912 hanno introdotto i 女性専用車両 (josei sen'yō sharyō – Vagoni per sole donne), chiamati in precedenza 花電車 (hana densha – flower trains): la JR se n’è accorta più tardi, iniziando solo nel 2001. Queste carrozze speciali sono riservate alle donne e sono in servizio principalmente nell ore di punta, quindi dall'inizio del servizio fino alle 9:00 circa, la mattina, e dalle 17:00 alle 21:00 circa, la sera. L’estremo affollamento dei treni, però, rende un posto su queste carrozze merce rara, e il rimedio lungi dall’essere efficace. Il governo allora è corso ai ripari, facendo in modo che fosse proprio la mentalità, soprattutto delle forze di polizia e dei giudici, a cambiare: per questo attualmente vi è un estremo accanimento da parte di queste istituzioni, nei confronti degli aggressori e dei presunti aggressori, e la testimonianza di una vittima o presunta tale è considerata alla stregua di prova determinante per l’accusa, vista anche l’impossibilità nella maggior parte dei casi di rintracciare prove certe dell’aggressione. Questo sitema malato ha portato a delle aberrazioni impressionanti: è di pochi giorni fa la notizia dell'arresto di una coppia, ad Osaka, che nelle ore di punta stazionava nei treni: lei accusava un malcapitato di palpeggiamento, e lui nelle vicinanze la supportava proponendosi come testimone: il malcapitato, conoscendo la pessima situazione del sistema dal quale stava per venire giudicato, accettava di buon grado la proposta di un ritiro della denuncia in cambio di un’ingente somma di denaro. Questo genere di atti criminosi si sta moltiplicando in maniera preoccupante.

Il sistema giudiziario Giapponese: Parlare in generale del sistema giudiziario Giapponese sarebbe fuori tema e abbastanza noioso, ma è utile puntualizzare alcuni aspetti connessi al film: innanzitutto, come in tutti i paesi dell’estremo oriente, sia la giustizia che la forza di polizia sono mal informati sul concetto di “diritti umani”. In giappone in particolare, la polizia è molto violenta e corrotta, un poliziotto è una delle persone meno affidabili che si possa trovare, a detta degli stessi giapponesi. All’atto della scoperta un crimine si mette in moto un meccanismo che porta all’immediata cattura del presunto aggressore: il presunto colpevole viene imprigionato nella più vicina stazione di polizia che funziona anche come vero e proprio luogo di detenzione. Questa carcerazione preventiva si chiama 代用監獄 (Daiyō Kangoku), e si può protrarre fino a 23 giorni. Durante questo periodo, il presunto colpevole viene tenuto in uno stato di detenzione militaresca all’interno di celle piccolissime e sovraffollate. La polizia può effettuare interrogatori dalla durata illimitata, senza che l’interrogato possa avere l’assistenza di un avvocato e senza che tali sedute siano verbalizzate e registrate. Durante questi interrogatori, la polizia ha un solo intento: quello di convincere l’accusato a confessare. Lo spirito degli investigatori infatti è quello di evitare al dipartimento la figuraccia di ammettere un’incarcerazione ingiusta e quindi di ammettere un errore. Gli interrogatori sono spesso violenti e si ha notizia di torture effettuate in queste occasioni. L’incarcerazione preventiva, se l’accusato non confessa, si trasforma in incriminazione: la maggior parte dei procuratori infatti prende il risultato delle indagini svolte dalla polizia (sempre a sfavore dell’accusato) come prova fondamentale e, per lo stesso motivo citato prima, si guarda bene dal mettere la polizia nella condizione di scusarsi per un’incarcerazione ingiusta. La palla passa al giudice, che si pronuncia per la colpevolezza nel 99,9% dei casi, sempre per guardarsi bene dal far fare una figuraccia alla polizia ed al procuratore, e per risparmiare il sistema giudiziario della noia di un sicuro ricorso in appello da parte dell’accusatoLe reazioni: Questa situazione negli ultimi tempi è venuta alla luce a livello internazionale grazie a due avvenimenti: l’incarcerazione ingiusta del giornalista svedese Per Bodner, e il convegno organizzato dal 日本弁護士連合会(Nihon Bengoshi Rengōkai – Ordine degli avvocati Giapponese o JFBA), in seguito alla denuncia sporta in data 18 maggio 2007 dal CAT (Committee Against Torture), una delle sette istituzioni ONU a difesa dei diritti umani. Il primo fatto, la storia del povero giornalista svedese, ha portato la stampa internazionale ad occuparsi della faccenda, soprattutto perché uno dei suoi avvocati difensori era il nostro connazionale Pio D’Emilia, corrispondente dal Giappone per varie testate, nonché avvocato e vicepresidente dell’associazione della stampa estera a Tokyo (qui il racconto della vicenda e qui il il racconto di Pio D'Emilia). Il secondo avvenimento ha visto, in data 15 dicembre 2007 la proiezione di questo stesso film qui presentato, ed un successivo dibattito (foto e foto).

Il film: E’ un film lungo, privo di qualsiasi particolarità scenografica o fotografica, quasi come fosse un documentario, ed è pieno zeppo di dialoghi: quasi 2000 sottotitoli per due ore e venti minuti di durata, e molti di questi sono abbastanza lunghi a causa di dialoghi che sembrano lezioni universitarie. La storia è fittizia ma rispecchia fedelmente la realtà. Le riprese in stazione sono state effettuate presso la 府中駅 (Fuchū-eki - Stazione di Fuchu), a Tokyo, con la gentile concessione della Keio che ha prestato uno dei suoi treni, cammuffato come un convoglio della fittizia compagnia ferroviaria Jyohoku; i nomi di stazione stessi sono fittizi. Non si può dare un merito particolare al film né agli attori, ma è assolutamente da premiare il CORAGGIO di aver portato alla luce le falle di un sistema malato e corrotto. E’ importante che tutti sappiano cosa sta succedendo in Giappone, sotto questo punto di vista.

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L'angolo linguistico: Anche se (specialmente sui treni) il più delle volte il reato consiste effettivamente nel palpeggiamento, originariamente il termine chikan non indica quell'atto bensì l'uomo che "compie atti indecenti/osceni nei confronti di una donna". In senso più lato, il vocabolo indica un "uomo stupido", infatti il primo kanji può anche essere letto come oroka di "stupido, sciocco" e il secondo ha, tra i vari significati, anche l'accezione di "uomo" nel senso di otoko,maschio. (by niachan)

ト二ー滝谷 (Tony Takitani)

2008-09-28T23:00:00.000+02:00

Il titolo non mi aveva mai ispirato, e devo dire che proprio non avevo voglia di vederlo, ma quel giorno avevo poco tempo a disposizione, e Tony Takitani era il film adatto a quel lasso di tempo, avendo una durata di solo un'ora e 15 minuti.

Il film parla di un signore che si chiama appunto Tony Takitani, figlio di Shozaburo Takitani. La parte iniziale è dedicata totalmente a Shozaburo, un suonatore di trombone jazz, imprigionato durante la guerra dagli americani. Dopo la fine della guerra Shozaburo, torna a casa e sposa una donna, che dopo poco tempo gli da un figlio. La scelta del nome cade su Tony, un nome americano, in onore del cambiamento dei tempi al quale il Giappone si prepara. Tony, cresce da solo: la madre muore subito dopo il parto e il padre passa la vita tra un concerto jazz e l'altro. La sua solitudine lo rende introverso ed indipendente, e lo accompagna fino all'età adulta. La sua spiccata propensione verso il disegno e la decorazione lo fanno crescere lavorativamente, ma rimane, come una maledizione, la sua solitudine, nonostante un buon stipendio e un buon tenore di vita. Un giorno Tony, selezionando delle collaboratrici, conosce Eiko. Scatta il colpo di fulmine, e dopo un certo periodo di incertezza anche la ragazza cede. La loro vita è perfetta, la loro casa è perfetta, il lavoro va benissimo, ma Eiko ha un solo difetto: non riesce a trattenersi dal comprare vestiti.

Tony takitani è un film sensorialmente bellissimo: le inquadrature sono meccanizzate su rotaia, e la macchina da presa scorre per le stanze, i paesaggi, le situazioni, sempre di lato, come se si assistesse a delle piccole scenette che terminano quando l'inquadratura raggiunge il muro, per poi cambiare su un'altra situazione. L'intero film è virato in un colore desaturato che affascina. Una voce narrante fuori campo accompagna le scene, e qui accade una cosa per me bellissima: i personaggi interrompono la voce narrrante per continuare a dire ciò di cui parlava, in un tutt'uno narrativo. Ad esempio: in una scena in cui Tony ed Eiko mangiano assieme, la voce parla del loro rapporto e del fatto che Tony era così stupito da questa improvvisa mancanza di solitudine, nella sua vita, che era terrorizzato al pensiero di rimanere di nuovo solo, e dice "a volte quando lo immaginava..." e s'interrompe perchè Tony, prende la parola, pur essendo in un contesto slegato da questo, e dice "mi spaventa talmente tanto che sudo freddo" e ricomincia a fare quello che prima faceva. Geniale. La musica, bellissima, è di Ryuichi Sakamoto, un compositore famosissimo in Giappone e in occidente. Se proprio vogliamo trovare un difetto, la parte introduttiva sul padre di Tony è troppo lunga e devia l'attenzione su argomenti che poi, col film, poco c'entrano. Un film metaforico e misterioso, duro e struggente.

ト二ー滝谷 (Tonii Takitani - Tony Takitani)

Giappone, 2004, regia Jun Ichikawa

フラガール (Hula Girls)

2008-09-28T22:58:00.000+02:00

Quando mi sono deciso a vedere questo film, ero preparato ad assistere ad una roccambolesca commediola di ragazzine e donne che tentano di imparare a ballare la danza Hawaiiana: era notte e la mia collega Stefania voleva vedere un film divertente. Già dopo mezz'ora di film ci siamo resi entrambi conto del fatto che Hula Girls era tutt'altro che un filmetto, e cercavamo di nascondere la commozione dietro finte pose di stanchezza o finti improvvisi raffreddori...

Siamo a いわき(Iwaki), nella 福島県(Fukushima-ken - prefettura di Fukushima), nella parte sud della 東北地方(Tōhoku-chihō - Regione de Tohoku), anno 1965. Iwaki è una cittadina mineraria che vive secondo i turni di lavoro dei minatori di carbone, e della misera ricchezza che essi guadagnano. Nelle province vicine ormai le miniere stanno chiudendo e gli operai vengono licenziati. La disperazione per la mancanza di prospettive per il futuro porta la 常磐興産株式会社(Jōban-Kōsan), padrona della miniera, a elaborare un piano di rinascita per la città che possa fare a meno dell'estrazione del carbone: sfruttare e convogliare le numerose sorgenti vulcaniche per costruire un mega villaggio-resort in stile Hawaiiano. L'idea piace poco ai tradizionalissimi abitanti di Iwaki, ma affascina subito Sanae e Kimiko (Yu Aoi), che sono le prime iscritte al corso di Hula, o danza Hawaiiana. La Joban porta poi ad Iwaki la turbolenta ballerina professionista Madoka Hirayama, interpretata da Yasuko Matsuyuki, che a modo suo porterà scompiglio e cambiamento nella laboriosa Iwaki che dolorosamente si avvierà verso il suo futuro.

La Joban e i cittadini di Iwaki, e lo posso dire senza essere spoiler, hanno costruito per davvero, negli anni '60 in più grande resort-spa-centro benessere e di villeggiatura in stile Hawaiiano di tutto il Giappone, e considerato che i Giapponesi sono assolutamente fissati con le Hawaii, ha avuto un successo clamoroso: si chiama "Spa Resort Hawaiians", e vedere la maestosità di questa struttura rende la visione di questo film ancora più emozionante. Ciò che più mi ha colpito è il fortissimo messaggio femminista: una cosa mai vista in un film Giapponese, è proprio vero che i tempi sono maturi per un cambiamento in Giappone. vi sono delle scene che per ovvi motivi non posso descrivere, ma minano nel profondo il concetto, ora antiquato nelle grandi metropoli ma sempre vivo nelle campagne e nei piccoli centri, della donna giapponese subalterna al volere dell'uomo e della comunità. Per questo il film piace ai Giapponesi e soprattutto ALLE Giapponesi, perchè fa sentire liberi di poter fare ciò che si vuole della propria vita. Devo assolutamente spendere una parola per Yasuko Matsuyuki, 36 anni, una donna veramente bellissima che, nonostante interpreti un personaggio rozzo e scapestrato come l'insegnante di ballo Hawaiiano, è per me l'emblema della vera bellezza Giapponese: una donna che riluce di infinita classe ed eleganza. Yu Aoi poi è una sicurezza: dopo aver cominciato come musa bambina del bravissimo regista Shunji Iwai, è ora lanciata verso una carriera sfavillante, non c'è festival che non la veda vincitrice. Solo per questo film la Aoi ha vinto 4 premi in quattro diversi concorsi come miglior attrice; il film ha vinto poi 5 Oscar Giapponesi tra cui miglior film, ha spopolato in tutti i festival più importanti tra cui Yokohama, e si accinge ad essere il competitor Giapponese per gli Academy Awards, come miglior film straniero. Da vedere per forza.

フラガール (Fura Gaaru - Hula Girls)

Giappone, 2006 - regia Sang-Il Lee

ごめん (Scusami)

2008-09-28T22:55:00.000+02:00

Vuol dire scusa, detto in maniera informale, senò sarebbe ごめんなさい(Gomen-nasai): ovvero il vizio dei Giapponesi di chiedere sempre scusa, a volte perchè pensano di aver fatto qualcosa di cui valga la pena di scusarsi, altre volte per suscitare compassione nell'interlocutore per avere clemenza per ciò che hanno fatto o pensano di aver fatto, altre volte ancora per far sentire l'interlocutore una merda per ciò che magari egli stesso ha fatto e per cui non ha chiesto scusa e avrebbe dovuto farlo. Devo dire che questa scuola di Gomen è servita almeno a me che, adesso, quando faccio qualcosa per cui ce n'è bisogno, chiedo sempre scusa: il bello è che i Giapponesi quando sentono questa parola ti scusano veramente, gli Italiani no!! Per questo in Giappone "Gomen" è una parola importante!! Finito il momento del cabaret parliamo di questo film, un'autentica inaspettata sorpresa.

Siamo a Osaka, Sei ha 12 anni, frequenta la sesta elementare, sempre la solita vita tra scuola e casa, compagni scemi e ragazze che hanno tutto tranne l'apparenza di ragazze, a parte la divisa. Un giorno, mentre Sei legge in classe, ha un'improvvisa erezione com incontrollata fuoriuscita di "succo" (tenete a mente questa parola...). Sei scappa in bagno spaventato e si accorge che quella "cosa" è una cosa che non ha mai visto. La derisione in classe per fortuna, pur essendo alta e fragorosa, si concentra sull'ipotesi di una improvvisa diarrea. Il ragazzo cerca di nascondere le tracce del disastro combinato nelle sue mutante, ingenuamente nascondendole sotto il letto, ma la mamma estremamente impicciona se ne accorge e ne fa una festa nazionale: "Il nostro Sei è diventato adulto, gli è uscito il succo!!" (non mi stupisce una tale divertente sfacciataggine da una mamma del Kansai...). Conseguente faccia di pietra di Sei e terribile disorientamento. La vita va avanti e un giorno, come ogni settimana, Sei prende il treno per andare a Kyoto a trovare i nonni (Kyoto e Osaka sono ormai estremamente vicine, un solo continuo paesaggio urbano, solo mezz'ora di treno). Prima della solita partita a scacchi il nonno manda Sei a comprare delle cose in una bottega, e lì mentre aspetta di essere servito rimane folgorato da una ragazza. Sente allora che non è solo un cambiamento fisiologico, il suo, ma questo calore che l'avvolge va ben oltre il fisico. Armato di sfacciato e maldestro coraggio Sei si lancia alla carica per conquistare Nao, più grande di lui e già alle scuole medie...

I sobborghi di Kyoto sanno essere diversi dalla città turistica quale è famosa di essere: io a Kyoto ho visto solo rumore, "un pò di sporcizia", puzza negli autobus e squallore: Mi prometto la prossima volta (se ci sarà a Kyoto) di visitare solo i sobborghi oltre la mia amata Arashiyama: Da Osaka non ci si può aspettare altro che l'allegria e l'apparente gioia di vivere e l'armonia degli indigeni del Kansai, davvero da approfondire questo aspetto!! Il capodanno e la rottura del Mochi, le cerimonie di fine anno a scuola con gli incontri di Kendo, gli scacchi con il nonno, la bici, sensazioni di una vita perfetta da bambino, e Sei si avvia a crescere protetto da queste solide mura: questa è la sensazione di tranquillità che mi ha trasmesso questo film. Per una volta nessuno muore, forse perchè quelli del Kansai sono meno tragici e più ottimisti della zona di Edo, se di ottimismo si può parlare, per i Giapponesi. Grazie a Shin Togashi per la ventata di ottimismo, da parte mia e dei Giapponesi. I bravissimi Masahiro Hisano e Yukika Sakuratani, per questa performance hanno vinto il Festival Prize come migliori attori emergenti al Yokohama Film Festival. Io, Weltall e Deiv abbiamo già deciso di emulare il Giro Del Kansai con bicicletta da donna, da Osaka a Kyoto, e con armatura di Kendo!!

ごめん (Gomen - Scusami)

Giappone, 2002 - regia Shin Togashi

ラブ&ポッパ (Love & Pop) e 援助交際( Enjo-kōsai)

2008-09-28T22:51:00.000+02:00

Mi sono chiesto tantissime volte perchè nessun regista o sceneggiatore Giapponese avesse mai fatto o per lo meno proposto di fare un film sul fenomeno 援助交際(Enjo-kōsai), cioè letteralmente tradotto "appuntamento a pagamento", e più chiaramente parlando la prostituzione minorile in Giappone. 岩井俊二(Iwai Shunji) l'aveva fatto nel 2000 col bellissimo リリイシュシュのすべて(Riri Shu Shu No Subete - All About Lily Chou Chou) includendolo però come fenomeno indotto di un assai più vasto fenomeno chiamato いじめ(Ijime), cioè il bullismo Giapponese. Mi sono avvicinato a questo film inizialmente con l'interesse di come potesse il regista Hideaki Anno lavorare sulla pellicola, visti i fenomenali risultati nell'animazione del celeberrimo anime 新世紀エヴァンゲリオン(Shin Seiki Evangerion - Neon Genesis Evangelion). Subito dopo aver recuperato il film ho dato un'occhiata a qualche scena per verificare che i sottotitoli fossero sincronizzati, e ho visto una lunga inquadratura fatta da dentro la gonna di una ragazza in divisa scolastica, si intendo proprio da quel punto!! Ho proposto il film al cineclub di Weltall e mio fratello Deiv ha addirittura scalpitato per vederlo. Dopo la visione integrale rimane una sensazione migliore riguardo l'援助交際(Enjo-kōsai) di quella che potevo avere in precedenza, ma penso sia stato frutto di una suggestione. Mi spiego: Il film di Anno è stato girato nel 1998, in una Shibuya consumisticamente già scatenata ma ancora telecomunicativamente acerba attenua come una sordina gli effetti disastrosi che la pratica dei servizi テレクラ(Terekura) e degli 援助交際(Enjo-kōsai) stanno imprimendo sulla gioventù odierna; quando Shibuya era un cantiere, il Q-Front era solo la scritta su un recinto di lavori in corso e i cellulari erano, anche in Giappone, cosa per pochi.

Basato sul racconto トパーズ2(Topaz 2) di 村上龍(Murakami Ryū), peraltro autore di storie del calibro di オーディション(Ōdishon - Audition) poi reso in pellicola da 崇史三池(Takashi Miike), Love & Pop parla delle vicende di Hiromi Yoshii, una diciassettenne liceale di Tokyo e delle sue amiche. La giornata inizia con una colazione in casa tra i trenini del padre di Hiromi, fissato di modellismo ferroviario, sua sorella scontenta della vita e sua madre impicciona. Hiromi pianifica di andare a Shibuya per comprare un costume da bagno da utilizzare nella pausa estiva. Shibuya attira lei e le amiche in una maniera morbosamente magnetica, e allo stesso modo lo fanno le avances dei サラリーマン(Sararīman - Salaryman) di mezz'età che le avvicinano per un appuntamento ricompensato: basta che indossino la divisa, per la divisa si paga doppio, e che siano carine. Le amiche di Hiromi sono solite a questo tipo di appuntamenti, insomma sono delle innocue cene in compagnia di qualche sfigato e si mangia pure gratis, per non parlare della possibilità di avere sempre denaro pronto per acquistare l'accessorio di ultimo grido. Una di loro arriva all'appuntamento con un cellulare: gliel'ha prestato un tipo, che sospettano essere gay, e ha chiesto loro il favore di far lasciare a lei e alle sue amiche più messaggi possibile. Le ragazze pensano sia per permettere al tipo gay di attirare più uomini possibile, e stanno al gioco, lasciando ognuna un messaggio. Il cellulare è connesso ad un servizio di テレクラ(Terekura) che mette in comunicazione coloro che cercano un appuntamento e coloro che lo offrono. Le ragazze entrano verso metà mattina in un centro commerciale, e Hiromi, fermatasi davanti ad una gioielleria rimane folgorata da un anello con un Topazio incastonato: prezzo: 128000 yen (al cambio di oggi 810 euro). Le amiche organizzano per lei un 援助交際(Enjo-kōsai) di gruppo con un サラリーマン(Sararīman - Salaryman) che offriva 50000 yen per un incontro con due ragazze: loro gliene chiedono 100000 per quattro ragazze. Alla fine dell'incontro Hiromi rifiuta i soldi per il sentimento di gratitudine nei confronti delle amiche (diciamo anche che i Giapponesi odiano avere debiti di qualunque genere...) e decide di guadagnare da sola i soldi rimanenti. Una carrellata di sfigati maiali l'aspetta, fino a quando conoscerà Captain XX, vero deus ex Machina del film.

Sperimentazione è la chiave visiva di questo film, dove ogni inquadratura è cinematograficamente inedita o quasi, e il regista piazza macchine da presa un mezzo alle gambe di giovani ragazze come dentro forni a microonde o modelli di treni elettrici. Tralasciando una sola inquadratura fastidiosa, il fil è gradevolissimo ed interessante, ed è una gioia vedere i luoghi conosciuti nella realtà, come il canale dei titoli di coda che ho fortuitamente ed inconsapevolmente fotografato quando ero lì, nella strada tra Ebisu e Shibuya!!

Come detto prima, una Shibuya consumisticamente già scatenata ma ancora telecomunicativamente acerba attenua come una sordina gli effetti disastrosi che la pratica dei servizi テレクラ(Terekura) e degli 援助交際(Enjo-kōsai) stanno imprimendo sulla gioventù odierna. Un sondaggio del 1998, anno del film, rivelava che il 10% delle ragazze intervistate lo praticava. Considerando la graduale distensione dei costumi in Giappone, derivata anche dalla muta e dirompente "rivolta" delle generazioni più giovani, la percentuale dovrebbe essere ora più alta, considerando che TUTTI hanno un cellulare, che i cellulari in Giappone sono connessi alla rete sempre e ovunque e considerando che il consumismo non ha mai interrotto la sua crescita esponenziale. L'inconsapevolezza delle ragazze interessate al fenomeno, che assai scaltramente sfruttano il loro status altamente erotico in Giappone di "studentesse delle scuole superiori in divisa scolastica", non è arginata dalle istituzioni che non hanno mai emesso una legge seria a riguardo nè hanno mai attuato un serio controllo nei servizi di messaggeria telefonica テレクラ(Terekura): come se questo obbrobbrioso fenomeno facesse comodo sia agli adulti che lo sfruttano, sia alle ragazzine che ci guadagnano. Quando ero a Tokyo, ricordo di aver visto in un lounge bar in cima ad un grattacielo di Shiodome, un signore di mezz'età che cenava con una ragazzina in divisa, che avrà avuto all'incirca 16 anni: era sera tardi, e se fosse stata la figlia avrebbe volentieri messo via la divisa per un abbigliamento più informale, e poi i modi della ragazzina erano così sfacciati e bruschi che mai avrebbe osato sfoggiarli davanti al padre: era un 援助交際(Enjo-kōsai), quella bambina guadagnava del denaro in quel momento. Questo è uno degli aspetti che meno riesco a capire del Giappone, ed è così radicato nella cultura e nel senso comune di chiunque che è quasi considerato normale.

Voglio tornare a Captain XX, interpretato da 忠信浅野(Tadanobu Asano), che dice alla protagonista, e con queste parole, io che non c'entro un cazzo con la gioventù Giapponese vorrei parlare a tutte le ragazze che lo fanno:

Tu sei nuda e io sono vestito

Non farlo

Non spogliarti per un estraneo

Tutti hanno almeno una persona che tiene a loro. Mi senti?

C'è qualcuno che è in pena e soffre per te

Soffre da morire per te

Come credi si senta se la sua amata ragazza si spoglia per un altro tizio? Eh?

Non ne hai la minima idea

Tu credi che nessuno tenga a te, quando sei nuda

Giusto?

Sbagliato! Qualcuno sta male di brutto mentre tu sei nuda per qualcun altro

Smettila di stronzeggiare

Non buttarti via, vali molto più di questo.

ラブ&ポッパ (Rabu & Poppa - Love & Pop)

Giappone, 1998 - regia Hideaki Anno

ヒノキオ(Hinokio: Intergalactic Love)

2008-09-28T22:49:00.001+02:00

Satoru apre gli occhi, tutto è sfumato, le ferite sul suo viso bruciano e tutt'intorno è bianco, sono tutti vestiti di bianco e sono tutti attorno a sua madre, Sayuri, sdraiata in una barella accanto alla sua, inanime. Gli uomini bianchi si accalcano intorno lei e i macchinari attorno a lei gracchiano di suoni d'allarme. Gli uomini in bianco si arrendono, staccano le macchine, e separano i due con una tenda bianca. Sarà l'ultima volta che Satoru vedrà sua madre. Satoru rimane solo con suo padre, Kaoru, un ingegnere robotico. Satoru non cammina più, non riesce più ad uscire di casa, non parla più con suo padre. Kaoru allora costruisce un robot, il modello "603", e costruisce in camera di Satoru una postazione dalla quale il bambino può controllare il robot. Satoru comincia la sua riabilitazione al mondo esterno, rivivendo il mondo attraverso gli occhi del suo robot, e frequenta la scuola elementare che sperimentalmente ha consentito l'accesso a tecnologie come questa. Una realtà virtuale che si capovolge, in questo caso, diventando una "virtualità reale": non è Satoru ad esplorare un mondo nuovo, ma è il "nuovo", un robot, ad esplorare il solito vecchio mondo per lui. Hinokio è composto di leghe di titanio, plastica, e per alleggerire il peso totale, legno di cipresso Hinoki, da qui il soprannome che gli hanno da subito assegnato i compagni di scuola. Le cose non sono subito facili per Hinokio, la scuola giapponese non è un ambiente facile da vivere per nessuno, tantomeno per un robot, ma gli sceneggiatori sono stati abbastanza clementi nei suoi confronti, e per fortuna sua, Hinokio possiede abilità che vanno ben oltre l'immaginazione di tutti coloro che gli stanno attorno. Tra i compagni di scuola di Satoru, poi sta andando di moda un videogioco segreto, Purgatory, al quale si può accedere da porte nascoste in altri videogiochi. Satoru, durante le pause dalla sua navigazione "reale" cerca di accedere a Purgatory, come fanno i suoi compagni. Ci riesce in una manera inaspettata, e poco a poco si accorge che il videogioco è collegato alla realtà. Gli eventi porteranno Satoru e i suoi amici ad una nuova consapevolezza della realtà, con l'aiuto della realtà virtuale che continuano ad inseguire. Per una volta la tecnologia non è alienante, ma è integrante, per chi non è in grado di affrontare il mondo con le proprie forze.

Takahiko Akiyama, il regista, esplora questo mondo in bilico tra realtà e finzione virtuale con gli occhi di un bambino, la storia è fantastica ed è capace di far sognare chiunque e riportare chiunque a quelle sensazioni che si provano solo quando si è bambini. Hinokio è mirabilmente riprodotto con la computer grafica e interagisce in maniera incredibilente realistica col mondo attorno a lui. Un film bellissimo che lascia una sensazione incredibilmente piacevole.

ヒノキオ(Hinokio: Intergalactic Love)

Giappone, 2005 - regia Takahiko Akiyama

青の炎(La Luce Blu)

2008-09-28T22:46:00.001+02:00

In una non precisata cittadina costiera del Giappone (avrei detto Kamakura, ma in alcuni punti il terreno è troppo ripido..) vive Shuuichi, un ragazzo che come gli altri va a scuola, fa a volte il timido e a volte lo sbruffone-timido-molesto-giapponese con le ragazze, vive nel garage di casa attrezzato come un rifugio antiatomico, a prova della sua chiusura nei confronti del mondo, ed è appassionato di biciclette, ma che dico "biciclette", biciclette da corsa! Shuuichi ha perso il padre quando era piccolo, la madre si era risposata con un altro uomo dal quale aveva divorziato a causa della sua violenza e sregolatezza, ma ora quest'uomo, Ryuji Sone, è tornato a casa per stabilirsi, e la madre non ha fatto nulla per impedirlo. Shuuichi vive la situazione con tale pena e rabbia, che da settimane porta avanti un piano: liberarsi di Sone.

Ci sono tanti film che parlano di omicidi, tanti film che raccontano come si pianificano, raccontano delle conseguenze, ma questa volta ho visto qualcosa di diverso: Entrare nella mente di Shuichi, in quello che vive ogni giorno, vedere che nella sua mente l’unica drastica soluzione sia l’omicidio è un’esperienza abbastanza diversa dal solito, anche perché chiunque di noi sa che l’omicidio non è mai la soluzione giusta per nessun problema, ma sappiamo che la disperazione è una brutta bestia con la quale convivere. E Shuuichi è un ragazzo spinto dalla disperazione. E la cosa che più mi ha pesato di questo film è stata il dover per forza assistere all’inevitabile parabola discendente di una vittima, dove disperazione genera disperazione come una palla di neve cade da una montagna ingrandendosi sempre di più, e anche il più perfetto dei crimini ha crepe talmente profonde nella sua struttura da minarne la solidità, prima o poi. Anche se il ritmo blando di questo film ucciderebbe qualsiasi copione, e la recitazione di Kazunari Ninomiya nel ruolo di Shuuichi e degli altri lascia parecchio a desiderare, e anche se il finale poi non è completamente scontato ma quasi, la storia è imperdibile. Il film avrebbe tanti spunti di discussione, ma parlarne significherebbe essere uno spoiler, quindi guardatelo e poi si discute! Yukio Ninagawa alla regia, Anne Suzuki (Hana di "Hana and Alice" di Shunji Iwai) nel ruolo della sorella di Shuuichi, e la carinissima Aya Matsuura nel ruolo della sua ragazza, alla quale non si avvicina mai a meno di un metro di distanza.

青の炎(Ao No Honou - La Luce Blu)

Giappone, 2003 - regia Yukio Ninagawa

誰も知らない (Nobody Knows)

2008-09-28T22:41:00.000+02:00

La scorsa notte ero a lavoro per coprire un turno N, dalle 22 alle 6. Avevo il computer pronto per la visione di uno dei tanti film che ancora aspettano di essere visti, quando una mia collega mi si è avvicinata dicendo che voleva farmi compagnia nella visione. Considerato che, vista la mia passione per il cinema asiatico e visto che i film che ancora devo vedere sono estremamente particolari, ho pensato di rivedere assieme a lei uno dei film giapponesi che mi ha più colpito per bellezza, tristezza e particolarità: 誰も知らない (Dare mo shiranai), che tradotto in italiano vuol dire "nessuno sa". Finito di girare nel 2004 da Hirokazu Koreeda, tratta in maniera assai meno cruenta degli avvenimenti meglio noti in Giappone come 巣鴨子供置き去り事件(sugamo kodomo okisari jiken), cioè "L'incidente dei bambini abbandonati di Sugamo". Potete leggere il report su quegli avvenimenti qui. I fatti avvennero a 西巣鴨(Nishi-Sugamo - Sugamo ovest, Tokyo) tra il 1987 e il 1988. Nella versione romanzata da Koreeda questi sono gli avvenimenti: Keiko Fukushima, una giovane donna, trova una nuova casa in un nuovo quartiere a Tokyo, assieme a lei il piccolo Akira, di 12 anni. Dopo aver espletato le formalità di rito con i padroni di casa, il signor Yoshinaga e la giovane moglie Eriko, i due danno inizio al trasloco portando nel nuovo appartamento le loro cose, tra cui due grandi trolley. Completate le operazioni e salutati gli operai, i due trolley cominciano a muoversi da soli. L'allegria di Keiko e Akira nel vederli stupisce, e stupisce conoscerne il contenuto: sono i due fratellini minori di Akira: Shigeru e Yuki. La mamma un pò spiantata li ha trasportati in segreto per riuscire a trovare una casa che fosse nelle sue possibilità finanziarie. Alla stazione intanto attende un'altra sorella, Kyoko. Riunita la famiglia dopo il roccambolesco trasloco, Keiko ricorda ai figli le regole: niente chiasso, nessuno può uscire di casa se non Akira, il più grande e il responsabile delle faccende domestiche. Visto che la lavatrice si trova sul balcone, Kyoko, la seconda per età ed addetta al lavaggio della biancheria devo per forza sgattaiolare fuori in balcone. Keiko va avanti così da anni per evitare che i quattro bambini siano separati dai servizi sociali, e addirittura non li manda a scuola. Passano i giorni e Keiko si vede sempre meno a casa, sempre presa da impegni "mondani", uomini e locali notturni. Torna sempre più tardi a casa, spesso puzzolente di alcool, e a volte non torna proprio. La donna ha una storia con un uomo, al quale però non fa menzione dei quattro figli, avuti peraltro da quattro uomini diversi. Dopo un'assenza da casa durata un mese, Keiko torna, e poi riparte per non tornare mai più. Akira all'inizio tiene le redini della situazione abbastanza bene, riesce a pagare le bollette, a nutrire i quattro fratelli, ma ben presto i soldi finiscono, vengono tagliate energia elettrica e gas, poi anche l'acqua. Arriverà presto una terribile e sconcertante conclusione.

La bellezza di questo film sta nella spontaneità: gli attori sono bambini piccoli che recitano dannatamente bene. Il genio di Koreeda sta nel riuscire a filtrare gli avvenimenti attraverso i loro occhi immaturi, e la casa-prigione si trasforma in un mondo fatto di mille possibilità, tanti scorci e dettagli. Gli avvisi di interruzione dell'acqua sono fogli per disegnare, e le piccole cose sono grandi gioie, ma anche la nostalgia di chi ti accudisce, la solitudine straziante e il ricordo di chi ami che rimane nei suoi vestiti, in una macchia sul pavimento. Vien quasi da piangere quando, il giorno del compleanno della più piccola, Yuki, Akira decide di farla uscire di casa: una cosa normalissima diventa un evento straordinario, e ogni luce là fuori, ogni negozio, sono una novità. E' il mondo dei bambini, quando i tuoi genitori tornano a casa e tu fai finta di dormire, disegni fiori sui vetri appannati, consumi i pastelli fino a che non stanno più nelle dita. Colpisce l'estrema maturità di Akira, che per amore dei fratelli arriva a fingere che la madre abbia spedito i regali per capodanno, centellinando le poche migliaia di Yen rimaste per regalarle a loro; è struggente Kyoko, che rinuncia ai suoi risparmi per comprare un pianoforte per il bene della famiglia. Un film da guardare attentamente, per immergersi piano piano in quella discreta magia fanciullesca fatta di inconsapevolezza, la stessa che rende meno difficile la sopportazione del finale. Koreeda ha girato il film in quattro blocchi, avendo la possibilità di rendere tangibili le variazioni fisiologiche del corpo dei bambini, che nel film crescono, e con loro i capelli, i tratti somatici che diventano adolescenziali. Una denuncia velata alla disattenzione società Giapponese nei confronti del prossimo: in Italia il segreto sarebbe saltato fuori in un mese, vuoi per l'indiscrezione delle casalinghe verso il vicinato, vuoi per gli interessi di un padrone di casa che non riceve l'affitto per mesi e mesi. Se avete la possibilità, consiglio veramente la visione di questo film, che pur essendo stato premiato a Cannes anche con il riconoscimento di miglior attore a Yûya Yagira, un bambino alla sua prima esperienza, non arriverà mai in Italia.

誰も知らない (Dare Mo Shiranai - Nobody Knows)

Giappone, 2006 - regia Hirokazu Koreeda

ラフ (Rough)

2008-09-28T22:33:00.000+02:00

Finalmente sono riuscito a vedere Rough, Complice un barbosissimo turno notturno a lavoro. Rough è il secondo film della prodotto dalla Toho tratto da un manga di successo, come prima di esso Touch. Elemento portante del film è manco a dirlo la ormai superstar Masami Nagasawa, cresciuta con amore dalla casa produttrice che l’ha fatta diventare, secondo i sondaggi, la moglie ideale del Giapponese medio: donna per modo di dire, visto che Masami è nata nel 1987, ha solo 20 anni (Questo a dimostrare quanto siano precoci le Giapponesi a crescere ma soprattutto ad arrivare al successo, in una società dove la giovinezza è un mito che da potere e possibilità, e una caratteristica da preservare con sforzi estremamente gravosi).

La storia parla di un ragazzo che si chiama Keisuke Yamato, atleta nella squadra di nuoto della scuola e eterno fallito, tanto che il suo soprannome storico è "Baccalito", fusione di Baccalà e fallito. Siamo all’ennesima gara e Keisuke come al solito ascolta musica d’epoca dal walkman a cassetta del nonno e gioca al rompicapo vocale giapponese delle sillabe. L’ultima parola che gli esce, prima che venga dato lo start è "pesce volante", e mentre lo pronuncia si gira verso un minacciosissimo avversario vestito di un costume a pelle di squalo nero tipo impero Star Wars. Il minacciosissimo avversario, al secolo Hiroki Nakanishi, primo anno di università, lo straccia migliorando pure il record del Giappone per i 100 metri stile libero. In tribuna Ami Ninomiya, interpretata dalla Nagasawa, tifa impazzita per l’eroe Nakanishi. Sembra il tripudio per il primatista quando a Keisuke parte un tendine o qualcosa del genere, e getta un urlo ammutolendo il palazzetto. Il suo sforzo di raggiungere lo stesso, nonostante l‘infortunio il traguardo distrae la folla dalla mirabile impresa del nero Nakanishi, e per questo Ami, supertifosa e amica intima dello stesso, si arrabbia a morte con Keisuke. La rabbia della ragazza nei confronti di Keisuke arriva però da molto lontano, le famiglie Yamato e Ninomiya infatti sono state in guerra in passato in quanto entrambe produttrici di dolci, Yamato l’aveva spuntata portando il vecchio Ninomiya alla morte per malattia. Nasce una serie di avvenimenti, schermaglie amorose, rivalità e scene comiche, e viene inserita anche la classica tragedia di ogni buon film romantico giapponese che si rispetti, e il fulcro di tutto questo sarà il percorso fisico, sportivo ed interiore di Keisuke per arrivare a battere il cavaliere nero Nakanishi.

Un racconto estremamente gradevole, ben sceneggiato, in grado di strappare sincere risate e di commuovere come ogni film Giapponese di questo genere sa fare. Amicizia, amore, rivalità, tragedia, delusione. Visto il mio amore per Masami Nagasawa, non potevo assolutamente mancare la visione di questo film, e soprattutto il fatto che questa volta lei non baci nessuno mi rende anche poco geloso! Non ho mai letto il manga, per cui non sono in grado di dare un giudizio sulla sceneggiatura, ma altre fonti riportano una buona trasposizione degli avvenimenti condensati mirabilmente in due ore di girato. Merita una menzione il fenomeno Masami Nagasawa, che dopo 世界の中心で、愛をさけぶ(Sekai No Chushin De, Ai Wo Sakebu - Gridare Amore Dal Centro Del Mondo, di Yukisada Isao, Toho 2004) ha avuto un crescendo inimmaginabile di popolarità: la sua presenza salva a priori il film. Al contrario di molte attricette della su astessa categoria la Nagasawa riesce sempre ad essere credibile e la sua interpretazione coinvolgente. Chiaramente la produzione non ha rinunciato ad attirare il pubblico maschile con delle inquadrature studiate ad hoc della ragazza in costume da bagno (Ami Ninomiya infatti è una tuffatrice dalla piattaforma, se pur di scarso livello agonistico): sono veramente curioso di vedere se i suoi talento e popolarità si preserveranno con l’andare avanti degli anni, o se invece il suo è solo un mito di giovinezza destinato a svanire. Guardando il film non ho potuto fare a meno di riflettere su quanto in Giappone i canoni di età siano diversi rispetto ai nostri: prendiamo il forte Nakanishi, rivale di Yamato: è solo un pischello del primo anno di università, eppure si atteggia a navigato uomo, fulcro di saggezza e dispensatore di perdono e comprensione nei confronti dei più giovani. Da noi un ragazzino al primo anno di università è più o meno una merdaccia pelosa. Ma i ragazzi giapponesi sono tutti saggi come quelli dei teen-movie? Quelli che ho conosciuto non sono così, bah. Abbiamo anche un bel po’ di pubblicità occulta: la Japan Swim, cioè la federazione di nuoto Giapponese è la padrona delle scene di gara e di alcune inquadrature chiave del film: poi gli sponsor collegato come l’italianissima Arena cura lo swimwear degli atleti, in quasi ogni inquadratura, poi la ANA, la Seiko e via dicendo. Per Kentaro Otani, alla prima pellicola di alta popolarità, riprese nella norma per le scene di dialogo, ma assolutamente eccezionali ed entusiasmanti per le scene di gara in piscina: mai visto nulla del genere davvero. Di certo non è un film sopra la media, ma comunque una visione gradevole ed allegra, commovente ed emozionante, che non deluderà nessuno.

ラフ (Rafu - Rough)

Giappone, 2006 - regia Kentaro Otani

嫌われ松子の一生(Kiraware Matsuko No Issho - La Vita dell'odiata Matsuko)

2008-09-28T22:30:00.000+02:00

Tradurre letteralmente il titolo di questo film è cosa ardua, soprattutto se si vuole che il titolo non sia brutto. Il verbo 嫌う(kirau) vuol dire "odiare", 嫌われ者(kirawaremono) è una persona odiata fin quasi al disprezzo, quindi 嫌われ松子(kiraware Matsuko) è l'odiata Matsuko. I distributori internazionali hanno preferito smorzare i toni con un semplice Memories Of Matsuko, quasi a voler togliere un che di spoiler a questo titolo controverso che mi ha impegnato assai (da qui la mia ignoranza in lingua Giapponese..). La prima persona che me ne ha parlato è stata Stefy che è stata al Far East Festival di quest'anno, dove appunto è stato presentato questo film, il secondo lavoro di Tetsuya Nakashima. In Giappone il flim ha visto le sale già l'anno scorso, e addirittura si è arrivati a finire il drama correlato (una mini serie TV con attori diversi basata sulla trama di un film famoso, per saziare la gioia dei fan che non si accontentano): questo dimostra la lentezza con la quale vediamo arrivare questi lavori in occidente. Incantato dal bellissimo 下妻物語(Kamikaze Girls), ho subito preso a cuore questo film e visto che non erano disponibili i sottotitoli, ho scaricato quelli in inglese esistenti in rete, li ho adattati alla versione che avevo (ViTO), e li ho tradotti. Risultato: come per 世界の中心で愛をさけぶ(Gridare Amore Dal Centro Del Mondo) ho vissuto per diverse ore con questo film ascoltando ogni dialogo, correggendo il mio file SRT e riassegnando molte linee stranamente attribuite a personaggi sbagliati. Ho passato ben due turni notturni a lavoro attaccato a questo film, fino a sentire un pò come mia questa storia, che, arrivati al finale, mi ha strappato delle lacrime. Queste esperienze di traduzione da un lato rovinano una visione lineare della pellicola, eliminando totalmente quello che il regista vuole trasmettere con il montaggio, il ritmo delle inquadrature; dall'altro lato instaurano una empatia coi personaggi che si sviluppa rivedendoli più e più volte nella recitazione di una scena, nel cercare di capire se quello che stanno dicendo corrisponde esattamente al sottotitolo oppure no. Dopo aver completato la traduzione del film, sono andato da Weltall, abbiamo collegato la memoria Flash al computer, e con Rosuenn ci siamo immersi nella visione di quello che per me era consuetudine, per loro una novità. Una visione non stop a velocità normale mi ha dato così finalmente un'immagine completa del film e della storia.

Sho è un ragazzo spiantato e con la testa tra le nuvole che vive a Tokyo, dove si è trasferito per diventare musicista, ma la sua vita è andata a rotoli a causa della sua inedia. Un giorno si presenta a casa sua Norio, il padre, con in mano un'urna cineraria. Si tratta di Matsuko, una zia mai conosciuta, sorella maggiore del padre, assassinata barbaramente qualche giorno prima. Il padre assegna a Sho il compito di ripulire l'appartamento dove viveva Matsuko, un appartamento vicino alla riva di un fiume. L'appartamento è ricolmo di immondizia, lurido come il rifugio di un senzatetto, il vicino di casa è un pazzo metallaro col corpo pieno di tatuaggi, le pareti sono tappezzate di poster degli 光GENJI(Hikaru Genji), una boy band degli anni ottanta non proprio consona ad una signora di 53 anni quale era Matsuko, che a detta del vicino era odiata da tutto il vicinato; e come se non bastasse all'asterno della sua casa ronzano loschi figuri che sanno tanto di Yakuza e si interessano proprio a lui. L'incertezza assale Sho che stordito da questa mole di stranezze viene risvegliato dal detective della polizia che segue il caso, che gli rivela che sua zia era tutt'altro che spiantata: era una amata e popolare professoressa di scuola media. Comincia così un viaggio di scoperte che porterà Sho a conoscere l'esistenza di Matsuko, sua zia, vissuta a cavallo tra le epoche Showa ed Heisei, tra bordelli, attrici porno, personaggi bizzarri, amori folli, botte da orbi, sofferenza: una fantastica e tragica avventura che si concluderà con un pestaggio selvaggio da parte di chissà chi poco sopra l'argine di un fiume.

Tetsuya Nakashima, proveniente dal mondo della pubblicità, sa bene come stupire l'occhio dello spettatore, e come già in 下妻物語(Kamikaze Girls) anche qui non risparmia toni estremamente contrastati nella palette dei colori delle immagini, assieme ad un uso ossessivo di lenti grandangolari, riprese meccanizzate, steadycam e tutto un repertorio tecnico-cinematografico che è assieme un "già visto" e una "novità". Indubbiamente una firma di autore, come Picasso disegnava solo inutili linee senza senso, Nakashima fa i film in questo modo: la critica afferma che questa pellicola possa essere l'affermazione definitiva di uno stile, mentre qualcun altro ritiene l'estremizzazione visiva si interessante ed impressionante, ma non applicabile a tutti i generi di film. Personalmente, una storia tragica come questa, girata in maniera classica, avrebbe raggiunto il baratro della tragicità fine a se stessa oltrepassando un fragile equilibrio oltre il quale non si può andare: intendo, è impossibile che una persona possa vivere un'esistenza così. Secondo me questo stile di ripresa da videoclip accompagnato da una incredibile colonna sonora (scritta da un italiano, Gabriele Roberto, vincitore per questo lavoro dell'oscar Giapponese) in salsa musical, salva il film e lo rende originale. Il montaggio non lineare fatto di continui flashback e flashforward mantiene viva l'attenzione dello spettatore non lesinando colpi di scena incredibili. Ho letto da quanche parte che questa sceneggiatura, nelle mani di un altra persona, avrebbe generato solo un pasticcio. Pensiamo a Crazy Lips, un Pinku Eiga che pretende di fare il musical, l'horror e il film di arti marziali: Memories Of Matsuko è un film estremamente drammatico che vuole fare il musical, il film romantico e la saga. I risultati sono evidenti: Nakashima ha stoffa e se la cava, anche inciampando in un inizio incerto a totale discapito del personaggio di Sho che invece si rivelerà poi elemento in parte risolutore della storia, dimostrando una sensibilità non propria del teppistello che il regista dipinge nei primi minuti. Un altro neo è l'improbabile concentrazione di eventi tragici nella storia, che se pur possibile risulta esagerata: questo però, da un altro punto di vista, potrebbe essere un lato positivo soprattutto se si guarda a come gli stessi eventi tragici conducono inesorabilmente ad un pre-finale assolutamente non scontato. Il finale poi è tutta un'altra cosa, si abbandona alla più classica tradizione Giapponese dello "strappalacrime per forza": lacrimoso ma riappacificatore, risolutore, bello. Se vogliamo fare il gioco del "già visto in", sfido chiunque a dirmi dove ha già visto l'attrice che interpreta Kumi, la sorella malata di Matsuko: dopo diversi minuti non ci sono arrivato e ho guardato su IMDB: è Mikako Ichikawa, interpetava la collega del padre del bambino in 今会いにやきます(Be with you). La superstar del film è senza dubbio Miki Nakatani, bellissima e bravissima sia nella recitazione che nel canto (fa la cantante...). Kou Shibasaki (Ritsuko in Gridare Amore Dal Centro Del Mondo e Mitsuko in Battle Royale) interpreta come quasi cameo la ragazza di Sho; Anna Tsuchiya (Aoi Suzuishi, la ragazza del Go in The taste of Tea, Ichigo la teppista in Kamikaze girls) fa un'apparizione fugace, cossiccome Yu Aoi (Alice in Anna & Alice di Iwai, Shiori Tsuda in All Abou Lily Chou Chou).

In conclusione: un film bello, emozionante, non scontato, una gioia per gli occhi e un esercizio di stile per un bravissimo regista, che non è male neanche come sceneggiatore. Di certo è da vedere.

嫌われ松子の一生(Kiraware Matsuko No Isshou - La Vita dell'odiata Matsuko)

Giappone, 2006 - regia Tetsuya Nakashima

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2008-09-28T22:27:00.000+02:00

Se avete letto il libro, alla visione di questa locandina vi starete chiedendo:"Perchè?", perchè i fiorellini scintillanti? Perchè colori pastello? I colori che avevo immaginato nella lettura del breve romanzo erano più cupi, e l'atmosfera generale che mi sarei aspettato dal film era diversa: ma al di là delle semplici considerazioni sensoriali soggettive di ogni individuo che vede un film dopo aver letto il libro al quale tale film era ispirato, ci sono dei motivi più profondi e fondati dietro questo mio scetticismo. Riporto di seguito per filo e per segno la trama del romanzo-film esattamente come l'ho scritta nella mia recensione del romanzo di Risa Wataya, al quale il film è "ispirato".

Asako ha diciassette anni, vive la sua quotidianità come tutte le altre ragazze giapponesi della sua età, tra piccoli finti drammi, solitudini, impegnativi rapporti interpersonali: Asako dimostra una certa attitudine all'impulsività e alla sfrontatezza. Un giorno stanca della sua vita si assenta da scuola prima della fine delle lezioni, e viene sospesa per diversi giorni. Caduta in depressione per l'andare delle cose decide di fare piazza pulita di tutto, a cominciare dalla sua stanza, che svuota completamente di arredi e suppellettili, compreso un pianoforte, e gettando tutto alla spazzatura durante diversi giorni di duro lavoro. Per ultimo trova, impolverato, un vecchio computer, che non ne vuole sapere di funzionare, regalo dell'amato nonno buon'anima. Getta a malincuore anche quello, e si ritrova davanti alla catasta di rifiuti nel deposito condominiale, vestita con la divisa scolastica e distesa su un pavimento puzzolente di benzina e olio. Per la sua piccola vita questo è il fondo. Incontra in quell'istante un bambino, al quale regala il computer al quale sembrava interessatissimo. Passano così i giorni, e Asako continua ad uscire di casa la mattina vestita della sua divisa, aspetta che la madre esca di casa e rientra per passare le giornate nella sua stanza vuota. Durante i giorni festivi la madre rimane in casa, e lei si rifugia nella terrazza del palazzo. Passano i giorni e una serie di strani eventi la portano ad incontrare di nuovo il bambino, che è riuscito ad aggiustare il computer e lo usa abitualmente rinchiuso dentro un armadio a muro. I due stringeranno uno strano legame per via di questo computer, e il bambino rivelatosi anche troppo grande per la sua età le proporrà di sostituirlo in un "lavoretto" che è solito svolgere nel tempo libero: fingere di essere una prostituta in una chat erotica a pagamento.

Il motivo di questa mia copiatura non è la poca voglia di scrivere, ma la dolente constatazione del fatto che il film dal punto di vista della sceneggiatura è una maldestra trasposizione più che un'interpretazione del libro: questo fatto vista l'ottima scrittura della Wataya dovrebbe essere un solido punto a favore della pellicola, ma qui si tratta di assistere ad un evolversi delle situazioni identico assieme ad un utilizzo di intere frasi copiate parola per parola, il tutto in un contesto visivo e ambientale a mio avviso completamente sballato rispetto al romanzo. Siamo in una periferia di una città Giapponese, suppongo Tokyo anche se non è specificato, ma tutto è diverso dalla classica periferia con casermoni immensi. Giuro io ho visto scene da Matrix quando ho percorso l'autostrada da Narita a Tokyo, passando per la prefettura di Chiba: infiniti parallelepipedi di dieci o quindici piani le cui facciate sono tutte balconate, gli accessi alle abitazioni sono all'aperto e sopra ogni porta c'è una luce al neon e una luce rossa, penso sia l'estintore. Questi palazzoni di notte danno l'impressione di un'umanità inscatolata nell'anonimia come nelle vasche di coltura dei corpi di Matrix per l'appunto. Avrei immaginato che asako vivesse in un ambiente simile, ma invece vive in un complesso incredibile di palazzi colorati di un ambra acceso che cingono a semicerchio un quartierino di villoni con stradine all'americana e tanto verde. C'è un parco simil Versailles con un laghetto a fuga prospettica su di un ponte del sospiri e in cima al palazzone più grande un simil-campanile dove all'interno ci si può sbaciucchiare in panchine ivi appositamente allestite. Un'ambientazione particolare che si fonde alla perfezione con lo stile di ripresa del regista e con la contrastatissima (cromaticamente parlando) palette cromatica che qualcuno ha dato alle immagini in post produzione, come Peter Jackson insegna. Tutto è strano e l'unico paragone che mi salta alla mente è 下妻物語 (Shimotsuma monogatari - Kamikaze Girls), dove una storia e personaggi particolari per non dire bizzarri è enfatizzata da utilizzo massiccio del grandangolo, da rumori per evidenziare movimenti (tipo kung fu) etc. La Wataya parla di un disagio interiore profondo e del rinchiudersi in un microcosmo comunque comune e usuale; è il solito Giappone che dovrebbe accompagnare questa storia, non il paese del Mago Di Oz. Se Mika Omori, la sceneggiatrice, si fosse limitata a copiare dal libro magari i danni sarebbero stati lievi, ma ha fatto di peggio: Momenti di follia pura e delirio comico (memorabile la scena dove si descrive la coprofilia..) si alternano a momenti di drammatico sconforto, senza una logica chiara e vi sono degli evidenti buchi forse a causa di un ahimè non precisissimo montaggio. Il regista Kei Kataoka non si lascia scappare l'occasione di sfruttare l'arma della ragazzina diciassettenne in divisa scolastica per soddisfare il maschio giapponese medio, e inserisce una scena che assolutamente non condivido nella quale Asako chatta con un "cliente" che le fa delle domande dirette in materia sessuale: secondo la Wataya la protagonista dovrebbe reagire con un'emozionante imbarazzata eccitazione mentale e fisica di fare qualcosa di proibito con la sicurezza di non farlo in realtà; secondo Kataoka questo si trasforma in un piccolo videoclip sexy dove la controparte cinematografica Aya Ueto si struscia su una coperta e poggia sensualmente i suoi labbroni carnosi su di una lattina di coca-cola. Il lato sexy della Ueto è vistosamente evidenziato da un pesante trucco alle suddette labbra che appare magicamente e scompare a seconda del tono della scena. Poi ci sono delle strane invenzioni: come una morte che non dovrebbe esserci se non per dare drammaticità ad una storia che non è drammatica, ma una continua vignetta accompagnata continuamente da una colonna sonora allegra da spot pubblicitario, e da una insopportabile voce fuori campo che dice "tu-tu-pi-tu" dopo alcune battute e in alcuni cambi di scena. Insomma voto negativo per tutto tranne che per l magistrale interpretazione del bambino Kazuyoshi, interpretato da Ryunosuke Kamiki, che sarà scelto l'anno successivo da Takashi Miike per interpretare Tadashi Ino, il bambino protagonista di 妖怪大戦争(Yokai Daisenso - The Great Yokai War). Leggete il romanzo, ve lo consiglio, se poi volete vedere Aya Ueto che recita anzichè cantare e pubblicizzare salsa di soia e fare la idol, guardate il film.

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Giappone, 2004 - regia Kei Kataoka

Nicola ama il cinema giapponese

アウトレイジ (Outrage)

紅の豚 (Il Maiale Cremisi) - Porco Rosso

ハチ公物語 (La Storia Di Hachiko)

アマルフィ 女神の報酬 (Amalfi: La Ricompensa Della Dea)

全然大丈夫 (Fine, Totally Fine)

L change the WorLd

デスノート The Last Name (Death Note, The Last Name)

デスノート (Death Note)

Sweet Rain - 死神の精度 (Dolce Pioggia. L'accuratezza dello spirito della morte)

天然コケッコー (Un "Coccodè" naturale)

紀子の食卓 (Noriko's Dinner Table)

青の炎(La Luce Blu): Kamakura e il "Super Teenager"

東京タワー 〜オカンとボクと、時々、オトン〜 (La Torre Di Tokyo: Io, La Mamma E Qualche Volta, Il Babbo)

大停電の夜に (Il blackout notturno)

Tokyo!

恋空 (Koizora - Il Cielo Dell'Amore)

おくりびと (Departures)

K-20 怪人二十面相・伝 (La leggenda dell'uomo misterioso dalle venti facce)

ジェネラル・ルージュの凱旋 (Il Trionfo del Generale Rosso)

チーム・バチスタの栄光 (La gloria del Team Batista)

ドロップ (Drop)

インスタント沼 (La palude istantanea)

フィッシュストーリー (Fish Story)

百万円と苦虫女 (One Million Yen Girl)

エリ・エリ・レマ・サバクタニ (Eli Eli, Lema Sabachtani)

東京ゾンビ (Tokyo Zombie)

僕の彼女はサイボーグ (La mia ragazza è un cyborg)

蟲師 (Mushishi - Bugmaster)

クワイエットルームにようこそ (Benvenuta nella stanza tranquilla)

亀は意外と速く泳ぐ (Le tartarughe nuotano più velocemente di quanto si pensi)

ピンポン (Ping-Pong)

男たちの大和 (Gli Uomini della Yamato)

鮫肌男と桃尻女(L'uomo con la pelle di squalo e la donna col culetto di pesca)

Go

秒速５センチメートル (Cinque Centimetri Al Secondo)

Undo (アンドゥー)

スケバン刑事 コードネーム=麻宮サキ (La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki) (UPDATED)

金融破滅ニッポン 桃源郷の人々 (Il Giappone in rovina finanziaria: gli abitanti di Utopia)

手紙 (Tegami)

スキヤキ・ウエスタン ジャンゴ (Sukiyaki Western Django)

ただ、君を愛してる (Semplicemente, Ti Amo)

女子競泳反乱軍 (Giovani Nuotatrici ribelli)

スウィングガールズ (Swing Girls)

そのときは彼によろしく (Say Hallo For Me)

それでもボクはやってない (Comunque sia, non sono stato io)

ト二ー滝谷 (Tony Takitani)

フラガール (Hula Girls)

ごめん (Scusami)

ラブ&ポッパ (Love & Pop) e 援助交際( Enjo-kōsai)

ヒノキオ(Hinokio: Intergalactic Love)

青の炎(La Luce Blu)

誰も知らない (Nobody Knows)

ラフ (Rough)

嫌われ松子の一生(Kiraware Matsuko No Issho - La Vita dell'odiata Matsuko)

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アマルフィ女神の報酬 (Amalfi: La Ricompensa Della Dea)

東京タワー〜オカンとボクと、時々、オトン〜 (La Torre Di Tokyo: Io, La Mamma E Qualche Volta, Il Babbo)

スケバン刑事コードネーム=麻宮サキ (La capo-banda detective. Nome in codice: Asamiya Saki) (UPDATED)

金融破滅ニッポン桃源郷の人々 (Il Giappone in rovina finanziaria: gli abitanti di Utopia)

スキヤキ・ウエスタンジャンゴ (Sukiyaki Western Django)